Matt Costa - Unfamiliar Faces

6/10
Brushfire
2007
www.mattcosta.com

Tendo granjeado espaço mediático ao abrir os concertos da digressão de 2005 de Jack Johnson e, mais recentemente, numa edição radiofónica da BBC ao lado do amigo, o ex-skater Matt Costa chega agora à segunda edição discográfica com expressão nos principais canais de distribuição, depois do discreto debute, no ano transacto com Songs We Sing. O novo opus recalca os argumentos acústicos do antecessor e, por arrastamento, revela sensivelmente o mesmo embaraço estético que nele se identificava, mormente na dificuldade em definir uma linguagem una, algures entre uma miríade de influências que vão dos Beatles a Belle & Sebastian ou de Stephen Malkmus aos Fleetwood Mac ou, luzes mais distantes, dos Decemberists a Paul Simon (não deixa de ser curioso que um compositor californiano vá buscar algumas coordenadas de inspiração ao Reino Unido!). Apostando sobretudo na guitarra acústica como o substrato dominante das composições, aí revelando proximidades formais com Jack Johnson e com as feições mais luminosas da pop, ainda assim Unfamiliar Faces desvenda um código musical mais coeso do que Songs We Sing e a bem-vinda predisposição para, aos poucos, emancipar uma assinatura própria de entre as inúmeras referências. E combinações tão bem urdidas quanto as radio-friendly "Mr. Pitiful" e "Unfamiliar Faces" ou, num registo diferente, "Trying To Lose My Mind" ou "Bound" são sinais de um artífice capaz de erguer belas canções. Aguardemos, pois, os desenvolvimentos naturais.

Posto de escuta Sítio da 7Digital

Six Organs of Admittance - Shelter From the Ash

7/10
Drag City
AnAnAnA
2007
www.sixorgans.com

Embora tenha ganho visibilidade como segundo guitarrista dos neo-psicadélicos californianos Comets on Fire, colectivo a que se juntou em 2003, Ben Chasny já antes tinha instituído o bem mais plácido projecto Six Organs of Admittance, aí prestando tributo a inegáveis afinidades com o lado acústico da folk de feição mais progressiva, na linha das inesquecíveis excentricidades dos trovantes da Takoma, desde o mágico fingerpicking de John Fahey, ao virtuosismo técnico de Leo Kottke e às eufonias pastorais de Robbie Basho. Aos ensinamentos dessa trindade "clássica" da folk americana, sobretudo na propensão para colocar a experimentação técnica e as construções progressivas de melodia ao serviço das dimensões mais ambientais da música acústica, Chasny foi sendo capaz de adicionar um misticismo próprio, as mais das vezes alinhando, com a imaterialidade acústica de um som de vocação algo "atmosférica", um paganismo vocal muito próximo da espiritualidade de oração. Aprimorada essa fórmula no antecedente The Sun Awakens, de 2005, por muitos considerada a obra magna do catálogo Six Organs of Admittance, o décimo registo continua a gravitar na mesma órbita, embora desvende uma lógica textural mais polida no psicadelismo e, acima disso, uma ou outra incursão mais apaixonada pelo vanguardismo e, em paralelo, pela afirmação mais eléctrica das guitarras (a esse pormenor não será estranha a recente colaboração com os génios do drone Om). Nesse particular, Shelter From the Ash encerra riscos maiores na composição, essencialmente na definição das porções eléctricas como substrato pendular dos trechos e como elemento crucial para a matriz de crescendo das melodias. E a verdade é que, mesmo sem chegar ao deslumbre que, aqui e ali, se adivinharia, Shelter From the Ash se revela mais uma oportuníssima construção de Ben Chasny e seus pares.

Posto de escuta Alone With the Alone Coming to Get YouFinal Wing

Mary J. Blige - Growing Pains

6/10
Geffen
2007
www.mjblige.com

O conturbado percurso de vida de Mary J. Blige antes de ascender ao estatuto de estrela planetária, hoje visto como o turbilhão emocional alimentador da sanha que marcou os primeiros registos discográficos, de resto em linha com muitos outros protagonistas da cena r&b, acabou por ter um efeito dúbio na carreira da cantora do Bronx. Se, numa fase inicial, a crítica se rendeu à música de Blige enquanto catalisador oportuno desse passado descaroável, apressadamente a entronizando (e pelas piores razões possíveis) como principal figura da então "nova vaga" de cantoras soul com poiso no hip hop, não foi menos rápida a fazê-la tombar do pedestal onde precipitadamente a tinha colocado, assim que alegadamente se percebeu que a "guerreira" negra de cabelos loiros, ícone híbrido da cultura de rua e da mulher urbana, estava curada das drogas e cicatrizara feridas de amores falidos. Em paralelo, além dessa regeneração de equilíbrios na vida privada, a música de Mary J. Blige dava paulatinamente sinais de um desprendimento subliminar face às raízes hip hop e de (saudável) deriva por saberes vizinhos da soul ou da pop que, em termos mediáticos, conheceu apogeu na regravação, com os U2, do clássico "One" da banda irlandesa (incluída no álbum The Breakthrough, de 2005).

Chegada ao oitavo registo de estúdio, com uma renovada segurança na sua vida pessoal - e decididamente muito longe da personalidade tortuosa que expunha com arrepiante sinceridade em What's the 411?, de 1992 - e a firmeza vocal que sempre a fez especial, Growing Pains mostra Mary J. Blige a aprofundar as vizinhanças pop do álbum antecessor, mas não fechando os ambientes do disco a outros sabores que, afinal, sempre estiveram no seu cardápio. Assim, convivem serenamente e dão o toque de destrinça, num alinhamento dominado pela placidez pop-soul (também por isso mais circunscrito do que outros trabalhos), o beat de rua de "Work That", fiel às modernas escalas do som urbano que também servem "Grown Woman" (com Ludacris) ou "Roses". Como que a dizer que a emendada estrela mundial está mais segura de si e menos depressiva, mas as raízes não estão esquecidas. E se há diva na R&B capaz de mostrar o romantismo introspectivo e, ainda assim, manter íntima consciência do músculo da urbanidade e dos cultos de rua, ela é Mary J. Blige. Mesmo quando a inspiração não está nos píncaros.

Posto de escuta Work That Grown WomanRoses

Jazkamer & Smegma - Endless Coast

7/10
No Fun
AnAnAnA
2007
www.myspace.com/
smegmatheoriginal

Quem acompanhou mais de perto as manifestações recentes do muito efervescente nicho do free jazz vanguardista americano, terá certamente ouvido falar do colectivo Smegma, cujas origens remontam à década de setenta e às fundações da mítica Los Angeles Free Music Society, o espaço de excelência para a afirmação de estetas mais radicais e voltados, sobretudo, para a especulação e/ou o improviso. A banda viria a mudar-se de armas e bagagens para Portland, já na década seguinte, mas, não tendo renegado minimamente o traço genético de experimentalismo e ousadia criativa das suas origens, sobreviveu às recorrentes contaminações que envolveram alguns dos seus parceiros "geracionais" e é, hoje, uma das poucas vozes subsistentes do movimento pioneiro da LAFMS. Orgulhosamente (auto?) proscritos de qualquer demanda de protagonismo mediático ou sequer de qualquer interferência estética exterior aos seus próprios postulados de incondicional libertinagem de estilos e formas, os Smegma foram acumulando uma sólida discografia de confrontação, em casos pontuais aceitando convergências criativas com outros artífices do noise ou da música livre (os casos mais sonantes são os do nipónico Merzbow, dos compatriotas Wolf Eyes ou do emblema do bizarro zappiano Wild Man Fischer).

Não é estranha, portanto, a aproximação ao trio norueguês Jazkamer que, com cerca de uma década de existência a recriar conceitos do noise mais extremista (aí erguendo pontes com alguns padrões estéticos mais próximos dos cânones metal), fez transbordar a expressão das suas competências além da esfera escandinava e é, presentemente, um dos bastiões com mais substância na cena experimentalista europeia. Da joint-venture absolutamente disforme (ou amorfa, se preferirmos) de Endless Coast, nasce um quinteto de peças sem qualquer pejo em prescindir de regras, ainda que partindo de uma essência mais ou menos importada do free jazz - o que é o mesmo que dizer que a única premissa é não haver premissa nenhuma - e marcadamente desafiante. Embora conceptualmente o trabalho não diste muito do património passado dos Smegma - aí ficando esclarecido o papel de regência neste processo - a interferência dos Jazkamer revela-se uma suculenta adição, sobretudo na forma como se interligam texturas instrumentais e ruídos de ocasião ou quando, coisa menos frequente, o disco deriva para ambientes mais "pesados" e concisos. Nada melhor, para rematar o dadaísmo especulativo dos Smegma (nisso eles lideram o escol), do que o glacial determinismo dos Jazkamer. O desfecho é entrópico, é vândalo como não podia deixar de ser, e só peca por, em certos instantes, não desatar irremediavelmente o caos. Mas, vistas bem as coisas, às tantas a explosão não estava nos planos...

Posto de escuta Sítio da Boomkat

Os melhores do ano

O ano que agora finda não foi particularmente inspirado em termos musicais. Marcado pela recuperação de espaço mediático de algumas das estéticas electrónicas normalmente vetadas pelos grandes públicos e, sobretudo, pela febre dos regressos ao palco de míticas bandas do passado, 2008 trouxe-nos, como sempre acontece, boa música, algumas decepções e outras tantas revelações. Espreitemos, então, os melhores do ano desta casa. A primeira nota de destaque, mormente pelo simbolismo de regeneração da escola de sons mais ou menos “perdida” do rock matemático, é a natural consagração da estreia em disco dos americanos Battles como título máximo do ano. Eles não só deram novo fôlego e expressão a uma feição rock mais angular e técnica como, em paralelo, a apresentaram às novas gerações, garantindo a sobrevivência de um género que, por ser pouco dado a seguidismos e modas de momento, é normalmente posto à margem dos canais de distribuição dominante. Do outro lado do Atlântico, o misterioso Burial fez coisa parecida com o seu segundo álbum e merece a segunda posição do pódio, embora noutra órbita, desvendando dimensões novas do dubstep, assim confirmando virtudes do género bem além do habitat natural underground londrino. No último lugar da trindade de excelência, suplantando por muito pouco o magnífico quarto álbum dos conterrâneos The National – claramente os incontestáveis ganhadores do orbe pop-rock – surge a grande revelação da música americana para este ano, os Yeasayer e um disco de estreia esteticamente ambicioso e voltado para as novas coordenadas da folk.

Nos lugares seguintes da tabela, dois esteios da música escandinava: os dinamarqueses Efterklang – que finalmente parecem ter encontrado o complemento de criatividade mais oportuno para o pragmatismo técnico que já se lhes conhecia – e o debutante sueco Alex Willner (The Field), adepto incondicional do minimalismo techno. A estes, seguiu-se a bizarria de Noah Lennox (Panda Bear) que, aproveitando uma pausa dos Animal Collective, nos ofereceu um disco recheado de belas especulações pop. Ainda no domínio dos chamados “projectos paralelos”, o canadiano Spencer Krug (Sunset Rubdown), editou o melhor dos seus discos individuais, demonstrando que a sua verve (e a sua carreira) não depende dos Wolf Parade. O último par de discos dos primeiros dez do ano é encerrado por dois projectos europeus. Sascha Winkler, artisticamente chamado Kalabrese, é o underdog do ano e um valor seguro para anos vindouros, com um impressivo primeiro álbum a merecer escuta atenta. A fechar, os germânicos Einstürzende Neubauten, senhores doutos do rock industrial europeu que, ao fim de trinta anos de carreira, ainda são capazes de reinventar-se.

Cá pelo burgo, o ano de 2008, trouxe uma tardia consagração comercial a Jorge Palma (foi preciso o homem escrever um disco mais comercial para muitos portugueses o ouvirem pela primeira vez!) e confirmou a solidez do estatuto de David Fonseca. JP Simões, o compositor português que deu luz aos Belle Chase Hotel e ao Quinteto Tati, escreveu um dos melhores discos do ano, numa clara homenagem à sua predilecção pela geração setentista da música brasileira. Este foi, também, o ano de afirmação definitiva de três projectos: os Micro Audio Waves que, depois de algum reconhecimento além-fronteiras, viram finalmente a sua música a merecer alguma exposição e o reconhecimento devido, os lisbonenses Hipnotica, cada vez mais um valor firme das tendências mais abstractas da música lusa, e Old Jerusalem, o espaço solitário com que o cantautor portuense Francisco Silva nos vem deliciando. Nas revelações, destacando-se da miríade de edições avulsas que subitamente invadiram o mercado nacional, merecem referência os experimentalistas Tropa Macaca, projecto de Ju-Undo e Símio Superior, com uma belíssima estreia em vinil, o conceito The Partisan Seed, onde o ex-Kafka Filipe Miranda desvenda posturas intimistas e DJ Ride, com uma impressiva primeira aparição, a prometer altos voos num futuro próximo. A finalizar, e porque os últimos podem ser os primeiros, o destaque maior do ano nacional foi o regresso do homem dos sete instrumentos, Júlio Pereira, num sublime exercício de redescoberta das raízes da música lusa e respectivas convergências com espaços e referências sonoras de outras partes do planeta.

E assim se fez música em 2007.

Os dez mais (internacionais):

1.º Battles, Mirrored
2.º Burial, Untrue
3.º Yeasayer, All Hour Cymbals
4.º The National, Boxer
5.º Efterklang, Parades
6.º The Field, From Here We Go Sublime
7.º Panda Bear, Person Pitch
8.º Sunset Rubdown, Random Spirit Lover
9.º Kalabrese, Rumpelzirkus
10.º Einstürzende Neubauten, Alles Wieder Offen

Os dez mais (nacionais):
1.º Júlio Pereira, Geografias
2.º Tropa Macaca, Marfim
3.º JP Simões, 1970
4.º Micro Audio Waves, Odd Size Baggage
5.º Hipnótica, Better Communities For Better Days
6.º DJ Ride, Turntable Food
7.º Mário Laginha Trio, Espaço
8.º Old Jerusalem, The Temple Bell
9.º Blasted Mechanism, Sound in Light
10.º The Partisan Seed, Visions of Solitary Branches

Para consultar a lista completa dos trinta melhores discos do ano, clique aqui.

Robert Plant & Alison Krauss - Raising Sand

7/10
Rounder Records
2007
www.robertplantalisonkrauss.com

O facto de os protagonistas desta dupla virem de órbitas musicais normalmente pouco "conciliáveis" (mesmo em termos ideológicos), alimentou a curiosidade dos melómanos sobre a convergência artística que o "histórico" produtor/compositor da música americana (e das mais finas estirpes da folk do seu país) T. Bone Burnett imaginou e passou à prática. Além de ter operado a improvável aproximação entre Robert Plant, voz dos anais rock com os Led Zeppelin (o colectivo está na iminência de um regresso anunciado), e Alison Krauss, estrela multi-premiada da country/bluegrass, Burnett reuniu à volta deles uma trupe de músicos do escol americano que, entre ele próprio e outros, juntou o seminal artesão de experiências vanguardistas Marc Ribot (colaborador regular de John Zorn), o lendário guitarrista Norman Blake (tocou com gente como Steve Earle, Bob Dylan, June Carter, Joan Baez, Johnny Cash ou Kris Kristofferson), o instrumentista Mike Seeger e o baterista Jay Bellerose.

De Burnett já se conhecia o alento ocasional de pedagogo e historiador das potencialidades da folk, com orgulho nas raízes e, sobretudo, com o firme propósito de inspirar atalhos futuros. Mais do que ser um mero colector ou um reverente admirador/intérprete, o mestre sempre deu mostras de buscar soluções contra qualquer tipo de estagnação criativa no género e, desta vez, nada melhor do que convocar um agrupamento de músicos e vozes para servir uma homenagem à tradição musical americana. Trata-se, afinal, de erguer uma consistente colecção de revisões de canções celebrizadas por Gene Clark, Sam Phillips, Tom Waits, Townes Van Zandt, Roly Salley, Allen Toussaint, os Everly Brothers ou Little Milton. A música é intencionalmente poeirenta e oldie, como bem convém ao melhor estilo blues-country, num registo amplo o suficiente para passar pelo sujo assombramento ("Rich Woman"), pelo romantismo ("Sister Rosetta Goes Before Us") ou pela deriva atmosférica ("Trampled Rose") com a mesmíssima eficácia. Depois, as vozes de Plant e Krauss conseguem, aqui e ali, instantes de pura magia, mormente quando são chamadas a mostrar-se fora dos padrões habituais ou, como no bem sucedido tema de abertura, se ancoram mutuamente. Do delta do Mississipi a New Orleans, do Texas ao Kentucky, Raising Sand é uma interessante síntese da história recente da música americana e, embora nem todas as peças sejam uniformes nos atributos (salve-se dessa incerteza a produção, sempre excelente), não deixa de ser uma oportuníssima declaração.

Posto de escuta Rich Woman Sister Rosetta Goes Before UsFortune Teller

Dirty Projectors - Rise Above

8/10
Dead Oceans
2007
www.westernvinyl.com/
dirty_projectors.htm

O conceito por detrás deste disco pareceria, por si só, um devaneio curioso e desafiante do trajecto experimentalista dos Dirty Projectors. Senão, vejamos: Dave Longstreth, guru desse quarteto nova-iorquino, propunha-se regravar, fazendo uso apenas das reminiscências da sua memória, o álbum Damage, clássico punk que, em 1981, deu a conhecer os Black Flag (e, com eles, o então "novato" Henry Rollins). Volvida mais de uma vintena de anos da edição desse registo e da pertinência do discurso panfletário (e eivado de cólera vocal de Rollins...) subscrito pelos Black Flag, Rise Above é reflexo de uma admiração moldada pelo tempo e, por isso, bem distante das matrizes hardcore em que se inspira. A proposta aqui, como poderia antecipar-se pelas raízes nova-iorquinas dos Dirty Projectors e pela tendência recente da escrita de Longstreth (evoluiu da folk "clássica" para escalas melódicas mais errantes), é um puro deleite de experimentação. Chame-se-lhe rock especulativo de câmara ou deriva math rock com corais, a verdade é que estamos perante um exercício tenso e anguloso, com impaciência rítmica e múltiplas esquizofrenias, no mesmo jeito com que os Deerhoof vêm trabalhando, nos últimos anos, uma nova arquitectura da canção rock.

Depois, mais do que meramente contemplar a luminária de Rollins e companhia, Longstreth mostra-nos uma genuína reciclagem de formas e conteúdos, onde a "sagrada" hostilidade dos Black Flag e o pragmatismo instrumental da matriz punk se convertem numa tensa fantasia de abstracções. Ao invés da catarse explosiva de Damaged, dir-se-ia que Longstreth ensaia outro tipo de purgação, assumidamente mais luminosa. Nesse festim cabem o psicadelismo, as gradações de estilo (entre o pastoral, a pop, a matemática rock, o tribalismo africano, a música de câmara, as cordas e as distorções...), a afeição pela anomalia, as descontinuidades nos tempos, a excitação com o irregular. No final, não só fica feita uma celebração ímpar (sobretudo, pelo contraste estético) da importância inspiradora do punk, como sobra um documento genuinamente pós-modernista, algo grotesco e obtuso, sem receio de assumir-se bizarro, mas não menos compensador por isso. E um ou outro excesso pontual, se afasta mentes menos prevenidas e adeptas de produtos mais conformistas, há-de fazer as delícias daqueles que subscrevem incondicionalmente a cartilha da aventura.

Posto de escuta MySpace

Sunset Rubdown - Random Spirit Lover

8/10
Jagjaguwar
Sabotage
2007
www.sunsetrubdown.net

Ramificação directa dos mediáticos Wolf Parade (algumas vezes iniquamente desconsiderado com o rótulo de projecto "secundário"), o quarteto Sunset Rubdown começou por ser uma invenção individual de Spencer Krug, crescendo depois para o formato de banda, como noutros casos da cena musical de Montreal - onde cada vez mais (e melhor) se aproveitam sinergias criativas (o próprio Krug está nos Wolf Parade, nos Sunset Rubdown, nos Frog Eyes e nos Swan Lake). Assim se reuniu, nos últimos anos, uma família de intérpretes que, conhecendo nos Arcade Fire o topo do reconhecimento internacional de uma estética cheia de particularidades e derivações, vai construindo um cancioneiro pop para o novo século. No caso dos Sunset Rubdown, e marcando distâncias para o pendor mais pragmático dos Wolf Parade, a coisa assume proporções quase vaudeville, sobretudo na forma como são exploradas as dimensões mais teatrais (e hiperbólicas) de melodia, ora com a tentação das vertentes progressivas e arty do rock, ora no recato dos registos mais minimalistas. Em qualquer dos casos, Random Spirit Lover é um produto manifestamente tenso e nervoso, obcecado com o detalhe e as sucessivas mutações e nunca deixaria de ser um álbum de absorção lenta. Demora a chegar-se à intimidade com um discurso tão variegado e de arquitectura tão minuciosa e ambivalente entre a delicada transparência e a labiríntica opacidade. Mas, uma vez dados os ouvidos ao dédalo - com a paciência para desfiar pormenores e preciosidade melódicas "encobertas" - a surpresa faz-se regra a cada variação tonal, a cada camada de som que se acrescenta às outras e a cada flutuação da voz. Isto é pop sem receio da ambição, a tentar os máximos do épico (pelo menos tanto quanto pode ser-se épico nos dias de hoje) e, com subtileza, elegância e elevação técnica, o resultado é glorioso. Basta deixar que a perplexidade das primeiras audições dê lugar ao conforto de perceber que, por detrás da imensa pompa instrumental e da encriptação da música, há circunstâncias novas para desvendar em cada peça e em cada visita.

Posto de escuta The Mending of the Gown
Up on Your Leopard, Upon the End of Your Feral DaysThe Taming of the Hands That Came Back to Life

Flykkiller - Experiments in Violent Light

7/10
Flykkllr Records
2007
www.flykkiller.com

Depois da emersão de uma parte significativa da cultura underground de Londres para o espaço mediático com a emancipação do movimento dubstep, não estranha a novel curiosidade dos públicos (e críticos) por outras descendências da electrónica que moram na capital inglesa. A última sensação dessas actividades "marginais" são os ainda anónimos Flykkiller, projecto de convergências entre o produtor Stephen Hilton, parceiro de David Holmes no quarteto The Free Association, e a vocalista de origem polaca, Pati Yang. Aceitando electrónicas multiformes (na estética e nos tempos) como esteio estruturante das composições, o debute da dupla revela ímpetos experimentalistas em redor de um ideário beats com referências importadas do underground rap, a que se somam, com curioso sentido de oportunidade, poeiras e interferências de electrónicas esparsas, breves cuts de "classicismo" de cordas à Craig Armstrong, aparições pontuais de instrumentações acústicas, ruídos ocasionais, mandamentos pop e uma ou outra derivação pela world music ou pelo chill out. Com tamanha panóplia de substâncias na mescla, o risco de erguer uma linguagem desconexa ou "desorientada" era uma circunstância crítica mas, em boa verdade, Experiments in Violent Light não só não dá mostras de deslizes na consistência, como ainda suplanta cepticismos quanto à eventual imiscibilidade orgânica dos ingredientes, sobrando uma rara sensação de completude e coerência. A par disso, o disco sugere ambientes vários de exotismo e sensualidade, de negro e sinistro, de tangências ao psicadelismo e à cenografia (pormenor particularmente evidente no último terço do alinhamento, onde algumas breves cedências à previsibilidade chill out penalizam o opus). No final, uma electrizante remistura do tema-título pelo "padrinho" David Holmes recoloca Experiments in Violent Light na rota certa. Uma revelação interessante.

Posto de escuta MySpace

Mazgani - Song Of the New Heart

7/10
Naked
Independent Records
2007
www.myspace.com/
mazgani

Quando a prestigiada publicação Les Inrockuptibles fez nota de destaque sobre a música do iraniano Sharyar Mazgani, há coisa de um par de anos, então incluindo-o num rol de músicos-revelação a observar nos anos seguintes, poucos seriam os melómanos portugueses a conhecer a sua música e a saber da ligação de quase duas décadas do compositor a Portugal. De então para cá, o músico radicado em Setúbal viu crescer à sua volta um ainda injustamente pequeno (tendo como referência a dimensão artística e a qualidade do conceito) culto de admiradores - a vitória no festival Termómetro Unplugged de 2005, já com a companhia de Sérgio Mendes (guitarra), Rui David (bateria) e Victor Coimbra (baixo), foi apenas uma etapa na consagração que se previa - rendidos a um som de nostalgias folk, com o norte nos cânones "clássicos" de Nick Drake ou dos primórdios de Leonard Cohen (assumidamente uma das bússolas do iraniano), mas com oportuníssimas divagações pelos ensinamentos das escolas rock contemporâneas, sobretudo na forma como, na guitarra, o acústico se enlaça com o eléctrico para o desenho das melodias. O resto é ténue pó de melancolias e uma voz assombrada pela intimidade, tão capaz de mostrar-se levitante e utópica como, de seguida, render-se ao ónus das evidências e deixar-se resvalar para o grave arrastado. Em qualquer dos registos - aí fazendo jus ao título do disco - as eufonias de Mazgani são de puro romantismo, de redenção e espiritualidade, cruzando esperança e saudade. E isso é feito com subtileza e sentido de proporção e, mesmo sem desvendar uma fórmula musical especialmente inovadora, acaba por permitir a descoberta (para aqueles que ainda não o conheciam) de um intérprete para seguir com efectiva atenção no futuro próximo.

Sigmatropic - Dark Outside

6/10
Tongue Master Records
2007
www.sigmatropic.gr

Apesar de estar sediado num país (Grécia) distante dos principais círculos de distribuição de música na Europa, o projecto Sigmatropic despertou a atenção da comunidade melómana quando, há quatro anos, reuniu na mesma edição (Sixteen Haiku & Other Stories) uma ilustre trupe de convidados para emprestarem a sua voz a uma colecção de textos musicados e escolhidos na obra do poeta ("nobelizado" em 1963) Giorgos Seferis. Do impressivo rol de ajudantes constavam nomes como Robert Wyatt, Cat Power, James Sclavunos, Howe Gelb, Lee Ranaldo, Mark Eitzel e Laetitia Sadler. Alguns repetem conivências neste Dark Outside, conferindo ao disco uma diversidade vocal muito interessante e, mais do que isso, demonstrando inesperadas paridades com as coordenadas musicais de Akis Boyatzis (o guru-compositor dos Sigmatropic), especialmente quando a órbita das composições os obriga a distanciaram-se do conforto do habitat natural. Musicalmente, a proposta é a natural descendência da obra de debute, dando mostras de evolução da linguagem electro-folk e, em consequência disso, da tecedura mais consistente das canções. Ao mesmo tempo, e marcando um certo contraponto com o antecessor, Dark Outside é banhado por uma luminosidade não escutada antes, tanto no talhe melódico como na presença ocasionalmente menos taciturna das vozes (Anna Karakalou, nova voz residente do projecto, não brilha menos do que Robert Fisher, Howe Gelb ou Carla Torgerson). Único senão: no meio de uma família de vozes tão fecunda, o monocordismo (ou a previsibilidade) da voz de Boyatzis - particularmente notório em "Position One" ou "Monologue" - destoa e acaba por estorvar a afirmação de qualidade que os momentos altos ("A Song in My Wallet" ou "White") do disco faziam adivinhar. Ainda assim, Dark Outside conjuga substâncias suficientemente interessantes para merecer uma escuta de cortesia.

Posto de escuta MySpace da Banda

Phosphorescent - Pride

7/10
Dead Oceans
2007
www.myspace.com/
phosphorescent

Apressadamente entronizado pela crítica especializada como um dos mais fidedignos herdeiros de algumas das ramificações genealógicas da folk americana "tradicionalista", Matthew Houck tem no conceito Phosphorescent um espaço de curiosas manifestações musicais. Mais do que meramente fazer jus a esses rótulos que quiseram colá-lo ao legado Dylan, a música de Houck desvenda não só os reflexos de um aturado processo de transcrição dessas referências para a modernidade, mas também uma imensa vontade de afirmar um cunho próprio. Nesse particular, e num registo que pede meças às órbitas mais inspiradas de Will Oldham, marcam pontos uma voz de belas inflexões e com peso melódico impressivo e a profundidade estrutural das composições. De resto, Pride - terceiro tomo de Houck - é um disco que aposta em duas dimensões da emoção, aquela que se refugia na íntima e melancólica balada sem artifícios técnicos, ou, a outro nível, aquela que se ampara em revestimentos levemente mais psicadélicos (aí se reconhecendo algumas afinidades, ainda que distantes, com os Animal Collective - ouça-se o tema de abertura) ou de espiritualidade tipicamente sulista. O resultado é ambíguo, simultaneamente vulnerável e possante, distante do típico registo de cantautor e com momentos de belíssima construção melódica com arranjos. E os ápices de criatividade acontecem quando, em impressivas multiplicações de si mesmo e da sua voz, Houck se desassombra com os seus próprios fantasmas e personalidades solitárias e nos encanta ao mostrar faces diferentes de uma mesma verve. A soberba tríade "A Picture of Our Torn Up Praise" / "Wolves" / "My Dove, My Lamb" eleva faíscas acima das competências do resto do alinhamento mas isso não macula o desempenho global do opus. Todavia, fazendo bitola da mágica sedução desse trio de peças, fica a sensação de que há em Houck um impressivo filão de recursos à espera de ainda melhores obséquios. E que está na calha, para os anos vindouros, um disco ainda melhor do que este.

Posto de escuta A Picture of Our Torn Up Praise |Wolves|My Dove, My Lamb

Black Dice - Load Blown

5/10
Paw Tracks
2007
www.blackdice.net

Embora não haja um segredo tecnicamente depurado na sonoridade dos Black Dice, tampouco uma dinâmica passível de grandes flutuações, a música deste trio nova-iorquino traduz uma expressão artística que pouco tem de "estacionária". Normalmente erguidas sobre um lastro melódico mínimo (muitas vezes, ele não é imediatamente perceptível), as composições aceitam, depois, o propósito transgressor de buscar interferências gravitantes de ruídos e distorções multiformes e abrasivas. Essa filosofia subversiva punha acento tónico, especialmente numa série de edições avulsas anteriores ao primeiro longa-duração do grupo, no recurso à distorção, então mostrando uma semente de noise rock pungente (ao jeito dos momentos mais ácidos de John Zorn, por exemplo) que, paulatinamente, o trio foi deixando cair em favor de uma catarse mais electrónica. Se o eufemismo sintético conheceu ápice de inspiração em Beaches & Canyons, apressadamente entronizado há cinco anos como um acto de criação maior, de então para cá a fórmula motivou alguns reveses, ora perdida no assombroso emaranhado de probabilidades estéticas que criou, ora indecisa na preferência entre a acidez do passado e o escapismo electrónico de hoje. Load Blown, quarto longa-duração dos Black Dice, mesmo afastando parte significativa dessa irresolução ao confirmar o empolgamento da banda com o psicadelismo corta-e-cose electrónico (e a aparentemente definitiva dispensa das distorções avant-core da génese do grupo), não ajuda a repor equilíbrios, recuperando composições editadas pela banda nos EP's Manoman (DFA, 2006) e Roll Up/Drool (Paw Tracks, 2007) e juntando-lhes cinco peças novas. O conjunto soa a família disfuncional, muitas vezes confundindo repetição com preguiça e bizarria com hipérbole. Não pode dizer-se que seja um disco inconsequente, não o é em essência, mas fica a anos-luz da transcendência de Beaches & Canyons e nem sequer toca o "pragmatismo" melódico do antecessor, Broken Ear Record. "Scavanger" - muito ao estilo de Panda Bear - ou "Gore" são os fragmentos de criatividade que ressaltam da mediania geral.

Posto de escuta MySpace da banda

Subtle - Yell & Ice

8/10
Lex Records
EMI Music
2007
www.subtle6.com

Activa há cerca de uma década, a etiqueta Anticon foi a invenção colectiva de uma trupe de músicos decididos a oferecer espaço editorial a um género musical com pouca divulgação nos canais mainstream e que, entre inúmeras derivações estéticas e tangências experimentalistas com outros géneros - aí se tornando o palco de genuínos híbridos musicais - acolheu aquilo a que as convenções chamam de underground rap como axioma dominante (ou, para todos os efeitos, como "rampa de lançamento" para outros horizontes). Não demorou até que, num mercado global (e, a uma escala mais pequena, nos Estados Unidos) habitualmente "amarrado" a convenções estéticas e, por isso, guardando uma reserva de gente sequiosa de sensações rap novas, começassem a despontar a ousadia e as abstracções dos protagonistas da Anticon, então solenemente apresentados ao mundo num colectivo com o mesmíssimo nome da editora e um tomo único, com o pomposo (e ambicioso) título de Music For the Advancement of Hip Hop. Corria o ano de 1999 e esse testemunho "progressista" conjunto de gente como Alias, Jel, Odd Nosdam, Sole, Doseone ou Pedestrian deu uma impactante pedrada no charco, sacudindo espíritos ociosos e, sobretudo, demarcando-se das tendências mais ligeiras (e previsíveis) para que o universo rap (ou como, depois, se rebaptizou ao serviço de géneros mais levianos, o orbe hip hop) paulatinamente se havia voltado. Lançada a novel onda de criatividade, a solo ou em grupo, os membros da editora (e suas afinidades artísticas e projectos paralelos), ergueram um catálogo diversificado, um verdadeiro caleidoscópio de manipulações do underground rap (maioritariamente) e algumas especulações e proximidades com fórmulas do indie rock ou da electrónica. cLOUDDEAD (Doseone + Odd Nosdam + Why?), Themselves (Doseone + Jel + Dax Pierson) , 13 & God (Jel + Doseone + Notwist) ou Subtle (Doseone + Jel + Dax Pierson + Alexandre Kort + Marty Dowers + Jordan Dalrymple), ou mesmo os projectos individuais Dosh, Why? ou Bracken, tornaram-se faces notadas da editora e da sua postura, dando mostras da imparável verve dos seus membros-fundadores e amigos e, acima disso, definindo uma linguagem artística singular que, fruto de ambições pessoais dos músicos ou do apetite crescente dos mercados discográficos, se foi dispersando por outras editoras.

Também assim sucedeu com os Subtle, uma espécie de ampliação do conceito Themselves que, além de Doseone (vocais), Jel (percussão) e Dax Pierson (teclas), acolheu o guitarrista Jordan Dalrymple, o violoncelista Alexander Kort e o clarinetista Marty Dowers. O "crescimento" instrumental deu outra amplitude ao traço costumeiro da tripla, depressa afirmando um colectivo com vontade de ensaiar outras invenções. A fórmula conheceria, em pouco tempo, a consagração merecida - depois de anos a ficarem-se pela "palmadinha nas costas" da crítica especializada - com o magnífico For Hero: For Fool, do ano transacto. Se esse disco se soltara definitivamente de quaisquer amarras estruturais (nesse particular, marcando diferenças as inflexões vocais de Doseone), cruzando uniformidades rap com cores e bizarrias da electrónica ou do rock experimental, Yell & Ice é uma breve (nove trechos) colecção de revisões de alguns dos temas emblemáticos do antecessor. Mais do que fixarem objectivas na mera tarefa de remisturar as construções, os Subtle desmontam as canções em partes, baralham-nas, somam novas vozes (Tunde Adebimpe, dos TV on the Radio, Chris Adams, de Bracken, Yoni Wolf ou Dan Boeckner, dos Wolf Parade), cortam excertos, alongam, desconcertam. Pelo meio, com títulos novos como se impunha (tal a quase impossibilidade de associar novas proles e os originais que as inspiraram), cabem também peças integralmente originais. Assinado com os predicados do costume, o novo opus não só não destoa do cancioneiro Subtle (e da maravilhosa baixela de sons com ele imediatamente conotada), como fica muito próximo do brilhantismo encriptado e escuro de For Hero: For Fool. Óptimas notícias, portanto. Fica o aviso: fulgurante e irresistível vício à vista...

Posto de escuta Middleclass HauntDeathfulSinking Pinks

Belleruche - Turntable Soul Music

5/10
Tru Thoughts
2007
www.belleruche.com

Inerente ao conceito de turntablism está, na essência, um mapa genético de manipulação de sons que, em última instância, mais não é que uma via de artificialismo na criação musical. Seja pelo recurso a samples importados de discos de veneração, aos jogos malabares com as batidas para a inserção de loops ou outra qualquer forma de trabalho manual, a expressão foi criada em meados da década de noventa, para fazer destrinça entre a mera função de passar música e o DJ que usa o misturador como um instrumento. Ao trazer esse conceito para o seu referencial estético e, mais do que isso, ao colá-no à expressão soul para baptizar o seu primeiro registo discográfico, o trio londrino Belleruche coloca-se perante um enigma de critério. Cruzar a alma soul - aqui muito bem representada num registo vocal (de Kathrin DeBoer) à procura de confortos "intemporais" (Nina Simone é luminária instantânea) - com construções manipuladas é coisa a que dificilmente se dá sabores de novidade, de tal maneira se estafaram esses argumentos com as modas passageiras do trip hop. Amarrado a essa limitação à nascença, Turntable Soul Music acaba por soar deslocado no tempo e, pior do que isso, desvenda uma incapacidade gritante para dar novo fôlego às fórmulas gastas (os Break Reform entram-nos na memória quase imediatamente e, mais longe, um espectro Massive Attack). As canções tocam, aqui e ali, uma negligente e confrangedora previsibilidade, vivendo de melodias (e melancolias) preguiçosas, raramente abrindo espaço para a surpresa ou o instante de inspiração. Salva-se um ou outro trecho - a nervosa "Bump" ou a paradigmática "Balance" vão acima do serviço mínimo - mas fica a sensação de que, o álbum se fica pela cortesia de recuperar um género sem conseguir induzir-lhe uma faísca de revitalização.

Posto de escuta MySpace da banda

Yeasayer - All Hour Cymbals

8/10
We Are Free
Sabotage
2007
www.yeasayer.net

Depois das promessas antecipadas pelo muito interessante primeiro single ("Sunrise"), os nova-iorquinos Yeasayer concluem cerca de um ano de actividades com a edição do álbum de estreia. Mais do que ser uma mera resposta às expectativas sustentadas pelo cartão de visita, All Hour Cymbals desvenda um colectivo fértil em ideias e genuinamente nómada na hora de assentar arraiais nesta ou naquela referência estética. Dito isto, melhor se percebe que além de assumirem reverente descendência da pop madura de David Byrne, os Yeasayer colham ensinamentos de outras doutrinas, ora aceitando um certo saudosismo da cartilha psicadélica (com os Beach Boys ou os Jefferson Airplane à cabeça das referências), ora afinando melodias pelas escalas progressivas ou, em jeito de luminária mais ténue (mas não menos presente), bebendo de fontes de reminiscências africanas e orientais. Concentrar semelhante profusão de estéticas e filosofias num discurso uno não seria tarefa fácil, tal o risco de dispersão de ideias ou, pior do que isso, de construir um disco demasiado poroso para ser levado a sério. A verdade é que All Hour Cymbals desvenda exactamente o oposto, ao denotar um sentido de harmonia incrível, não só dando mostras da aptidão do quarteto em adaptar a miríade de influências a um equilibradíssimo denominador comum, mas também, e sobretudo isso, do desejo de afirmação de uma identidade própria, beneficiária das sinergias do processo criativo, é certo, mas com um vincado cunho pessoal. Depois, as canções têm o dom da surpresa, enchendo a mente de recordações e, ao lado destas, sugerindo um irresistível desfile de estímulos novos e refrescantes. Um esplêndido debute e uma das belíssimas surpresas da colheita americana deste ano.

Posto de escuta Sunrise2080Forgiveness

Signal - Robotron

7/10
Raster-Noton
AnAnAnA
2007
www.raster-noton.net

Quando três intrépidos alemães com traquejo nas electrónicas minimalistas (Olaf Bender, Carsten Nicolai e Frank Brettschneider) fundaram o selo Raster-Noton estavam, no fundo, a montar um palco de divulgação de um género acostumado à marginalidade. Em pouco mais de oito anos de sobrevivência, a editora (saída da fusão entre a Rastermusic e a Noton) ergueu um catálogo que, tirando do anonimato alguns dos artífices minimalistas mais talentosos - gente como o conceptualista William Basinski ou o "microscópico" IDM Ivan Pavlov (CoH), entre muitos outros - ajudou ao recrudescimento de uma espécie vanguardista de agentes electrónicos. A par das edições de terceiros, Bender (como Byetone), Nicolai (sob o celebérrimo pseudónimo Alva.Noto) e Brettschneider (com a assinatura Komet) construíram discografias individuais, aí destapando linguagens e ciências próprias que, ocasionalmente, fizeram convergir em dois projectos conjuntos: Produkt (neste, junta-se ao trio Tilo Seidel) e Signal.

Robotron é o segundo produto da sigla Signal, depois de Centrum, de há sete anos, e, tal como esse, é uma colecção de material avulso gravado pelo trio num período de anos anteriores à edições. Desta vez, a recolha cobre um sexteto de anos, de 2001 a 2006, em sessões de improviso tripartidas entre Berlim, Tóquio e Chemnitz. A nota de destaque do disco, além do inevitável pendor minimalista, eventualmente menos tímido (ou formalmente menos rígido) do que noutros trabalhos destes senhores, é a aposta na integração de muito lacónicas (e, por isso, oportuníssimas) texturas noise para suprir os vácuos. Depois, as peças insinuam um jogo de alternâncias, extremamente hábil diga-se, entre o recato da batida mínima (e contínua) e a tensão crescente da sobreposição de camadas de som. A fórmula nem sempre toca os mesmos êxtases ("Rawema" e "Epirex Motor" são portentos!), resvalando por breves instantes para a monotonia do piloto automático, mas demonstra uma solidez irrepreensível e uma geometria de sons que, não soando a produto "novo" (nem o pretenderia...), tem o inegável mérito de diluir, na mesma solução sónica, os juízos de três mestres do minimalismo. E isso é, por si só, motivo mais do que suficiente para encontrar gozo neste Robotron.

Posto de escuta Excertos do álbum

Letters Letters

7/10
Type
AnAnAnA
2007
www.typerecords.com

É bem possível que mesmo os melómanos mais atentos ao fenómeno musical não identifiquem imediatamente o nome de Mitchell Akiyama. Embora o panorama sonoro de Montreal tenha ganho uma notoriedade acrescida com a recente explosão de alguns projectos locais, sobretudo os ubíquos Arcade Fire, não é menos verdade que esse impacto mediático não chegou a muitos dos protagonistas underground da metrópole canadiana. Um desses artífices na margem é precisamente Akiyama que, em paralelo com um incerto percurso a solo, concebeu, agora, o projecto Letters Letters, uma parceria criativa com dois amigos da cena musical canadiana. A saber: Tony Boggs, cúmplice de Akiyama nos Désormais, e Jenna Robertson, o cérebro por detrás do conceito Avia Gardner.

A proposta de Letters Letters não é, como seria de esperar de Akiyama, um mosaico de mera especulação electrónica como os seus trabalhos individuais. Aqui, o plano conceptual é de outra substância, é um rascunho de pop poeirenta e algo assimétrica, sem receio de misturar o pragmatismo estrutural de "canção" (e a formatação que essa matriz construtiva envolve) com o devaneio psicótico de subliminares sabores noise. Trata-se, essencialmente, de redescobrir texturas e atalhos de uma linguagem mais directa - porque mais "emotiva" - e que põe enfoque nos arranjos e numa orgânica de pormenor para erguer composições que trazem à memória, aqui e ali, a técnica de uns Boards of Canada e, luminária mais distante, o frio romantismo dos finlandeses Husky Rescue. Os sintetizadores e as caixas de ritmo fazem o discurso dominante, quase sempre num arrastado devaneio de arritmias, provocando-se mutuamente, saindo de órbita como num sonho incorpóreo, para só baixarem à mundanidade e à disciplina com a regra melódica das vozes (soberbo o expressionismo metamorfoseado de Jenna em "Want To"!) e das guitarras minimais. A desproporção em equilíbrio com o minimalismo é uma dúvida que paira no ar ao som de Letters Letters, atirando incertezas para cima da música do trio canadiano. Esta coisa da razão e da fome de certezas no bicho humano é coisa tramada! O que vale a Akiyama, Jenna e Boggs é que o disco, a despeito de um ou outro tiro de pólvora seca, acerta amiúde na mouche. E o homo sapiens pode descansar outra vez.

Posto de escuta Excertos de todo o álbum (formato .ram)

Na sala de espera

Num ano particularmente activo no seio das electrónicas, mais uma sugestão para satisfazer apetites de final de ano. Trata-se da primeira proposta em longa-duração do francês Chloé que, depois de um par de EP's promissores, nos apresenta agora um discurso escorreito e bem construído, numa orgânica minimalista e a espreitar cenografias próprias do lo-fi mais escuro. O primeiro avanço do álbum The Waiting Room é este "Be Kind to Me".

Burial - Untrue

8/10
Hyperdub
Flur
2007
www.myspace.com/
burialuk

A promoção de alguns artífices das órbitas dubstep londrinas das margens para a primeira linha da música britânica, no ano transacto, demonstrou o interesse dos públicos por uma forma de musicalidade com identidade urbana e, por isso, marcada pela densidade emocional das depressões e misantropias modernas. Escuro na essência e formalmente descomprometido, quer no tempo quer nas suas referências estruturantes, o entendimento que protagonistas como Burial (e, depois dele, Kode9, o boss da Hyperdub) fizeram da expressão musical acabou por consistir, também, num fino retrato do desconforto do sujeito urbano face às exigências imprescindíveis da sociabilização nas metrópoles. Nesse particular, a geração dubstep dá voz musical a uma espécie de segunda vaga de misfits, depois da leva rebelde que ergueu o punk ao estatuto de discurso libertário no 70's, na época com a visibilidade e o bizarro impacto que se conhece. Claro que, sob o ponto de vista formal, não se adivinha anarquismo (ou sequer uma insinuação distante dele) na música de Burial. Trata-se, sobretudo, de música feita para acomodar intelectos mais inquietos com o mundo à sua volta mas que, ao invés de apontarem frustrações e sentimentos de exclusão (essa a premissa explosiva do punk) a qualquer alvo fácil, se viram para dentro e buscam respostas solitárias de sobrevivência. É, portanto, uma revolução silenciosa, acima de tudo mental e pessoal, tímida e contemplativa.

Depois de um primeiro álbum homónimo muito aplaudido, continua a saber-se pouco sobre este Burial. Dele se percebera, nesse primeiro exercício, que ser um discípulo dubstep não é necessariamente um embaraço para buscar outras fórmulas formais. Untrue reforça essa ideia, trazendo-nos grande parte das iguarias do debute (é inconfundível a matriz de beats deste senhor) mas somando-lhes, por comparação com o antecessor, um ênfase maior nas vocalizações. Esse compromisso acrescido com as vozes, ainda que filtradas e espectrais, dá ao som de Burial uma dimensão mais "humana" - por oposição aos frios maquinismos do primeiro registo - e com uma impressão melódica mais contínua (a magnífica "Archangel" é o melhor exemplo disso). Depois, além da miscigenação mais ou menos evidente com outras descendências da música de dança londrina, é notório o cuidado no detalhe das construções, fazendo de Untrue uma obra de estruturas mais complexas do que o primeiro disco, sem prejuízo da natureza esparsa típica da sub-cultura Burial. Ele é porta-voz de um silencioso motim de desajustados (os tais misfits de segunda geração) que, afinal, partindo das íntimas inquietudes e assombros da alma (a sua e a dos ouvintes-seguidores), não é mais do que o desejo de integração nas urbes modernas, despidas de afeições e tomadas pelo amor próprio. Untrue pode muito bem ser a luminária invisível com que esses espíritos inquietos se esquivam do egoísmo para respirarem melhor. E é, indiscutivelmente, um grande disco.