quarta-feira, 30 de maio de 2007

Terrakota - Oba Train

7/10
Gumalaka
2007
www.terrakota.net



Depois de dois álbuns (Terrakota, de 2002, e Humus Sapiens, de 2004) consagrados ao cinzelamento de uma identidade sonora própria (com as inerentes imperfeições estruturais) e à consequente consolidação de uma estética unificadora de caracteres rítmicos com procedências étnicas diversas, o terceiro registo prescrevia, para os Terrakota, o desafio de juntar consistência a esse idioma híbrido. Ao escutar Oba Train percebem-se os ecos da maturação de sons do octeto que, repisando as mesmas referências mestiças dos antecessores (sob um manto de sons caribenhos e embalos reggae cabem os mais variados sabores da mandinga e da gwana, as nuances latinas da salsa, do flamengo e do merengue e algumas insinuações importadas da cultura árabe e indiana), apresentam uma matriz de composição mais escorreita e, sobretudo, um corpo de canções mais seguras e credíveis no encadeamento das diversas estirpes de som. É assim que Oba Train se converte num exercício de autoconsciência dos Terrakota (nesse particular, os vocais de Romi estão no auge!) e, em simultâneo, no breviário ideológico de um bando de músicos que nos oferece, agora, o mais completo (e sumarento) dos seus mosaicos de sons, uma espécie de digressão nómada e apátrida por uma África negra com o tamanho do mundo.

Posto de escuta MySpace dos Terrakota

terça-feira, 29 de maio de 2007

Popnoname - White Album

7/10
Italic
Flur
2007
www.popnoname.de



Por detrás do título Popnoname mora o alemão Jens Uwe Beyer, um dos novatos da recente estirpe da cena digital de Colónia a que, na urgência mediática de rótulos, a crítica especializada se apressou a chamar de Bit Generation e que tem no selo Kompakt um dos mais expressivos cancioneiros (Justus Köhncke, Tobias Thomas, Michael Mayer, Reinhard Voigt, Superpitcher, são alguns dos filiados). A proposta Popnoname é simples: cultor da relação óbvia entre o experimentalismo electrónico (nas mais variadas formas de música dançável) e a eficácia de uma abordagem pop, Jens Uwe Beier constrói peças leais à fórmula de crescendos cíclicos (chame-se-lhe progressismo) e a abraçar diversas permutas estéticas, do minimalismo à abstracção, do colorido tecnho à propagação ambiental, dos vocais à abstracção instrumental. No fundo, White Album traduz uma harmoniosa profusão de matérias digitais, por vezes transbordando as fronteiras da música de dança e anunciando um certo fôlego cinematográfico (ilustrado en passant nas magna peças do álbum, "Kapital" e "Mother Earth") que, todavia, não desvia o disco da órbita pop-rave (palavras do próprio Beier) que, de certa forma, confirma as tendências fusórias de géneros dos últimos produtos da electrónica alemã.

Posto de escuta MySpace de Popnoname

segunda-feira, 28 de maio de 2007

The Bravery - The Sun and the Moon

7/10
Island
2007
www.thebravery.com



Desde os primeiros acordes de The Sun and the Moon se percebe que, em sentido contrário àquele que foi seguido por muitos dos seus parceiros na geração recente do rock que baquearam redondamente no ensaio de "maturação" do segundo disco, os The Bravery não precipitam o crescimento da sua música. Ao invés de ensaiarem a cisão radical com o passado recente e assim se exporem ao desnecessário risco de esbanjar o capital de confiança granjeado após o disco de estreia, os nova-iorquinos optaram pela via mais segura e inteligente: evoluir paulatinamente, aproveitando as matérias essenciais da estética dance-rock mas dando-lhes uma arrumação mais orgânica e, ao mesmo tempo, acomodando as cadências apressadas do debute a um discurso mais consentâneo com os cânones do rock século XXI (leia-se Strokes, Franz Ferdinand, Jet, Modest Mouse), sem omitir luminárias de outros tempos (The Cure, Beatles, Duran Duran). Todavia, essa vantagem orgânica, se afasta as composições da banalidade ouvida antes e proporciona a criação de alguns momentos inspirados e amigos do tímpano, não chega para encobrir as subliminares insuficiências da escrita e, sobretudo, a "natural" indefinição estética de uma banda que, insistindo nos postulados criativos que presidiram à sua génese, se encontra agora retida no limbo entre a íntima canção acústica de quarto e o hino pujante de rock de arena. Saúda-se a opção, esperam-se novos capítulos...

domingo, 27 de maio de 2007

Von Südenfed - Tromatic Reflexxions




A combinação tem tanto de promissora como de improvável. Imagine-se só: Mark E. Smith, o guru dos pitorescos e míticos (e muitas vezes subvalorizados) The Fall, a fazer equipa com Jan St. Werner e Andi Toma, ambos mestres do psicadelismo sintético nos Mouse on Mars. A confluência de ideias nem é nova (Mark. E Smith já tinha figurado no vinil Wipe that Sound, editado há três anos pelos alemães) mas é a primeira vez que os três dão à convergência um corpo ultimado, a que chamaram Von Südenfed. E a coisa acaba por tornar-se, mais do que uma mera edição contemporânea meritória, um interessantíssimo (e suculento) acontecimento histórico, por reunir o lendário espírito de motim do pós-punk britânico - de que Mark E. Smith é um dos mais louváveis embaixadores - com a esquizofrenia e o experimentalismo IDM-pós-techno que os germânicos ensaiam há mais de uma década. Vistas bem as coisas, a substância electrónica dos Mouse on Mars é no seu subliminar extremismo, na abstracção e na tendência para produzir, com o ruído, alguns profícuos conflitos de sons, o melhor suprimento para a mente sobressaltada e as alienações visionárias de Smith. O enlace orgânico das composições é surpreendente, sem sobrepor uma das partes à outra e, com isso, Tromatic Reflexxions percorre convincentemente as tendências recentes da electrónica dançável, aceitando as coordenadas vocais excêntricas e perversas do anti-herói rock Smith. O desfecho dessa venturosa digressão, com escalas mais ou menos evidentes na música de vários quadrantes dos últimos trinta anos, a despeito de um ou outro momento menos inspirado, é pouco menos do que sublime. E fazem-se mais claras as proveniências da confessada (e justificadíssima...) admiração de James Murphy por Mark E. Smith.

sexta-feira, 25 de maio de 2007

Bill Callahan - Woke on a Whaleheart

7/10
Drag City
AnAnAnA
2007
www.dragcity.com



Ele é um dos mais subvalorizados vultos da música americana. Senhor de um percurso forrado a boas canções e ancorado a um espaço sonoro rústico e experimental a que chamou (Smog) - que ergueu em demanda de respostas para uma personalidade impaciente e céptica - Bill Calahan aventura-se, pela primeira vez, numa edição com o nome de baptismo. Mais do que propriamente fazer uma qualquer espécie de breviário de um património estético acumulado ao longo de mais de uma década de gravações dedicadas a uma revisitação consternada (e intencionalmente rudimentar) das raízes mais profundas da música americana e seus vários idiomas, Woke on a Whaleheart desvenda mostras de um espírito menos desassossegado (não ler como sinónimo de conformista). Não espanta, portanto, que estas canções sejam o corolário das emendas recentes do projecto (Smog), rumo a um estilo mais ortodoxo (o experimentalismo a ceder à composição) e de escrita mais robusta. Em boa verdade, Woke on a Whaleheart está nos antípodas dos rótulos home recordings de início de carreira e, nesse sentido, estas peças são produto de uma maturidade conceptual conseguida à custa de altos e baixos e que, em última instância, dotou Callahan dos recursos (e confiança) imprescindíveis para tirar melhor proveito da sua (cada vez menos) conturbada verve. Nessa redescoberta de si mesmo, no ofício e na vida - a recém-divulgada relação com Joanna Newsom deve ter dado uma ajuda - o músico reciclou melancolias e deu-lhes um inesperado alento pop, com o precioso auxílio de Neil Michael Hagerty (antigo mentor dos Royal Trux) nos arranjos.

Para os seguidores mais antigos, aqueles que vêm à procura das odes estaladiças e ascéticas do passado, Woke on a Whaleheart pode deixar a sugestão de que, volvidos estes anos, já nada resta do bandoleiro eremita e melancólico que Callahan foi e, no lugar dessa recordação, mora agora um poeta "romântico" de esperança renovada. E, ainda assim, há nesta outra persona (já nem assina como Smog...), a despeito de alguns indícios de incongruência estética, condimentos louváveis o suficiente para justificar o elogio do compositor. Mesmo que vestido com muito mais cores do que é hábito.

quinta-feira, 24 de maio de 2007

Rafael Toral - Space Solo 1

6/10
Quecksilber
2007
www.rafaeltoral.net/



Depois de alguns anos dedicados à especulação em torno das diversas fonéticas produzidas por uma guitarra eléctrica e a interacção desse discurso tonalmente heterogéneo com o silêncio e o espaço, assim se compondo uma idiomática mais ou menos "ambiental", Rafael Toral divorciou-se das cordas que o acompanharam na (pouco mediática) consagração no espaço vanguardista luso. Space, do ano transacto, foi o preâmbulo de uma ambiciosa redefinição de processos e consequente novo ciclo na vida do músico, apresentando um dialecto sonoro feito de sintagmas electrónicos de ferramentas de construção própria (o amplificador portátil modificado tornou-se imagem de marca de Toral). Além da reformulação sistémica da música (ou como mais convém chamar-lhe, "ensaio de sons"), em réplica ao espírito inquieto de Toral, sempre à procura de limites desconhecidos para as certezas físicas do som, o álbum desvendava outro desassossego: a necessidade de interacção. Para essa permanente (e irrefreável) sondagem de formas de comunicação entre som e espaço, denominador comum ao conjunto da obra de Toral, já não chegava a coerência da união entre músico e instrumento. O segundo capítulo do Space Program prossegue na estruturação dessa originalíssima forma de expressão, com recurso ao feedback e estática que nascem da coreografia instantânea do músico em interacção com os artefactos "instrumentais" que criou. O domínio de Toral (aqui ele está só, não tem ajudas de outros como em Space) sobre os esparsos (porque o silêncio continua a ser uma carta deste baralho) e vibrantes fraseados experimentais é completo e faz de Space Solo 1, ainda que com uma excitação menos robusta do que a do antecessor (organicamente mais preenchido), um consistente exercício prático de um cientista do som em diligências para somar vocábulos originais à semântica quase estagnada dos sons de vanguarda.

Posto de escuta Portable Amplifier

Arbouretum - Rites of Uncovering

7/10
Thrill Jockey
AnAnAnA
2007
www.myspace.com/arbouretum



Bastaria dizer que Dave Heumann - o mentor do colectivo Arbouretum - foi músico de suporte de gente como Cass McCombs ou Will Oldham e baterista dos Anomoanon para adivinhar a órbita preferida do seu som. Rites of Uncovering, segundo disco do projecto, é música com a guarnição da mais vernácula herança dos sons da América e, nesse sentido, trata-se de um álbum profundamente enraizado na estreme tradição dos cantautores folk. Contudo, mais do que meramente se mostrarem nesse seguidismo histórico onde colhem as suas influências estruturais, as composições buscam uma orgânica própria, sublinhando dimensões sombrias (os tons tardos e graves fazem-se regra) e pautadas pela adopção do psicadelismo (mormente nos extensos solos de guitarra ao jeito de um Hendrix sob o efeito de ansiolíticos) como interposição subliminar. Assim se constrói uma certa excentricidade folk-rock, assente sobretudo na conjura entre os ambientes contemplativos (de quase introspecção) e intimistas e os espasmos eléctricos. Todavia, a despeito da intenção de, com essas oscilações estruturais, imprimir dinâmica à exímia escrita do disco, o resultado final é menos impressivo do que podia ser (com alguns instantes de excepção, como na belíssima "Tonight's a Jewel", na negra "Signposts and Instruments" ou a quase progressiva "The Rise"), em razão de um certo acanhamento formal que encurta a expressividade rústica das canções e impede os paroxismos emocionais que elas suporiam. De toda a maneira, o conforto da melancolia é ainda um lugar inspirador da música americana e raras vezes é tocado (e cantado) com esta solenidade e mestria.

quarta-feira, 23 de maio de 2007

Pink Martini - Hey Eugene!

6/10
Wrasse
Universal
2007
www.pinkmartini.com



Não constitui surpresa para ninguém que, ao terceiro registo de um percurso de uma década, se tenha esvaziado o interesse da fórmula dos americanos Pink Martini. À ousadia estética de ensaiar um registo cruzador de legados sonoros de tempos e escalas distintas, além de faltarem os atributos de técnicas e substâncias originais (ainda que as referências sejam invocadas com a competência técnica que merecem), parece agora faltar um rasgo de criatividade à medida da tarefa ("Dosvedanya Mio Bombino" e o tema-título são de uma banalidade confrangedora). Em Hey Eugene! subsiste a revisitação dos mais subtis e variados aromas da música latina, aí se estabelecendo pontes com outros registos do grupo, da chanson française, dos musicais da era dourada do cinema e do jazz orquestral. E se, noutros momentos da carreira dos Pink Martini, essa diversidade de estilos - ainda que merecendo o justo elogio pelo propósito ecléctico que encerrou - acabou por produzir alguns conflitos estéticos entre composições emparelhadas num mesmo disco, esse delito repete-se aqui, num emaranhado de alvitres retro a que parece faltar uma identidade superior e um compromisso regenerador. Face à previsibilidade geral das canções, Hey Eugene! vale pela nostálgica visita a sons e costumes (temporal e geograficamente) distantes dos vectores dominantes da indústria musical moderna.

Ateleia - Formal Sleep

7/10
Xeric
2007
www.ateleia.com



As referências anteriores de James Elliot reportam ao seu envolvimento no colectivo nova-iorquino School of Seven Bells, um projecto radicado num dos mais prolíficos sítios do panorama actual da música americana (Brooklyn, de onde também saíram as Au Revoir Simone, os Clap Your Hads Say Yeah ou os Oneida) e dedicado à especulação das formas independentes da pop em torno do psicadelismo. No conceito Ateleia, a sua assinatura a solo, o referencial estético é substancialmente diferente, apontando a cuidadosas elaborações electrónicas e à construção de paisagens sonoras complexas e de espectro largo (embora tecnicamente reduzidas à "mera" manipulação sintética de sons), no mesmo jeito cerebral, frio, cíclico e magnético a que as forjas do japonês Chihei Hatakeyama ou do austríaco Fennesz nos habituaram. Em insinuações mais distantes, no tempo e na forma, Formal Sleep chega a aludir ao escapismo electrónico que Robert Fripp e Brian Eno, com espantoso efeito profético, dividiram na longínqua década de 70. Não se trata, portanto, de electrónica consensual, tampouco de música de afeição espontânea mas, dando a esta linguagem vanguardista (e acentuadora de planos harmónicos abstrusos) o tempo suficiente para crescer além da sua natureza granulada e dos seus princípios subversivos, certamente se desvendarão pequenas pérolas de futurismo. Escutem-se, a título de exemplo, as magníficas "A Doubtful Shore" e "Bridget Riley".

terça-feira, 22 de maio de 2007

Lichens - Omns

7/10
Kranky
2007
www.kranky.net


O projecto Lichens é o alter-ego artístico de Robert Lowe (ajudante ocasional dos TV On the Radio ou dos Castanets e integrante dos 90 Day Men) e, sendo um conceito sonoro essencialmente pessoal e intimista, permite-lhe o exercício de outras fantasias e improvisos. Ao passo que, naqueles colectivos (particularmente nos 90 Day Men, bando de estetas descomprometidos que ajudou a fundar em Chicago), Lowe se instruiu nas diversas cambiantes e incertezas do rock menos convencional, ainda que permanentemente arreigado ao conceito estrutural de canção, na esfera Lichens não existem quaisquer obstruções formais. As inflexões típicas de improviso são, nos mesmos moldes escutados no álbum anterior (e primeiro), o motivo primário de "composições" minimalistas, quase roçando o absurdo da parcimónia instrumental extrema, e que, quiçá por isso, se tornam espantosamente magnetizantes e envolventes, ao jeito dos melhores instantes de Keiji Haino. Trata-se, no fundo, de "música" sem destino prévio e que expede a mente para transes de delicada espiritualidade, invocando as dimensões mais espectrais de dedilhados de cordas, unidos a mantras vocais processadas (ou insinuadas) e a misteriosas paredes de vibrações sonoras que ecoam na mais sinistra autonomia. Omns é, afinal, a comovente anomalia da consciência musical de Lowe à procura do seu nirvana intemporal; e move-se no elementar negrume e esoterismo da música como ela deve ser: o idioma das inquietudes da alma. E, nesse discurso medular (de que somos sujeitos colaterais), a psique desliga-se da carne e parte em busca da invenção. De qualquer sonho.

segunda-feira, 21 de maio de 2007

Wraygunn - Shangri-La

8/10
Som Livre
2007
www.wraygunn.com



Com muito falatório à sua volta, cá dentro e lá fora (especialmente em França), os conimbricences Wraygunn tornaram-se alvo de uma exposição mediática a que não estavam habituados e, três anos depois do consagrado Eclesiastes 1:11, apresentam-se com as mesmíssimas premissas que os certificaram como um dos ensembles mais cativantes do panorama luso. As afinidades com a música da América negra, particularmente blues, gospel e soul, são as ferramentas estruturais das canções, assim se firmando o traço de continuidade em relação a trabalhos anteriores. Contudo, a banda de Paulo Furtado (sem a "máscara" de lendário homem-tigre) não se cinge a meramente decalcar as referências passadas. Ao invés disso, Shangri-La dá mostras de um certo inconformismo estético de uma banda segura do seu percurso, capaz de preservar as mais-valias da sua identidade e referências históricas (sem escorregar para o anacronismo) mas, sobretudo, com vontade de vincar um discurso próprio e alargar a sua marcha a substâncias modernas (a electrónica também mora aqui...), em orgulhosa marginalidade do mainstream. Este é o idílico poiso musical dos Wraygunn e, como James Hilton o fantasiou num qualquer vale dos Himalaias, Paulo Furtado e seus pares mostram-no agora numa metáfora apuradíssima de sons, a demarcar-se da letárgica atrofia do panorama rock português. E a buscar a utopia da perfeição e o charme da meditação.

sexta-feira, 18 de maio de 2007

Rufus Wainwright - Release the Stars

8/10
Geffen
Universal
2007
www.rufuswainwright.com



Desde os primeiros passos de Rufus Wainwright no universo pop se percebeu que o nova-iorquino estava destinado a tornar-se uma figura de proa de uma das famílias da música mais falhas de protagonistas capazes de somar visão artística e dimensões ambiciosas. Possuidor de uma concepção da música isenta de ingredientes vãos e reveladora de um certo desencanto convertido em excentricidade (no sentido de escapar ao pragmatismo tradicional das escolas pop) e, sobretudo, influenciada por uma convicta afinidade com a música erudita (e a ópera) e as artes do espectáculo (a confessa admiração por Edith Piaf, Maria Callas, Kurt Weill ou Judy Garland são testemunho disso), Wainwright evoluiu para uma linguagem musical sem paralelo na pop contemporânea. Release the Stars é a quinta jornada dessa demarcação, apurando o enlace entre a euforia das orações sinfónicas e dos corais, também uma já idiossincrática magia teatral, e o recato desconsolado das construções pop do autor, servidas por uma voz segura (com menos maneirismos do que os que se escutavam no par de álbuns Want). Esteticamente opulento e versátil, distante da banalidade e sempre apontando ao requinte e à sofisticação sonora (o rol de instrumentos aproveitados no disco é extenso), o álbum é tecnicamente irrepreensível e, embora denunciando alguns estorvos que o desviam da coerência estrutural vista (e ouvida) noutros trabalhos de Wainwright, não deixa de ser um esplêndido exercício de pop grandiloquente e sem concessões. Sons barrocos de cabaret, musicais da Broadway ou peças de recitais clandestinos, as canções de Wainwright são um produto pop de medidas largas, oriundo de uma ciência de sons difícil de domar (e vedada a compositores de pacotilha) mas que, paulatinamente e numa marcha consistente, o nova-iorquino toma em mãos, rumo a uma obra-prima. Assistir ao decurso dessa aprendizagem é um privilégio.

quarta-feira, 16 de maio de 2007

terça-feira, 15 de maio de 2007

The Young Gods - Super Ready/Fragmenté

6/10
PIAS
2007
www.younggods.com



Com as memórias das peças mais elogiadas do percurso dos Young Gods à distância de muitos anos, afinal eles formaram-se há mais de duas décadas, tendo fornecido matérias essenciais (e pioneiras) à ascensão do rock industrial na Europa, no final da década de oitenta, é refrescante descobrir que a fórmula, volvidos todos estes anos, mantém o fervor e a eficácia das origens. A guitarra de espírito vilão, muitas vezes modificada artificialmente, continua a ser a medula de composições esquizofrénicas e deliciosamente pautadas pela arritmia, pelas implosões da percussão e pelo delírio da fusão com padrões electrónicos. As ferramentas do costume, portanto, com a excepção (pouco consistente e nada congruente) de "Stay With Us", ensaio de pretensa meditação electrónica, a fazer lembrar o despiciendo e excêntrico Music For Artificial Clouds (2004). Esquecida essa intrigante incursão por espaços sonoros menos convenientes para os Young Gods, Super Ready/Fragmenté é seguro enunciado (porque assente em conceitos perfeitamente sedimentados) de um estilo que fez escola e que, não merecendo unanimidade dos melómanos, nem indo além da mediania (as proposições destrinçadoras estão em "I'm the Drug" e "Freeze"), servirá para apresentar os Young Gods às gerações mais jovens.

Tori Amos - American Doll Posse

7/10
Sony BMG
2007
www.toriamos.com



A americana Tori Amos sempre se valeu de uma personalidade artística imune a modas e desassombrada q.b. para versar sobre a pátria sob um prisma crítico e auto-consciente, as mais das vezes socorrendo-se da construção de "bonecos" metafóricos (e subsequente redução da sociedade americana à dimensão individual e generalista de estereótipos simbólicos e passíveis das mais variadas interpretações) e projecções abstractas de uma realidade briguenta, com clivagens sociais e, sobretudo, "perversa" nas disparidades. No fundo, o conformismo não é parte do léxico da compositora e isso volta a ser notório neste American Doll Posse, um álbum construído em torno de cinco figuras imaginárias (as tais bonecas americanas...), cada uma delas com poética e estética sonora próprias: Tori (a sulista independente e hedonista), Pip (a punk crua e desiludida com a modernidade), Isabel (a orgulhosa activista política), Clyde (a sonhadora romântica) e Santa (a pragmática, déspota e possessiva). Ainda que musicalmente o disco pouco adicione aos predicados já conhecidos de Amos - apesar de conter alguns momentos primorosos ("Big Wheel", "Body and Soul" ou "Bouncing Off Clouds" são exemplos) - e o seu alinhamento erre por excesso (23 faixas!), não deixa de ser um exercício de pop astuta e, ao mesmo tempo, um curioso retrato das múltiplas dimensões e ambivalências da mulher americana moderna. Por extensão, esta colecção de "donas de casa desesperadas" (sem as inanidades da série televisiva) e suas histórias quotidianas, mostra-nos fragmentos de uma América desconsolada e claustrofóbica, quase alérgica a si mesma e à cata de uma nova identidade.

segunda-feira, 14 de maio de 2007

Wilco - Sky Blue Sky

7/10
Nonesuch
2007
www.wilcoworld.net



Tratando-se de um dos colectivos sacralizados pela crítica especializada norte-americana, mormente depois da edição do seminal e experimentalista Yankee Hotel Foxtrot (2002), os Wilco têm sobre si a responsabilidade de, a cada edição, fazerem o contraponto justo das expectativas à sua volta. E, depois do alargamento do espectro sonoro do grupo com esse álbum (naquilo que foi diversas vezes sobrevalorizado como declaração de purgação estrutural da sua música) e consequente abertura de inúmeras possibilidades de rumo estético futuro para Jeff Tweedy e seus pares (coisa que não é nova para uma banda habituada a mutações subliminares da folk), não estranhou que, nos últimos anos, os Wilco se tenham mantido fiéis ao experimentalismo que deles se esperava. Todavia, não é esse o traço genético essencial da banda (embora tenha sido elevado, de per si, ao estatuto de característica identitária) e, mais tarde ou mais cedo, os Wilco cederiam ao apelo das origens. Nesse particular, o recrutamento do guitarrista Nels Cline - que, com eles, gravara o registo ao vivo Kicking Television : Live in Chicago, de há dois anos - revelou-se uma preciosa adição aos predicados instrumentais, somando ângulos e "realismo" ao som do grupo. Com isso, a par de uma aproximação mais transparente às causas soul, Sky Blue Sky desobriga-se de alguns dislates presentes nos últimos registos (e do pretenso torpor contemplativo que as experiências sonoras sugeriam), marcando uma reaproximação ao rock ligeiro dos 70's, entrecruzado com as substâncias melódicas habituais. Sorvidas as lições inconstantes e abstractas do laboratório, os Wilco repescam a tradição do country-rock e regressam (o que não é, neste caso, sinónimo de retrocesso) à sua orgânica "natural" com a firmeza de quem vê a música (e o seu processo de construção) não como um mero exercício descontínuo de réplica a apetites conjunturais, antes como uma sucessão didáctica de estímulos a que sempre está subjacente um miolo originário e estruturante. E ele volta a ser, neste Sky Blue Sky, o motivo primaz.

domingo, 13 de maio de 2007

The Cinematic Orchestra - Ma Fleur

7/10
Ninja Tune
Symbiose
2007
www.cinematicorchestra.com



Após cerca de oito anos de convergências com o selo Ninja Tune, período esparsamente preenchido com um quarteto de álbuns que se fecha com este Ma Fleur, os The Cinematic Orchestra são um dos mais dúcteis conceitos sonoros da editora londrina. Fazendo jus às sugestões cinematográficas do nome de baptismo, o colectivo liderado pelo versátil Jason Swinscoe demonstrou, desde os primeiros passos do seu percurso, uma afinidade quase umbilical com as formas de som afinadas para musicar filmes. Não é que eles sejam propriamente requisitados pela indústria do cinema, antes escolheram essa causa como escola inspiradora (Swinscoe afirmou recente que este álbum é a banda sonora de um filme imaginário...) e, conferindo-lhe uma roupagem muito próxima das órbitas pelo menos na palpitação rítmica) ou das várias ciências electrónicas que delas respiram, solidificaram um traço sonoro próprio. Com estas premissas, os tomos anteriores mostravam vestígios de um colectivo a testar várias substâncias e temperos e esse apuro estético deu ensejo a álbuns com vizinhanças (nem sempre proveitosas) entre o downbeat, o jazz, o pós-rock, o experimentalismo e a música ambiental. Ma Fleur parece o epílogo (talvez não definitivo) dessas deambulações cuja depuração levou o grupo a centrar-se fundamentalmente na escrita, prescindindo de grande parte dos ingredientes especulativos do passado. No geral, o álbum retém (como não podia deixar de ser) as medidas cinematográficas habituais - embora num formato mais minimalista - mas deixa a (afável) impressão de que, mais do que meramente encerrar música de fundo, há aqui lugar para peças com outras riquezas.

Frog Eyes - Tears of the Valedictorian

8/10
Absolutely Kosher
2007
www.myspace.com/
frogeyes



Embora não tendo chegado à dimensão mediática de outros colectivos canadianos, os Frog Eyes estão nestas andanças desde 2001 e vêm desenhando um trajecto interessante e com substância. Escutando a música deste quarteto, tornam-se evidentes as referências estruturais a Nick Cave (não tanto no registo vocal mas especialmente na predisposição desconsolada do rock), aqui sombreadas pela dose certa de psicadelismo (no mesmo jeito Bowie que também inspira os conterrâneos Arcade Fire) e com um mosaico de sons "poluído" por insinuações instrumentais importadas do pós-rock. Nesse particular, de resto, sem perderem o sentido melódico, as composições sobem a fasquia do desprendimento formal (por comparação com trabalhos anteriores) e, ao mesmo tempo, demonstram uma impressiva volatilidade estética. Isso confere a Tears of the Valedictorian um eclectismo pouco notado nas primeiras audições mas que, dissimulado na falsa sensação de ruína das canções (em alguns casos, como na modelar "Bushels", quase é "oferecida" ao ouvinte uma ilusória escolha entre o desabamento e o escapismo), se torna a força motriz do disco. Denso e abarrotado de nuances (quase barroco), Tears of the Valedictorian é, por isso, um disco para ser escrutinado com tempo e minúcia, até que compassadamente se dividam as suas múltiplas camadas de som, seus enlaces pouco convencionais e estímulos emocionais e se desvendem, em triunfantes revelações, os filamentos de um grande disco.

Posto de escuta Bushels

sexta-feira, 11 de maio de 2007

Micro Audio Waves - Odd Size Baggage

8/10
Magic Music
2007
www.microaudiowaves.com



A electrónica não é propriamente uma doutrina exercitada com grande sapiência cá no burgo e, de entre um punhado de estetas meritórios do género que emergiram do anonimato nos últimos anos, ressurge o nome dos Micro Audio Waves. Ao terceiro fascículo de um percurso consagrado, no essencial, à descoberta das potencialidades da pop sintética, são claros os sinais de concretização (e definição de métodos) de uma linguagem até aqui confinada à natural curiosidade pelo experimentalismo. Afinal, essa propensão pela experiência mais não foi do que uma etapa primária (e indispensável) do processo de construção e refinamento da identidade sonora do trio que, sem amortecer a ousadia e a orientação pelo risco, se manifesta neste Odd Size Baggage com um sentido estético apuradíssimo, preciso nos enlaces orgânicos e, sobretudo, dimensionado em canções equidistantes da electro-pop e do clássico exercício experimental. As composições são da melhor electrónica que se tem ouvido por cá e, em favor da dinâmica do disco, tomam as mais discrepantes formas proporcionadas pela era digital, assim assegurando uma ímpar modernidade e, em consequência, as oportunas oscilações de expressão (nesse particular, os vocais de Cláudia Efe estão melhores do que nunca!) que mantêm o ouvinte "agarrado" do princípio ao fim. Um dos melhores nacionais do ano.

quinta-feira, 10 de maio de 2007

Björk - Volta

7/10
One Little Indian
Universal
2007
www.bjork.com



Conhecida (e apreciada) pela camaleónica e nada ortodoxa capacidade de se reinventar a todo o momento, a islandesa Björk tornou-se, nos anos mais recentes, um dos ícones mais reverenciados da pop. Divisora de opiniões, ela integra, afinal, o restrito lote de artesãos a que poucos ficam indiferentes, não sendo de espantar a expectativa que o seu décimo álbum de estúdio (descontando a parceria com o marido Matthew Barney no filme Drawing Restraint 9, de 2005) suscitou na comunidade melómana. Depois de ter testado, com a elegância costumeira, a elástica potência da sua voz nas quase-canções de Medúlla, há três anos, Björk retoma alguns dos pressupostos da sua identidade musical, pontuados aqui pelo reencontro com a electrónica e um certo formalismo (se é que isso é possível com Björk...) e pela reconciliação com a versatilidade estética dos melhores instantes da sua carreira. Nesse particular, Volta convoca passados e futuros na forma de sons com pressupostos e latitudes bem diversas, propondo-nos o devaneio da conjugação do puro tribalismo (sabor transversal ao álbum) com a electrónica extrovertida (o single "Earth Intruders", com a percussão dos Konono n.º 1, é exemplo), ou da fragilidade do experimentalismo com ciências asiáticas (escutem-se "I See Who You Are" e "My Juvenile", com a chinesa Min Xiao-Fen); no caldeirão cabem ainda a oportunidade do jazz vanguardista (como na cinematográfica "Vertebrae by Vertebrae" ou na plácida "Pneumonia"), a exaltação do noise (no festim de "Declare Independence", ao lado de Brian Chippendale, dos Lightning Bolt), o flirt com África ("Hope", com a inconfundível kora do maliano Toumani Diabaté) ou o cortante e soturno romantismo ("The Dull Flame of Desire", com os vocais andróginos de Antony Hegarty). Os delírios electrónicos têm a mão de Marc Bell (repetente nestas andanças) e a arrumação da casa é do ubíquo Timbaland. No global, a despeito de um punhado de adições oportuníssimas ao já preenchido ideário de Björk e da dimensão "fresca" que a islandesa sempre põe no que faz, Volta deixa a impressão de que as construções provindas dessas ideias raramente são tão consequentes como se imporia e, por isso, se assemelham a bosquejos inacabados das canções que podiam ter sido. O que, sendo uma deformidade indisfarçável, no caso de Björk, é traço típico (às vezes, com medidas de mérito) e, também neste caso, não potenciador de unanimidade.

Electrelane - No Shouts, No Calls

6/10
Too Pure
Popstock
2007
www.electrelane.com



O percurso das inglesas Electrelane, com um quarteto de álbuns no histórico, é prova plausível de que não é preciso ser-se um artífice com competência técnica superlativa para merecer a atenção do orbe melómano. Escrutinada sob um ponto de vista meramente técnico, a obra das quatro raparigas de Brighton desvenda, aqui e ali, algumas minudências de tosca execução instrumental e isso é, como nos tomos anteriores, particularmente sensível neste No Shouts, No Calls. Não obstante o inevitável embaraço estrutural que tal facto projecta nas composições, sobrando a sensação de que, de certa forma as Electrelane ainda andam a apalpar terreno à procura de poiso estável, a verdade é que é precisamente essa rusticidade uma das mais-valias do quarteto e um dos seus traços identitários mais proveitosos. Ao mesmo tempo, neste quarto trabalho, as meninas devolvem-se ao formato pop mais convencional (sem renunciarem à luminária decisiva do krautrock), resgatando uma presença (muito) mais efectiva da voz de Verity Susman (em comparação com o laboratório de sons de Axes) e, sobretudo, usando o experimentalismo e abstracção apenas como matéria colateral (mais sentida na segunda metade do disco). Nesse sentido, No Shouts, No Calls é um dos mais acessíveis exercícios das Electrelane mas, ainda assim, mesmo dando provas de uma delimitação mais concreta da estética predilecta do quarteto, não passa despercebida a inconsistência de uma escrita capaz de produzir momentos altos ("The Greater Times" ou a instrumental "Tram 21") e de, com a mesma presteza, resvalar para a vulgaridade.

terça-feira, 8 de maio de 2007

Dean & Britta - Back Numbers

7/10
Rounder
2007
www.deanandbritta.com



As origens da dupla Dean Wareham e Britta Phillips remontam aos já extintos Luna, projecto que Wareham fundou depois do conflituoso (e intempestivo) encerramento de actividade dos Galaxie 500, volvido um percurso de meia década que se revelaria, a posteriori, um vaticínio para o punhado de bandas da geração seguinte do movimento dream pop. Também integrados nessa corrente, sendo dela um dos ícones mais sólidos e relevantes, os Luna deixaram um legado paradigmático de como se vertem emoções no acto de escrever uma canção, com uma noção irrepreensível de elegância e, sobretudo, com uma crença ferrenha nas aptidões sedutoras do retro. Essas são também as premissas do segundo trabalho de Dean e Britta juntos depois do fim dos Luna e surge na linha do que se ouvira no comovente L'Avventura (2003), repetindo a produção requintadíssima de Toni Visconti, sempre a rebuscar o encanto melódico das composições da dupla. Estruturalmente, a despeito do inconfundível garbo das composições (e das já habituais versões...), o disco desvenda poucas novidades para quem conhece o passado destes senhores, algumas vezes comparados ao par esboçado por Lee Hazlewood (ele sim uma luminária incontornável de Wareham) e a sua diva de sempre, Nancy Sinatra. Salvaguardadas as diferenças, Back Numbers é, na essência, um produto que se afigura como a sequência lógica da criação de dois artífices que, sendo cultores de costumes sonoros de outras épocas, os arrumam no justo preito da modernidade com um gostinho especial a nostalgia.

segunda-feira, 7 de maio de 2007

Son Volt - The Search

7/10
Red Ink
2007
www.sonvolt.net



Para aqueles que ainda não o sabem, o project Son Volt deriva dos extintos Uncle Tupelo, colectivo que na primeira metade da década de noventa sacudiu a cena folk-rock norte-americana. Com a extinção da banda ainda antes de meia década volvida, Jeff Tweedy ergueu o conceito Wilco, hoje por hoje um dos mais reputados ensembles do seu país, e Jay Farrar criou os (muito menos) mediáticos Son Volt. Não sendo um disco formalmente inovador, The Search (quinto registo da banda) não deixa de mostrar uma certa renovação da paleta de sons da banda, mormente na importação de novas dimensões sónicas com as teclas de Derry Deborja, e na reassunção do mais genuíno espírito do rock americano (ouça-se, a título de exemplo, a faixa título), nisso se distanciando subliminarmente dos trabalhos mais recentes. Além dessa convicta "abertura" dos princípios estruturais das composições, assim adquirindo a música dos Son Volt renovado vigor expansivo em comparação com outros momentos do seu percurso, a voz de Farrar surge resoluta como poucas vezes, dando corpo a alguns dos melhores enlaces harmónicos da carreira do grupo. Ainda assim, a despeito do sentido de proporção de The Search e da sua validade como declaração de sobrevivência de uma banda alérgica a conformismos estéticos, o álbum não foge a um ou outro instante mais previsível. E esse embaraço insofismável faz desta colecção de canções, não aquele rebento da mais fina estirpe da música americana que podia ter sido, mas um puro (e saudável) exercício de transição.

sexta-feira, 4 de maio de 2007

Dinosaur Jr. - Beyond

8/10
Fat Possum Records
2007
www.dinosaurjr.com



Embora nunca tenham realmente sumido de cena - o que terá obrigado J. Mascis (guitarra e voz), Murph (bateria) e Lou Barlow (baixo) a uma difícil ginástica mental de resistência a inúmeras agitações "internas" - a reputação dos Dinosaur Jr. junto das gerações mais juvenis não faz justiça aos préstimos de um trio que, durante a segunda metade da década de 80, desempenhou um papel decisivo na reconversão da estética punk e escancarou portas para a eclosão do movimento grunge. De então para cá, por acção da insaciável urgência editorial em construir novos símbolos ou em razão de um punhado de álbuns menos inspirados, os Dinosaur Jr. foram empurrados, pelo mesmíssimo orbe que sacralizou o (muito rentável) simbolismo de Kurt Cobain como porta-bandeira de uma geração que muito lhes deve, para uma imerecida marginalização. Beyond chega aos escaparates depois do prolongado silêncio de uma década sem edições e merece duas leituras. Se o escutarmos como mero produto da cena rock contemporânea, o álbum revela-se um óptimo exercício de redenção do rock'n'roll puro e insuspeito, em resposta às incontáveis derivações recentes de nostalgia do imaginário rock setentista ou oitentista. Ao invés disso, se o acolhermos como declaração de três estetas maduros, sem dívidas temporais e perseverantes na defesa de um estilo que, tendo passado de moda, não é um género "morto", depressa se percebe a injustiça que foi termos esquecido que estes dinossauros quarentões não pereceram na era jurássica e estão aí para as curvas. Rock musculado e de compêndio.

quinta-feira, 3 de maio de 2007

Eluvium - Copia

7/10
Temporary Residence
Sabotage
2007
www.eluvium.net



Não é notícia inesperada que, ao terceiro registo de um percurso incidente sobre as diversas dimensões ambientais da música, Matthew Cooper tenha decidido imprimir um impulso clássico às suas composições. Em boa verdade, a sua música, nunca perdendo o vínculo à muitas vezes desconsiderada família ambiental, sempre revelou um compositor com engenhos para outra profundidade, coisa que, de resto, ensaiou com resultado dúbio na experimentação drone etéreo de Talk Amongst the Trees (2005). Contudo, já aí se desvendava uma reconstrução das causas primárias do conceito Eluvium, bem além do clássico minimalismo do piano que mostrara no debute. Esse redimensionamento volta a ser uma premissa e é levado a efeito prescindindo das pontuais distorções do tomo anterior e, sobretudo, operando enlaces harmónicos próximos da faustosa erudição clássica, com cordas, teclados e sopros. Apesar da formatação instrumental mais ambiciosa, as composições não esquecem o afecto pelo minimal ("Radio Ballet" é modelo dessa gramática sonora) e pela dimensão plástica da música, erguendo plácidas construções de sons que interagem romanticamente com o espaço, em razão das preciosas desmarcações das ressonâncias e da lenta progressão cénica dos diversos instrumentos. O desfecho tem, em turva ambivalência, qualquer coisa de pastoral e de majestático, bem ao jeito dos costumes sónicos da sétima arte. E Copia confirma as credenciais de Cooper como um dos mais notáveis artesãos do género, dando asas à crisálida que se escondia nos opus prévios e que haverá de, prosseguindo a tendência de expansão consciente e esteticamente coerente, conjugar as atmosferas emocionais que aqui são aludidas num código ainda mais impressivo.

quarta-feira, 2 de maio de 2007

Black Rebel Motorcycle Club - Baby 81




Nada fazia prever que, depois do revés criativo que fora Howl em 2005, os Black Rebel Motorcycle Club fossem capazes de resgatar o melhor da sua essência rock. Se aquele trabalho mostrava uma estranha propensão para buscar uma espécie de álgebra espiritual - matéria improvável (quase indecifrável) para roqueiros de gema como estes californianos - baralhando a identidade do par de álbuns que os apresentaram ao universo rock, este Baby 81 dispensa a abordagem acústica do antecessor e retoma o discurso dominado pelas distorções. No fundo, Howl foi o resultado necessário e natural da purgação mental de Robert Levon Been e seus pares, depois do assalto mediático da comunidade alt rock, firmando o imprescindível exercício de equilibrismo emocional da banda e lavagem de ideias, antes da reconciliação com os princípios primários do seu som. Bonança antes da tempestade. Todavia, eles não se ficam apenas pela retoma estética; além do resgate das distorções, do feedback e até de algum psicadelismo - substância preciosa para a definição de uma identidade própria - trazem no bornal uma escrita de confiança renovada, com linguagens diversas (por vezes, um tanto desfocadas da concordância estrutural do disco) e, sobretudo, com o reajuste mais oportuno (o regresso do baterista Nick Jago foi uma ajuda...) das potencialidades criativas da banda. Mesmo sem aspirações revolucionárias, Baby 81 é exemplo paradigmático de que, por mais repercussões conjunturais que avancem sobre uma banda, a solução para um bom disco rock pode estar, ao invés de qualquer deriva pontual (ou tentativa de "crescimento"), no ponto de partida.