Neurosis - Given to the Rising

8/10
Neurot
2007
www.neurosis.com

Desde os primeiros riffs de Given to the Rising (nono álbum de estúdio em nome próprio) se percebe porque é que os californianos Neurosis se tornaram, decorrida cerca de uma vintena de anos desde o debute discográfico, um dos ensembles mais entusiasmantes e influenciadores da cena metal. Steve Von Till e seus pares são inventores para quem o conformismo nunca foi opção e, por isso, o lastro da identidade mutante que criaram tem suscitado um largo espectro de seguidores e sub-géneros. Para eles, não é um devaneio ambíguo mesclar, na mesma composição, coordenadas góticas e/ou industriais com sons atmosféricos, ou misturar melodias instrumentais funéreas (muitas vezes com laivos de rock progressivo) com o mais acerbo (e "pesado") e sombrio ritualismo pagão. Tampouco a estrutura métrica das peças é linear, alternando entre as texturas ambientais ao jeito de negros sermões cheios de espiritualidade (os vagarosos compassos de Stephen O'Malley inspiram-se aqui) e as pujantes implosões de guitarra, ora pausadas e cíclicas, ora tentando outro nervo. Mas, mais do que apenas gerirem equilibradamente este extenso rol de substâncias, os Neurosis erguem uma obra de intensidade sufocante e com uma escrita de contrastes irrepreensíveis. Given to the Rising é, assim, mais uma afirmação peremptória de estatuto e dilata distâncias para os mimetistas do costume. Vinte anos depois, os Neurosis não saíram do auge.

Posto de escuta Given to the RisingWater is Not EnoughDistill (Watching the Swarm)

Dntel - Dumb Luck

6/10
Sub Pop
2007
www.jimmytamborello.com

De Jimmy Tamborello sabemos mais ou menos o que podemos esperar, não fosse ele um dos mais renomados protagonistas da moderna cena indie-electrónica americana. As inúmeras identidades artísticas pensadas ou partilhadas por ele - além dos conceitos Dntel e James Figurine, divide os The Postal Service com Ben Gibbard (Death Cab For Cutie) e Jenny Lewis - denunciam, de resto, um pretexto comum: a electrónica como ferramenta básica para a construção de abstracções em volta da definição paradigmática de canção pop. Todavia, foi a progressiva conquista de espaço mediático do projecto The Postal Service - nesse particular, a sintonia com o consagrado Gibbard rendeu sinergias decisivas - que escancarou as portas da comunidade melómana para as tapeçarias digitais de Tamborello. Não fora isso e poucos saberiam que este é já o segundo tomo do projecto Dntel, o primeiro pela major Sub Pop, depois de Life is Full of Possibilities, lançado há meia dúzia de anos. Nesse registo, sob causas minimalistas importadas da escola glitch e aspergimentos de amplas camadas sintéticas de som, desfilavam construções orgânicas com um fio melódico subtil. Esse quadro estético é repetido neste Dumb Luck, um trabalho que sublinha a sagacidade especulativa da escrita de Tamborello e que confirma a utilidade da sua visão onírica e dispersa da pop. Mais surpreendente do que isso é a mágica alquimia dos inúmeros estímulos sonoros que parecem desabar avulsamente em cima das melodias, em retalhos fortuitos, como que casualmente desprendidos de um universo paralelo, ao jeito de deus ex machina redentores. A esse festim digital (com um ou outro desarranjo momentâneo) juntam-se algumas vozes ilustres: Lali Puna, Jenny Lewis, Conor Oberst (Bright Eyes), Mia Doi Todd e Edward Droste (Grizzly Bear). Pena é que, debaixo de semelhantes substâncias e de um aparato cosmético tão inteligentemente urdido, nem sempre existam fraseados melódicos com proporcional inspiração.

Posto de escuta Dumb LuckRock My Boat (ft. Mia Doi Todd)Breakfast in Bed (ft. Conor Oberst)

Editors - An End Has a Start

6/10
Pias
Edel
2007
www.editorsofficial.com

Justamente consagrados, depois de um debute discográfico promissor (The Back Room, de 2005), como uma das mais estimulantes surpresas da música britânica contemporânea, os Editors acabaram por tornar-se herdeiros quase "naturais" de uma linhagem sonora com ramificações no pós-punk britânico professado por gente como os Echo & The Bunnymen, os Joy Division ou os The Chameleons, sobretudo na incontestável predisposição para colher ensinamentos na cartilha do rock de tons escuros. Os ecos desse referencial estético voltam a propagar-se imparavelmente no alinhamento deste An End Has a Start, deixando a incómoda impressão de um certo imobilismo que facilmente pode confundir-se com fidelidade à fórmula de sucesso da estreia. De facto, o segundo tomo dos Editors acaba por pôr a nu um facto ironicamente embaraçoso: a banda está refém de uma linguagem própria que construiu (indo bem além do mero mimetismo das óbvias referências "históricas" de The Back Room) mas a que parece, agora, incapaz de somar novas virtudes ou, mais do que isso, de evitar o auto-plágio. E, para um segundo disco, esperava-se um pouco mais de substância e é difícil ser-se indulgente com a mediania que reveste, com uma ou outra excepção, este grupo de canções.

Posto de escuta MySpace

Júlio Pereira - Geografias

8/10
Som Livre
2007
www.juliopereira.pt

Volvidos cerca de trinta e cinco anos de um percurso extremamente coerente e, sobretudo, fiel a uma filosofia permanente de redescoberta, Júlio Pereira conserva intactos os atributos que dele fizeram um dos compositores e instrumentistas imprescindíveis do cancioneiro luso contemporâneo. Dedicado estudioso das raízes da canção popular portuguesa e dos seus instrumentos tradicionais (o cavaquinho é-lhe, de resto, imediatamente associado desde o ímpar êxito comercial de Cavaquinho (1981)), Júlio Pereira retoma, no novo disco, um amor antigo (e que nunca deixou para trás), resgatando o bandolim (um dos seus "sete instrumentos"...) para o reunir, em enlaces oportuníssimos e bem gizados, com a guitarra portuguesa. O pacto instrumental, ainda que exibindo traços referenciais da música tradicional portuguesa (o fado, as modinhas minhotas ou o corridinho algarvio, por exemplo) e das habituais afinidades com os ritmos africanos ou as melodias orientais, guarda um transbordante sentido de universalidade, tocando com jeito leve de pincel, uma infinidade de ângulos e latitudes sonoras. Essa transversalidade é tónico dominante de Geografias e, não obstante o consequente (e inevitável) alargamento do espectro estético do disco e suas soluções acústicas, o registo nunca perde o norte e desvenda uma impressionante homogeneidade. E, claro está, a luminosa verve de Júlio Pereira continua a presentear-nos com belíssimas estrofes melódicas e rendilhados de cordas, a que se juntam, pontualmente, os coloridos vocais de Sara Tavares, Marisa Pinto (do projecto Donna Maria) e Isabel Dias (da trupe minhota Raízes). Geografias é, assim, um produto do engenho descobridor de Júlio Pereira que, não se confinando à erudição reconhecida do músico nas raízes dos sons lusos (e não só), se abalança num imaculado manifesto de homenagem à música de outras paragens. Assim se faz, com um brilhantismo raro, a mais genuína das globalizações. E se desenham, em vibrações de cordofones, mapas de outras geografias.

Posto de escuta MySpace de "Geografias"

Montag - Going Places

6/10
Carpark Records
2007
www.montag.ca

Ainda que ciclicamente ignorado pelos primeiros mercados da indústria discográfica no exterior do seu país, o canadiano Antoine Bédard (o homem que assina como Montag) vem construindo um interessante ânimo reformista dos paradigmas da canção pop. Embora conhecendo, há cerca de cinco anos, uma jornada inicial (apenas com edição nacional canadiana) formalmente menos resoluta e especialmente vocacionada para o experimentalismo com as texturas electrónicas que, ainda hoje, pontuam o seu trabalho, Bédard foi avançando para peças menos abstractas, adaptando as suas especulações digitais a formatos mais próximos da ideia de "canção". Alone, Not Alone, de 2005, dava já sinais firmes e inquestionáveis de uma mistura de sons mais estruturada, embora a primazia das matérias de síntese ainda encobrisse o fôlego pop das composições. Para superar essa relativa opacidade dos trechos (as mais das vezes, em claro prejuízo da sua eficácia melódica), nada melhor do que chamar alguns amigos do orbe musical. A lista é interessante: Owen Pallett (o bizarro trovador do projecto Final Fantasy), as Au Revoir Simone ("meninas bonitas" da indie pop americana corrente), Anthony Gonzalez (o francês que, depois da partida de Nicolas Fromageau, assumiu sozinho os ambientes do conceito M83), Amy Millan (a voz dos conterrâneos Stars) e Victoria Legrand (voz dos Beach House e sobrinha do compositor francês Michel Legrand).

No global, Going Places embrulha num revestimento electrónico de fino recorte (não obstante um ou outro exagero kitsch de sons de vídeojogo - ouça-se "Best Boy Electric"), um interessantíssimo sublinhado 60's e pontuais momentos de impacto cinematográfico (com a orgânica de pequenas sonatas), umas vezes tentando reflexos mais amplos e grandiosos, noutras buscando um certo resguardo minimalista. Um pormenor: a faixa título do disco é (alegadamente) um mosaico de sons recolhidos numa convocatória aberta (no sítio do músico) a todos os que quiseram dar o seu contributo. A apreciação que é devida a esse trecho serve também de resumo às artes do álbum: sopros curiosos sobre formas modernas da pop com alguns méritos (as melhores faixas são as que contam com presenças vocais além do monótono registo de Bédard), mas nem todos necessariamente (ou igualmente) profícuos.

Posto de escuta I Have SoundSoftness, I Forgot Your NameNo One Else

The White Stripes - Icky Thump

8/10
XL Recordings
Popstock
2007
www.whitestripes.com

A importância da dupla White Stripes na história recente do rock tem tanto de inegável como de improvável. Com um punhado de registos sólidos e uma das canções rock da década ("Seven Nation Army", é claro) no bornal, Meg e Jack White firmaram uma estética própria e um estilo peculiar de versar os cânones do rock clássico (leia-se Led Zeppelin, por exemplo). Pode dizer-se que eles representam um dos mais suculentos paradoxos retro-modernistas da música contemporânea, no sentido de mesclarem uma certa nostalgia do rock de medidas largas de outras eras com uma impressiva capacidade para emendarem esse impulso seguidista com uma escrita crua (no seu minimalismo psicadélico), simples e versátil. Icky Thump, sexto registo de originais, segue as mesmas premissas de Get Behind Me Satan (2005), exercitando as potencialidades eclécticas de uma fórmula sonora que, parecendo organicamente destinada à misantrópica intimidade do rock de garagem, depressa transborda esse perímetro estético imaginário. Para esse efeito, ao invés da aposta preferencial do antecessor numa ferramenta acústica (piano) para a construção das melodias, o novo opus procura reaver o alvoroço eléctrico da guitarra nessa atribuição. Necessariamente mais "pesado" e mais próximo dos genes Stripes - o que pode ser interpretado como um manifesto de subsistência face às dúvidas que se levantaram sobre o futuro da dupla, mormente depois do êxito do side project de Jack White, os Raconteurs - Icky Thump regenera o ideário blues. E fá-lo, sem perder o fio de prumo habitual, somando novos azulejos ao mosaico de sons (nesse particular, a estreia das gaitas de fole com duas caras - na pastoral "Prickly Thorn, But Sweetly Worn" e na avariada "St. Andrews (This Battle is in the Air)" e os sopros mariachi são modelares) e aceitando interferências de outros universos (a revisão de "Conquest", cantada por Patty Page nos 50's, ou a quase "metaleira" "Little Cream Soda" são sobressaltos bem-vindos). O mais acertado epítome para Icky Thump faz-se em poucas palavras: basta dizer-se que os Stripes estão de volta e tão eléctricos e cativantes como nas primeiras núpcias. O que é o mesmo que afirmar que não dá para ficar indiferente.

Posto de escuta Icky ThumpConquestLittle Cream Soda

Digitalism - Idealism

7/10
Virgin
2007
www.thedigitalism.com

Diz-se que os rapazes deixaram saudades por cá, depois da apresentação pública do seu primeiro álbum no festival Creamfields, em Maio passado, no Parque da Bela Vista. São de Hamburgo e professam uma sonoridade muito próxima do electroclash (de resto, assumem essa a referência estrutural como uma doutrina), coisa típica numa metrópole onde tem recrusdescido, por oposição à electrónica de cânone de Berlim, uma vaga regeneradora do dance-rock que tem, agora, no duo Digitalism um dos vértices mais expressivos. Jens Moelle e Ismail Tuefecki são adeptos de um curioso cruzamento entre o fôlego desregrado (e alucinantemente robótico) da electrónica rave (é aí que o digitalismo demonstra o seu verdadeiro vigor) e os incitamentos hedonistas do rock (eles até já nos tinham dado versões remisturadas de Franz Ferdinand ou dos Klaxons...). Embora tendo sido erguido em torno de uma fórmula substancialmente pouco inovadora (por vezes, a coisa "tresanda" a Daft Punk ou Chemical Brothers), Idealism não se fecha na revisitação de conceitos e, mais do que isso, afoita-se numa perigosa - pelo risco evidente de inconsistência - mescla de estéticas dançantes, do minimalismo à disco, do house à vanguarda. A ironia suprema é que é o rock (directamente ou como miragem à distância de uma memória) a matéria unificadora da mistura. E o seu certificado de consistência. Afinal, basta um disco bem construído para desmontar as teses maniqueístas que cavam distâncias entre a música para as pistas de dança e o rock.

Posto de escuta Sítio da Boomkat

Maher Shalal Hash Baz - L'Autre Cap

7/10
K Records
2007
www.myspace.com/decablisty

Apesar de algumas visitas recentes à Ásia, os nipónicos Maher Shalal Hash Baz são pouco mais do que desconhecidos na sua terra natal. Não obstante esse facto, a verdade é que Tori Kudo e seus pares, sediados na Escócia, contam já mais de duas décadas de uma estranha (e não menos efectiva) militância de uma temática sonora que transcende fronteiras estéticas ou referências culturais. É, sobretudo, uma irónica atracção pelo "erro" (conceito caro aos universos jazzísticos de improvisação em que Kudo cresceu musicalmente e que é assumido pelo próprio como a maior das suas utopias) que faz da música dos Maher Shalal Hash Baz um híbrido ímpar e virtualmente inclassificável. Debaixo de um manto de nostalgia que não passa despercebido, L'Autre Cap é, ao jeito de outros produtos do ensemble japonês, uma colecção de breves retalhos onde convivem (e disputam ambientes emocionais) um genuíno fôlego rock (coisa mais intuída do que assumida, ao jeito de um desejo reprimido que jamais abandona a mente), o desprendimento de uma big band (com os sopros adultos e o embalo jazzy) e uma nebulosa aptidão para o psicadelismo mais recatado. Pouco importa o rigor técnico - é sabido que Tori Kudo recruta alguns não-músicos para o colectivo! - quando o que se busca é a essência da criatividade, mesmo que ela seja mostrada em infalível cacofonia e na mais ingénua (e, por isso, tocante) imperfeição e sem contaminações técnicas. E das mais rudimentares ferramentas (e artífices) podem, afinal, nascer ápices do mais cortês encantamento.

Posto de escuta Sítio da Boomkat

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Júlio Pomar, D. Quixote e os Carneiros (1963)

Black Diamond Heavies - Every Damn Time

7/10
Alive
2007
www.blackdiamondheavies.com

Deles se conhecem as origens americanas sulistas, lá do mesmo estado do Tennessee historicamente castigado pelos confrontos da Guerra da Secessão e onde, rezam as crónicas, se propagou um fôlego criativo quase ímpar na história da música americana, desde os primeiros anos do século XX. Do simbolismo da capital Nashville (ainda hoje considerada a metrópole por excelência da música country dos Estados Unidos), ao recrudescimento de Memphis (ventre de B.B. King e do seminal selo Sun, durante anos a casa editorial de gente como Johnny Cash, Muddy Waters, Howlin' Wolf ou Elvis Presley) como um dos estandartes do movimento blues, o estado dos voluntários é, hoje, um dos pontos cardeais de algumas das expressões musicais mais genuínas da alma americana. Sediados na facção oriental de Nashville (embora com proveniências díspares dos seus integrantes), os Black Diamond Heavies começaram por ser um trio, até o guitarrista Mark Holder renunciar à vida errante de músico, depois da edição do EP You Damn Right, de 2004. De então para cá, John Wesley Myers (teclas e voz), senhor de um portento vocal vizinho de Tom Waits, e Van Campbell (baterista) entregaram-se sozinhos ao encargo de escrever (e interpretar) blues de garagem, reduzidos aos aromas mais crus e penetrantes do género e embrulhados num invólucro de pura jam session. Quem os viu ao vivo (e já passaram por cá, no Festival Internacional de Blues de Coimbra), sabe do que estes dois virtuosos são capazes de fazer sem aparato (não precisam de mais de 15 m2 de palco...), e munidos apenas das mais singelas ferramentas da tradição blues. Esse espírito é também a medula de Every Damn Time, com rebeldes e acerbas discussões de sons, na toada sincopada de padrões blues, entre o velhinho Fender Rhodes (ou outras teclas) de Myers e a enleante percussão de Campbell. É daí que emerge um fluido tremendamente consistente e ruidoso, um misto de composições originais e duas revisões, com impressionante crueza e desembaraço. E força sedutora para trazer os blues para o novo século. Único senão para este tesouro improvável: a colagem abusivamente evidente de Myers às entoações cavernosas e diversas nuances vocais de Tom Waits.

Posto de escuta Fever in My BloodPoor Brown SugarWhite Bitch

Queens of the Stone Age - Era Vulgaris

7/10
Interscope
2007
www.qotsa.com

A conturbada deserção de Nick Oliveri, há três anos, suscitou uma miríade de dúvidas sobre as reais possibilidades dos Queens of the Stone Age escaparem incólumes a um desfalque no seu núcleo criativo. Em boa verdade, Josh Homme já nos habituou a baralhar o alinhamento do ensemble a seu bel-prazer mas, sabendo-se que a assinatura do baixista se emparelhara com a dele nos instantes mais inspirados do percurso do colectivo (R, de 2000, e o mediatíssimo Songs For the Deaf, de 2002), a saída de Oliveri nunca seria comparável à partida de um mero músico de suporte. Ainda assim, ao segundo registo de estúdio depois desse episódio, no encalço das derivações espirituais de Lullabies to Paralyze, perdidas as hipérboles de Oliveri (aparentemente sem sucedâneo à vista...), o som dos QOTSA não denuncia outros prejuízos colaterais e, acima disso, retém os agentes "clássicos" do rock arenoso do grupo (riffs crus e percussões maquinais), mesmo quando sonda espaços menos comuns ao universo Homme (a magnífica revisão da velhinha "Make It Wit Chu", peça registada numa das Desert Sessions, ou "Suture Up Your Future" são bons exemplos). Ele é um dos raros espíritos aduncos da cena musical contemporânea e patrocina, com alguns tentáculos de uma mesma identidade sonora (Queens of the Stone Age, Eagles of Death Metal, as Desert Sessions e a decana instituição dos Kyuss), um dos espólios quintessenciais do rock 'n' roll despudorado e hedonista, longe de modas, interventivo e de pulso imparável. E mesmo que Era Vulgaris não chegue ao auge de outros álbuns, está aí para demonstrar que o mais genuíno rock se escreve assim, sem apelo nem agravo. E que Josh Homme continua a ser um dos seus mais engenhosos anti-heróis.

Posto de escuta I'm DesignerMake It Wit Chu3's & 7's

Battles - Mirrored

9/10
Warp Records
Symbiose
2007
www.myspace.com/battlestheband

Quando o rock é complexo e feito de uma teia de elementos sonoros que se entrecruzam com virtuosismo, sapiência técnica e, sobretudo com um sentido geométrico de progressismo (as mais das vezes, usando a lógica de crescendos e retornos ao ponto de partida), normalmente cola-se-lhe o rótulo de math rock. No fundo, essa família de sons não mais é do que uma derivação das estirpes genuínas do rock progressivo, aproveitando dimensões alternativas (ou outras nuances estéticas) do mesmo conceito artístico de construção musical. Com o primado da tecnicidade (por oposição ao imediatismo), não estranha que o rock "matemático" se tenha tornado um género quase sempre demasiado encriptado para o comum ouvinte e, consequentemente, tenha colhido apenas o restrito reconhecimento de alguns melómanos fetichistas destas coisas do preciosismo técnico. Ao mesmo tempo, o sucessivo aparecimento de escolas menos "académicas" de fazer rock (e, portanto, mais acessíveis aos grandes públicos) ajudou a cavar o fosso entre as massas e o progressivo, quase votando ao esquecimento o legado histórico de King Crimson, Yes, Captain Beefheart ou Zappa que, afinal, serviu de luminária (mais ou menos assumida) a algumas das tendências posteriores.

A surpresa de Mirrored não está (nem tentou estar) num qualquer fôlego de homenagem emendadora dessa injustiça. Mais do que fazer isso, os quatro integrantes dos Battles, peritos óbvios no manejo dos conceitos de música progressiva (e, dentro desta, do nicho math), impressionam pela capacidade de introduzir ideias frescas em fórmulas de composição algo desgastadas (em razão do tal "esquecimento"). O álbum é, como não podia deixar de ser, maioritariamente instrumental (as vozes, arrebatadas e sem verbalizações, aparecem esporadicamente) e combina guitarras ansiosas e percussões frenéticas (do melhor que se ouviu nos últimos tempos) com electrónicas de filigrana pouco formal. Apesar desse pacto de substâncias estar subjacente à insistência em padrões "matemáticos" e, portanto, exposto ao risco da complexidade técnica obstar à intimidade com o ouvinte, a verdade é que as composições revelam um sentido melódico invulgar em produtos desta estirpe, por força das soberbas abstracções que, passando quase despercebidas sob o caudal dominante das "canções", acabam por somar-lhes dimensões diferentes e que as afastam da insensibilidade da técnica de per si. É aí que reside o segredo dos Battles, no convite irrecusável à redescoberta das inúmeras minudências e estratos em cada peça. E em perceber que, sendo técnico e preciso, Mirrored não deixa de ser tremendamente irresistível e compensador.

Posto de escuta AtlasTontoTIJ

Apparat - Walls

7/10
Shitkatapult
Flur
2007
www.apparat.net

Depois de ter conseguido, no ano transacto, um impacto impressivo na órbita pop digital, ao lado da compatriota Ellen Allien (ver Orchestra of Bubbles), o alemão Sascha Ring está de volta por conta própria. Apesar das inúmeras solicitações e parcerias dos últimos anos, o músico não deixou de compor a título pessoal e Walls não é mais do que uma recolha de material acumulado desde a gravação do EP Silizium (2005). Nas palavras de Ring, a escolha do alinhamento do álbum não esteve subjacente a nenhum critério estético definido a priori, embora se perceba nas peças do alinhamento uma inclinação pop a que não serão estranhas as últimas manifestações do seu percurso. Todavia, esse pendor mais "convencional" (por oposição a outros trabalhos da sigla Apparat) não ofusca a costumeira diversidade estrutural das peças, tão certas a buscar enlaces harmónicos, ora partindo do mais cru esqueleto de minimalismo IDM, ora usando os mais expansivos e intrincados revestimentos digitais. Como se esperaria, é precisamente aí que reside o argumento mais convincente deste Walls, na caótica e frenética candura das texturas orgânicas (sempre foi essa a substância mais relevante da música Apparat), quase sempre contemplativas e mergulhadas na aura de intangibilidade que Sascha Ring vem aperfeiçoando nos últimos tempos. A ligação à terra é prescrita pelas vocalizações (dele ou de Raz Ohara) que, quando presentes, desviam o disco da órbita mais confortável (coisa particularmente evidente no single "Holdon", com Ohara) e nem sempre assentam bem no espectro largo e informal das construções rítmicas, diminuindo-lhes a luminosidade. A despeito dessas minudências técnicas, há em Walls um raro alinhamento de pequenas delícias sonoras que, se pontualmente não encantam à primeira audição, acabam por justificar algumas visitas atentas.

Posto de escuta Hailin' From the EdgeLimelightArcadia

Kalabrese - Rumpelzirkus

8/10
Stattmusik
2007
www.myspace.com/kalaspatz

Dele pouco mais se conhecia do que um 12'' ("Chicken Fried Rice", editado há três anos pela Perlon) que conheceu relativo êxito além das fronteiras helvéticas, especialmente à custa do magnífico loop de guitarra processada que dava corpo ao tema-título. Já aí, nesse quarteto de composições, se adivinhavam, ainda que com uma expressão menos apurada, as premissas estéticas de um idioma sonoro afecto à matriz sincopada do house minimalista, mas com inúmeras referências colhidas noutros universos. Em compassos lentos, quase arrastados, o suiço Sascha Winkler (é ele o cientista por detrás do cognome Kalabrese) acerca-se de um certo padrão abstracto da música funk "clássica", captando-lhe as dimensões de relaxe (derivações do genoma dub) e embrulhando-as num curioso mosaico digital (embora muitas das substâncias investidas sejam mais orgânicas do que soam), com algo de futurismo e, ao mesmo tempo, de ciência antiga. Ouça-se, a título de exemplo, a assombrosa construção de blues e anémico tribalismo de "Heartbreak Hotel". E assim segue a caravana de canções, livre e pejada de surpresas, sem formalismos técnicos, com inventividade e um harmonioso sentido de proporção. Sem uma pérola imediatamente contagiante como "Chicken Fried Rice", Rumpelzirkus é, sobretudo, um produto monolítico e vale-se da soberba consistência (e do element of surprise) para evitar o enfado dos padrões 4/4 e, mais do que isso, fazer dessa estruturação rítmica um esteio útil para noções desenvoltas de canção, a fazer lembrar o melhor de Matthew Herbert ou Ricardo Villalobos. Mas com uma identidade própria e que, mais tarde ou mais cedo, gozará do reconhecimento que lhe é devido.

Posto de escuta Oisi ZuekunftHeartbreak HotelBody Tight

The Field - From Here We Go Sublime

8/10
Kompakt
2007
www.myspace.com/thefieldsthlm

Embora tendo nome feito no universo techno, as mais das vezes na pouca mediatizada atribuição de produtor, a obra própria do sueco Axel Willner (sob o pseudónimo The Field) resumia-se, antes deste álbum, a dois 12" (Things Falling Down, de 2005, e Sun & Ice, do ano seguinte). Partindo do mesmo corpo conceptual dessas edições (e até repetindo três composições do segundo), onde o minimalismo era uma premissa teórica, ainda que usada apenas como consistente ponto de partida para as construções rítmicas, e, sobretudo, demonstrando uma mestiçagem de sub-géneros inesperadamente profícua, From Here We Go Sublime não é espaço para manobras previsíveis. E, mais do que perceber-se que da equilibradíssima mistura resulta mais do que a mera soma cosmética de partes, o álbum desvenda uma coerência estrutural rara em produtos desta estirpe sonora. Aqui, sob a régua das cadências minimalistas techno e house (que não são o metrónomo exclusivo do alinhamento), cabem arcos de pura sedução ambiental (são eles os indutores da "profundidade" estética do disco), em jeito de pano de fundo, e pontuais samples de voz. O resto é apurado ao sabor da espessura emocional de cada composição, invocando a lógica de crescendo (continua a ser uma das mais apelativas formas de expressão das escolas de música dançável), os loops repercutentes e justapostos e os préstimos de diferentes escalas de programação (ora microscópica ora de medidas largas). O desfecho é um dos mais íntegros exercícios de música digital dos últimos anos, cruzando estéticas e referências e, acima disso tudo, demonstrando uma ampla visão artística, um profundo conhecimento técnico das ferramentas aplicadas e a inventividade própria de um idioma que, não tendo caracteres substancialmente "novos", acaba por moldar-se num discurso que ecoa na mente como se acabado de inventar.

Posto de escuta Over the IceA Paw in My FaceEverday

Jeff Buckley - So Real: Songs From Jeff Buckley

5/10
Sony BMG
2007
www.jeffbuckley.com

Já se escoou mais de uma década desde o misterioso desaparecimento de Jeff Buckley e o seu legado musical continua a ser revisitado ciclicamente ao sabor da avidez comercial. Embora tendo editado apenas um álbum em vida, o lendário Grace (1994) - sacralizado depois da morte do músico como o título revolucionário que, à época, não chegou a ser - Buckley depressa se tornou, em moldes semelhantes ao mito mediático erguido em volta da herança e das memórias de Kurt Cobain, um exemplo paradigmático de quão rentável pode ser um cantautor que morre aos trinta anos. Além desse disco de debute, entretanto reeditado em versão "melhorada", a Columbia lançou, sempre com a orientação artística (e copioso enriquecimento) da mãe Mary Guibert, uma tríade de álbuns ao vivo, reedições com o selo Legacy (da Columbia) e uma colecção de esboços das não findas sessões de gravação do sucessor de Grace. E talvez a gula não termine ainda neste So Real cujo mérito maior é, mostrando algumas das canções emblemáticas do curto percurso de Buckley e duas gravações não editadas antes (cabe no alinhamento uma previsível revisão de "I Know It's Over" dos Smiths), mostrar porque a visão e as aspirações artísticas de Buckley são, hoje, um valor consolidado dos cânones da música, mesmo com as suas incongruências e incompletudes. E esse recurso, a música por si só, vive além do seu criador, tem fôlego próprio, e dispensa a obsessão editorial que, mais do que homenagear o património "clássico" de Jeff Buckley, o vulgariza por exaustão.

Posto de escuta LAst GoodbyeEverybody Here Wants YouJe N'en Connais Pas La Fin

Marilyn Manson - Eat Me, Drink Me

7/10
Nothing Records
2007
www.marilynmanson.com

No hiato de quatro anos desde a última edição discográfica do muito discutido (e controverso) Marilyn Manson (Brian Warner no B.I.), a vida pessoal do músico experimentou algumas convulsões, a mais mediática das quais foi o súbito remate do envolvimento de sete anos (dois em laço matrimonial) com a voluptuosa playmate Rita Von Teese e a posterior aproximação à actriz Evan Rachel Wood. Essa promiscuidade emocional não terá sido indiferente à composição de Eat Me, Drink Me, um registo revelador de uma impressão mais pessoal (é Manson que assina todas as composições, com ajudas pontuais de Tim Skold) e intimista e que, nas palavras do próprio músico, é "o álbum da sua vida". No fundo, contrariando a linha de personas (o anticristo de Anti-Christ Superstar, o Omega 5, de Mechanical Animals, o holocausto de Holy Wood ou a estrela decadente e impudica de The Golden Age of Grotesque) com que consecutivamente se afirmou como símbolo de uma certa degeneração hedonista e iconoclasta (o que, ironicamente, veio a fazer dele próprio um ícone...), Manson aparece agora sem a máscara de uma personagem projectada para um determinado fim mediático. Nesse sentido, Eat Me, Drink Me desvenda a autenticidade por detrás do conceito e das pantomimas, coisa que faltou noutros trabalhos e que, em último caso, certifica um músico crente na sua arte (e inerentes idiossincrasias) e que, refeito dos ecos do massivo tropel condenatório que se seguiu ao massacre de Columbine (1999), ressurge num registo mais imediato (também estruturalmente menos "pesado"). Ainda que retendo os ritualismos de celebração do lado negro da vida e as metáforas góticas, as canções fogem da previsibilidade dos últimos álbuns, sem os riffs ziguezagueantes e a percussão pendular (essa combinação alimenta "Are You the Rabbit?" e, menos notoriamente, "Mutilation Is The Sincere Form Of Flattery", as duas faixas mais próximas dos cânones Manson) nem os exageros cosméticos do costume e, sobretudo, dando provas de um compromisso melódico mais efectivo, longe da pompa industrial dos trabalhos anteriores (a excepção, à Nine Inch Nails, é "You and Me and the Devil Makes 3"). Afinal, há vida por detrás dos disfarces e há alguma música além da ira gratuita. A assinatura do opus mais consistente da demónica sigla MM nos anos mais recentes é, afinal, de Brian Warner.

Posto de escuta Putting Holes in HappinessJust a Car Crash AwayHeart-Shaped Glasses

Modest Mouse - We Were Dead Before the Ship Even Sank

7/10
Epic
2007
www.modestmousemusic.com

Depois de uma certa glorificação junto dos circuitos alternativos da música americana, na sequência da edição, em 2004, do dinamicamente melancólico Good News For People Who Love Bad News (aquele que foi considerado o corolário "natural" de um percurso relativamente consistente de mais de uma década a meia-luz), os Modest Mouse achavam-se num momento crítico do seu percurso. Conhecidas as várias possibilidades e dimensões de uma fórmula sonora essencialmente nutrida a malabarismos de guitarra e valendo-se dos múltiplos caracteres vocais de Isaac Brock, dois atalhos alternativos se abriam para eles no último álbum: ou repisavam a linguagem do antecessor, assim pondo à prova os ganhos de popularidade de então e expondo-se ao óbvio risco de mimetismo e inércia criativa, ou arregaçavam mangas em manobras reinventivas para investigar novos rumos para um som algo "gasto" e, no âmbito dessa experimentação, suscitariam uma vigilância mais severa de críticos e melómanos, em face da tentação do mainstream. Em qualquer dos casos, We Were Dead Before the Ship Even Sank mereceria sempre um escrutínio controverso e dificilmente agradaria a gregos e troianos. Em face dessa dúvida existencial e deixando de estar confinado às mutações abrasivas (e mais experimentais) das primícias, o novo opus dos Modest Mouse afigura-se o registo mais pop do seu percurso (não necessariamente no sentido mais "convencional" e depreciativo do termo), até porque aglutina as tendências sad da lírica de Brock com um optimismo sonoro (coisa que já se adivinhava no disco anterior) não escutado antes, pelo menos com esta amplitude. Conseguida a expansão estrutural do som (a integração do guitarrista Johnny Marr (ex-Smiths) desempenhou papel crucial nessa equação), falta apenas deixar que esse fôlego trepador contagie também a escrita. Afinal, convivem em We Were Dead Before the Ship Even Sank alguns momentos do escol Modest Mouse ("Dashboard" ou "Fly Trapped in a Jar", por exemplo) com peças demasiado monótonas ("Fire it Up", "Missed the Boat" ou "We've Got Everything") para não penalizarem a apreciação global do disco.

Posto de escuta DashboardFly Trapped in a JarSpitting Venom

Bonde do Rolê - With Lasers

5/10
Domino
2007
www.myspace.com/bondedorole

Trio de universitários de Curitiba, os Bonde de Rolê são um dos mais recentes fenómenos da música ligeira do Brasil (a par das Cansei de Ser Sexy) e, desde a sua "descoberta" pelo americano Diplo (ele próprio, um admirador do funk carioca dos morros), não mais cessou o tropel em volta deles e a consequente projecção mediática. Revelando, tal como as CSS, algum desprendimento face aos costumes "clássicos" da música brasileira (guardam apenas referências subliminares ao funk mais festivo, de percussão em algazarra) e apontando, sobretudo, para padrões sonoros do outro hemisfério, With Lasers é uma curiosa fusão entre exercícios de sampling com epicentro no heavy metal oitentista (as aparições são mais do que pontuais) e uma delirante profusão de beats e tresvarios digitais. Dir-se-ia que, nesse ponto, o disco desvenda uma estruturação decisivamente marcada pelo urbanismo actual, com a inevitável atracção pela vulgaridade (escutem-se as letras, pejadas de vacuidades e incipiências) e descontextualização cultural e descurando o sentido melódico típico da história das últimas décadas da música brasileira. Pior do que isso, na tentativa de suscitar um novo paradigma sonoro de festa de rua, assente essencialmente numa nem sempre lucrativa promiscuidade estética, os Bonde de Rolê perdem-se na sua própria algaraviada rústica e kitsch, precipitando um desfile de canções inconsequentes e cujo préstimo se fica pelo serviço mínimo para algumas pistas de dança. De toda a maneira, o que se esperava de um trio que, nas palavras da vocalista Marina Vello, busca inspiração numa vizinhança errática entre Christina Aguilera, Sleater-Kinney, Motorhead e Venga Boys?

Posto de escuta Solta o FrangoMarina GasolinaGeremia

The National - Boxer

8/10
Beggars Banquet
Popstock
2007
www.americanmary.com

Quando eles editaram, há um par de anos, o orgulhoso Alligator (terceiro tomo do seu percurso), emprestando à pop a imponência da solenidade e o recato clássico de uns Tindersticks (nesse particular, os vocais de Matt Berning aceitam algumas coordenadas de Stuart Staples) ou dos momentos mais soturnos de Nick Cave, Leonard Cohen ou dos American Music Club, então apanhando desprevenidos os críticos e os melómanos mais atentos às margens do mainstream, percebeu-se que havia nos The National sustento para uma obra maior. Não é surpresa, portanto, que o sucessor desse trabalho reforce a convicção de que estamos perante um dos ensembles mais inspirados (e de crescimento mais consistente) do cenário rock alternativo americano das últimas temporadas. Boxer é feito de canções erguidas sobre uma base acústica (piano e/ou guitarra) de castiça intimidade (a que melhor serve às temáticas de privação que povoam a imagética emocional do disco), com uma escrita garbosa e, sobretudo, capaz de produzir uma saudável distância para os clichés depressivos que normalmente pontuariam este tipo de canções. Para esse facto, concorre decisivamente a assimétrica alquimia dos arranjos orquestrais do australiano Padma Newsom (dos Clogs) que, sem roubar as canções à órbita intimista e misantrópica (quase sempre direccionada para as depressões da urbanidade), lhes soma uma frágil e trémula luminosidade, ao jeito de factor redentor. E é, também, essa ambivalência emocional das canções, entre a desolação e as probabilidades da esperança mais esquiva (mas sempre presente), que faz deste Boxer uma das mais virtuosas colecções de canções deste ano.

Posto de escuta Fake EmpireMistaken For StrangersRacing Like a Pro

Throbbing Gristle - Part Two: The Endless Not

7/10
Mute
2007
www.throbbing-gristle.com

Desde 1982 que não havia notícias dos londrinos Throbbing Gristle. O segundo acto do agrupamento (sugestivamente baptizado Part Two...), de per si, seria suficiente para suscitar alguma curiosidade em torno do novo trabalho de um colectivo que, no período dourado de expressão industrial do rock na Europa, se fixou como um dos seus mais perversos protagonistas. Com um código sonoro substancialmente mais tortuoso, vanguardista e corrosivo do que o "convencionalismo" dos Young Gods ou dos Einstürzende Neübaten à data, Genesis P-Orridge (hoje Breyer P-Orridge) e seus acólitos preferiram, com o pretexto de uma pretensa liberdade criativa e anti-tabus, abrigar-se sob uma imagética nazista e recorrentes alusões líricas a serial killers, erguendo à sua volta um coro de contestatários que, em efeito contrário, viria a seduzir uma geração de misfits sequiosos de sensações musicais diferentes das da onda punk. Essa nada ortodoxa exploração das potencialidades visuais (e de sugestão temática) da imagem tinha reflexos na cacofónica e sinuosa noção de música do quarteto, exorbitando as fronteiras do conceito industrial - porque nele recolhia as referências estruturais (os drones excêntricos de guitarra, a experimentação digital corrupta e vanguardista e a projecção espacial dos sons) - a favor de uma maníaca, angustiante e depressiva aleatoriedade de sons.

Essas premissas, válidas há um quarto de século atrás, repetem-se neste Part Two: The Endless Not, uma espécie de ensaio dadaísta de música, sem regras e altivo a expor os choques internos entre máquinas e mantras digitais, quais animais-fantasma abespinhados e em assombrada peleja (especialmente notória na arrepiante e paranormal "Lyre Liar"), desconfortáveis no imaterialismo da sua condição. Sons volantes (de almas movediças) estilhaçam-se mutuamente, sublinhando a transgressão ruminante dos samples (a voz de P-Orridge, único elo de aproximação do tomo a dimensões "físicas", é menos usada do que antes) e a impenetrabilidade do disco. Com os mundos fechados, a porta entreaberta para o ouvinte é uma suscitação visceral, uma palpitação mista de medo e desafio. Lá dentro, em orbes de descomunal estranheza (e incontornável (es)pasmo), cabe de tudo um pouco e, embora uma ou outra composição derrape nas suas próprias incertezas e se auto-emascule (até porque a preterição dos abrasivos mais fortes do passado é indisfarçável...), Part Two: The Endless Not funciona como enunciado seguro de um colectivo que, tendo inscrito o nome no mosaico dos notáveis do género industrial, se apresenta agora para o recolocar na órbita certa.

Posto de escuta Vow of SilenceRabbit SnareLyre Liar

Terrakota - Oba Train

7/10
Gumalaka
2007
www.terrakota.net

Depois de dois álbuns (Terrakota, de 2002, e Humus Sapiens, de 2004) consagrados ao cinzelamento de uma identidade sonora própria (com as inerentes imperfeições estruturais) e à consequente consolidação de uma estética unificadora de caracteres rítmicos com procedências étnicas diversas, o terceiro registo prescrevia, para os Terrakota, o desafio de juntar consistência a esse idioma híbrido. Ao escutar Oba Train percebem-se os ecos da maturação de sons do octeto que, repisando as mesmas referências mestiças dos antecessores (sob um manto de sons caribenhos e embalos reggae cabem os mais variados sabores da mandinga e da gwana, as nuances latinas da salsa, do flamengo e do merengue e algumas insinuações importadas da cultura árabe e indiana), apresentam uma matriz de composição mais escorreita e, sobretudo, um corpo de canções mais seguras e credíveis no encadeamento das diversas estirpes de som. É assim que Oba Train se converte num exercício de autoconsciência dos Terrakota (nesse particular, os vocais de Romi estão no auge!) e, em simultâneo, no breviário ideológico de um bando de músicos que nos oferece, agora, o mais completo (e sumarento) dos seus mosaicos de sons, uma espécie de digressão nómada e apátrida por uma África negra com o tamanho do mundo.

Posto de escuta MySpace dos Terrakota

Popnoname - White Album

7/10
Italic
Flur
2007
www.popnoname.de

Por detrás do título Popnoname mora o alemão Jens Uwe Beyer, um dos novatos da recente estirpe da cena digital de Colónia a que, na urgência mediática de rótulos, a crítica especializada se apressou a chamar de Bit Generation e que tem no selo Kompakt um dos mais expressivos cancioneiros (Justus Köhncke, Tobias Thomas, Michael Mayer, Reinhard Voigt, Superpitcher, são alguns dos filiados). A proposta Popnoname é simples: cultor da relação óbvia entre o experimentalismo electrónico (nas mais variadas formas de música dançável) e a eficácia de uma abordagem pop, Jens Uwe Beier constrói peças leais à fórmula de crescendos cíclicos (chame-se-lhe progressismo) e a abraçar diversas permutas estéticas, do minimalismo à abstracção, do colorido tecnho à propagação ambiental, dos vocais à abstracção instrumental. No fundo, White Album traduz uma harmoniosa profusão de matérias digitais, por vezes transbordando as fronteiras da música de dança e anunciando um certo fôlego cinematográfico (ilustrado en passant nas magna peças do álbum, "Kapital" e "Mother Earth") que, todavia, não desvia o disco da órbita pop-rave (palavras do próprio Beier) que, de certa forma, confirma as tendências fusórias de géneros dos últimos produtos da electrónica alemã.

Posto de escuta MySpace de Popnoname

The Bravery - The Sun and the Moon

7/10
Island
2007
www.thebravery.com

Desde os primeiros acordes de The Sun and the Moon se percebe que, em sentido contrário àquele que foi seguido por muitos dos seus parceiros na geração recente do rock que baquearam redondamente no ensaio de "maturação" do segundo disco, os The Bravery não precipitam o crescimento da sua música. Ao invés de ensaiarem a cisão radical com o passado recente e assim se exporem ao desnecessário risco de esbanjar o capital de confiança granjeado após o disco de estreia, os nova-iorquinos optaram pela via mais segura e inteligente: evoluir paulatinamente, aproveitando as matérias essenciais da estética dance-rock mas dando-lhes uma arrumação mais orgânica e, ao mesmo tempo, acomodando as cadências apressadas do debute a um discurso mais consentâneo com os cânones do rock século XXI (leia-se Strokes, Franz Ferdinand, Jet, Modest Mouse), sem omitir luminárias de outros tempos (The Cure, Beatles, Duran Duran). Todavia, essa vantagem orgânica, se afasta as composições da banalidade ouvida antes e proporciona a criação de alguns momentos inspirados e amigos do tímpano, não chega para encobrir as subliminares insuficiências da escrita e, sobretudo, a "natural" indefinição estética de uma banda que, insistindo nos postulados criativos que presidiram à sua génese, se encontra agora retida no limbo entre a íntima canção acústica de quarto e o hino pujante de rock de arena. Saúda-se a opção, esperam-se novos capítulos...

Posto de escuta BelieveThis is Not the EndTime Won't Let Me Go

Von Südenfed - Tromatic Reflexxions

8/10
Domino
2007
www.myspace.com/vonsudenfed

A combinação tem tanto de promissora como de improvável. Imagine-se só: Mark E. Smith, o guru dos pitorescos e míticos (e muitas vezes subvalorizados) The Fall, a fazer equipa com Jan St. Werner e Andi Toma, ambos mestres do psicadelismo sintético nos Mouse on Mars. A confluência de ideias nem é nova (Mark. E Smith já tinha figurado no vinil Wipe that Sound, editado há três anos pelos alemães) mas é a primeira vez que os três dão à convergência um corpo ultimado, a que chamaram Von Südenfed. E a coisa acaba por tornar-se, mais do que uma mera edição contemporânea meritória, um interessantíssimo (e suculento) acontecimento histórico, por reunir o lendário espírito de motim do pós-punk britânico - de que Mark E. Smith é um dos mais louváveis embaixadores - com a esquizofrenia e o experimentalismo IDM-pós-techno que os germânicos ensaiam há mais de uma década. Vistas bem as coisas, a substância electrónica dos Mouse on Mars é no seu subliminar extremismo, na abstracção e na tendência para produzir, com o ruído, alguns profícuos conflitos de sons, o melhor suprimento para a mente sobressaltada e as alienações visionárias de Smith. O enlace orgânico das composições é surpreendente, sem sobrepor uma das partes à outra e, com isso, Tromatic Reflexxions percorre convincentemente as tendências recentes da electrónica dançável, aceitando as coordenadas vocais excêntricas e perversas do anti-herói rock Smith. O desfecho dessa venturosa digressão, com escalas mais ou menos evidentes na música de vários quadrantes dos últimos trinta anos, a despeito de um ou outro momento menos inspirado, é pouco menos do que sublime. E fazem-se mais claras as proveniências da confessada (e justificadíssima...) admiração de James Murphy por Mark E. Smith.

Posto de escuta Fledermaus Can't Get EnoughThe RhinoheadChicken Yiamas

Bill Callahan - Woke on a Whaleheart

7/10
Drag City
AnAnAnA
2007
www.dragcity.com

Ele é um dos mais subvalorizados vultos da música americana. Senhor de um percurso forrado a boas canções e ancorado a um espaço sonoro rústico e experimental a que chamou (Smog) - que ergueu em demanda de respostas para uma personalidade impaciente e céptica - Bill Calahan aventura-se, pela primeira vez, numa edição com o nome de baptismo. Mais do que propriamente fazer uma qualquer espécie de breviário de um património estético acumulado ao longo de mais de uma década de gravações dedicadas a uma revisitação consternada (e intencionalmente rudimentar) das raízes mais profundas da música americana e seus vários idiomas, Woke on a Whaleheart desvenda mostras de um espírito menos desassossegado (não ler como sinónimo de conformista). Não espanta, portanto, que estas canções sejam o corolário das emendas recentes do projecto (Smog), rumo a um estilo mais ortodoxo (o experimentalismo a ceder à composição) e de escrita mais robusta. Em boa verdade, Woke on a Whaleheart está nos antípodas dos rótulos home recordings de início de carreira e, nesse sentido, estas peças são produto de uma maturidade conceptual conseguida à custa de altos e baixos e que, em última instância, dotou Callahan dos recursos (e confiança) imprescindíveis para tirar melhor proveito da sua (cada vez menos) conturbada verve. Nessa redescoberta de si mesmo, no ofício e na vida - a recém-divulgada relação com Joanna Newsom deve ter dado uma ajuda - o músico reciclou melancolias e deu-lhes um inesperado alento pop, com o precioso auxílio de Neil Michael Hagerty (antigo mentor dos Royal Trux) nos arranjos.

Para os seguidores mais antigos, aqueles que vêm à procura das odes estaladiças e ascéticas do passado, Woke on a Whaleheart pode deixar a sugestão de que, volvidos estes anos, já nada resta do bandoleiro eremita e melancólico que Callahan foi e, no lugar dessa recordação, mora agora um poeta "romântico" de esperança renovada. E, ainda assim, há nesta outra persona (já nem assina como Smog...), a despeito de alguns indícios de incongruência estética, condimentos louváveis o suficiente para justificar o elogio do compositor. Mesmo que vestido com muito mais cores do que é hábito.

Posto de escuta From the Rivers to the OceansDiamond DancerDay

Rafael Toral - Space Solo 1

6/10
Quecksilber
2007
www.rafaeltoral.net/

Depois de alguns anos dedicados à especulação em torno das diversas fonéticas produzidas por uma guitarra eléctrica e a interacção desse discurso tonalmente heterogéneo com o silêncio e o espaço, assim se compondo uma idiomática mais ou menos "ambiental", Rafael Toral divorciou-se das cordas que o acompanharam na (pouco mediática) consagração no espaço vanguardista luso. Space, do ano transacto, foi o preâmbulo de uma ambiciosa redefinição de processos e consequente novo ciclo na vida do músico, apresentando um dialecto sonoro feito de sintagmas electrónicos de ferramentas de construção própria (o amplificador portátil modificado tornou-se imagem de marca de Toral). Além da reformulação sistémica da música (ou como mais convém chamar-lhe, "ensaio de sons"), em réplica ao espírito inquieto de Toral, sempre à procura de limites desconhecidos para as certezas físicas do som, o álbum desvendava outro desassossego: a necessidade de interacção. Para essa permanente (e irrefreável) sondagem de formas de comunicação entre som e espaço, denominador comum ao conjunto da obra de Toral, já não chegava a coerência da união entre músico e instrumento. O segundo capítulo do Space Program prossegue na estruturação dessa originalíssima forma de expressão, com recurso ao feedback e estática que nascem da coreografia instantânea do músico em interacção com os artefactos "instrumentais" que criou. O domínio de Toral (aqui ele está só, não tem ajudas de outros como em Space) sobre os esparsos (porque o silêncio continua a ser uma carta deste baralho) e vibrantes fraseados experimentais é completo e faz de Space Solo 1, ainda que com uma excitação menos robusta do que a do antecessor (organicamente mais preenchido), um consistente exercício prático de um cientista do som em diligências para somar vocábulos originais à semântica quase estagnada dos sons de vanguarda.

Posto de escuta Portable Amplifier

Arbouretum - Rites of Uncovering

7/10
Thrill Jockey
AnAnAnA
2007
www.myspace.com/arbouretum

Bastaria dizer que Dave Heumann - o mentor do colectivo Arbouretum - foi músico de suporte de gente como Cass McCombs ou Will Oldham e baterista dos Anomoanon para adivinhar a órbita preferida do seu som. Rites of Uncovering, segundo disco do projecto, é música com a guarnição da mais vernácula herança dos sons da América e, nesse sentido, trata-se de um álbum profundamente enraizado na estreme tradição dos cantautores folk. Contudo, mais do que meramente se mostrarem nesse seguidismo histórico onde colhem as suas influências estruturais, as composições buscam uma orgânica própria, sublinhando dimensões sombrias (os tons tardos e graves fazem-se regra) e pautadas pela adopção do psicadelismo (mormente nos extensos solos de guitarra ao jeito de um Hendrix sob o efeito de ansiolíticos) como interposição subliminar. Assim se constrói uma certa excentricidade folk-rock, assente sobretudo na conjura entre os ambientes contemplativos (de quase introspecção) e intimistas e os espasmos eléctricos. Todavia, a despeito da intenção de, com essas oscilações estruturais, imprimir dinâmica à exímia escrita do disco, o resultado final é menos impressivo do que podia ser (com alguns instantes de excepção, como na belíssima "Tonight's a Jewel", na negra "Signposts and Instruments" ou a quase progressiva "The Rise"), em razão de um certo acanhamento formal que encurta a expressividade rústica das canções e impede os paroxismos emocionais que elas suporiam. De toda a maneira, o conforto da melancolia é ainda um lugar inspirador da música americana e raras vezes é tocado (e cantado) com esta solenidade e mestria.

Posto de escuta Signposts and InstrumentsTonight's a JewelThe Rise

Pink Martini - Hey Eugene!

6/10
Wrasse
Universal
2007
www.pinkmartini.com

Não constitui surpresa para ninguém que, ao terceiro registo de um percurso de uma década, se tenha esvaziado o interesse da fórmula dos americanos Pink Martini. À ousadia estética de ensaiar um registo cruzador de legados sonoros de tempos e escalas distintas, além de faltarem os atributos de técnicas e substâncias originais (ainda que as referências sejam invocadas com a competência técnica que merecem), parece agora faltar um rasgo de criatividade à medida da tarefa ("Dosvedanya Mio Bombino" e o tema-título são de uma banalidade confrangedora). Em Hey Eugene! subsiste a revisitação dos mais subtis e variados aromas da música latina, aí se estabelecendo pontes com outros registos do grupo, da chanson française, dos musicais da era dourada do cinema e do jazz orquestral. E se, noutros momentos da carreira dos Pink Martini, essa diversidade de estilos - ainda que merecendo o justo elogio pelo propósito ecléctico que encerrou - acabou por produzir alguns conflitos estéticos entre composições emparelhadas num mesmo disco, esse delito repete-se aqui, num emaranhado de alvitres retro a que parece faltar uma identidade superior e um compromisso regenerador. Face à previsibilidade geral das canções, Hey Eugene! vale pela nostálgica visita a sons e costumes (temporal e geograficamente) distantes dos vectores dominantes da indústria musical moderna.

Posto de escuta EverywhereCity of NightCante e Dance

Ateleia - Formal Sleep

7/10
Xeric
2007
www.ateleia.com

As referências anteriores de James Elliot reportam ao seu envolvimento no colectivo nova-iorquino School of Seven Bells, um projecto radicado num dos mais prolíficos sítios do panorama actual da música americana (Brooklyn, de onde também saíram as Au Revoir Simone, os Clap Your Hads Say Yeah ou os Oneida) e dedicado à especulação das formas independentes da pop em torno do psicadelismo. No conceito Ateleia, a sua assinatura a solo, o referencial estético é substancialmente diferente, apontando a cuidadosas elaborações electrónicas e à construção de paisagens sonoras complexas e de espectro largo (embora tecnicamente reduzidas à "mera" manipulação sintética de sons), no mesmo jeito cerebral, frio, cíclico e magnético a que as forjas do japonês Chihei Hatakeyama ou do austríaco Fennesz nos habituaram. Em insinuações mais distantes, no tempo e na forma, Formal Sleep chega a aludir ao escapismo electrónico que Robert Fripp e Brian Eno, com espantoso efeito profético, dividiram na longínqua década de 70. Não se trata, portanto, de electrónica consensual, tampouco de música de afeição espontânea mas, dando a esta linguagem vanguardista (e acentuadora de planos harmónicos abstrusos) o tempo suficiente para crescer além da sua natureza granulada e dos seus princípios subversivos, certamente se desvendarão pequenas pérolas de futurismo. Escutem-se, a título de exemplo, as magníficas "A Doubtful Shore" e "Bridget Riley".

Posto de escuta Of IsthmusFormal BarrierA Doubtful Shore

Lichens - Omns

7/10
Kranky
2007
www.kranky.net

O projecto Lichens é o alter-ego artístico de Robert Lowe (ajudante ocasional dos TV On the Radio ou dos Castanets e integrante dos 90 Day Men) e, sendo um conceito sonoro essencialmente pessoal e intimista, permite-lhe o exercício de outras fantasias e improvisos. Ao passo que, naqueles colectivos (particularmente nos 90 Day Men, bando de estetas descomprometidos que ajudou a fundar em Chicago), Lowe se instruiu nas diversas cambiantes e incertezas do rock menos convencional, ainda que permanentemente arreigado ao conceito estrutural de canção, na esfera Lichens não existem quaisquer obstruções formais. As inflexões típicas de improviso são, nos mesmos moldes escutados no álbum anterior (e primeiro), o motivo primário de "composições" minimalistas, quase roçando o absurdo da parcimónia instrumental extrema, e que, quiçá por isso, se tornam espantosamente magnetizantes e envolventes, ao jeito dos melhores instantes de Keiji Haino. Trata-se, no fundo, de "música" sem destino prévio e que expede a mente para transes de delicada espiritualidade, invocando as dimensões mais espectrais de dedilhados de cordas, unidos a mantras vocais processadas (ou insinuadas) e a misteriosas paredes de vibrações sonoras que ecoam na mais sinistra autonomia. Omns é, afinal, a comovente anomalia da consciência musical de Lowe à procura do seu nirvana intemporal; e move-se no elementar negrume e esoterismo da música como ela deve ser: o idioma das inquietudes da alma. E, nesse discurso medular (de que somos sujeitos colaterais), a psique desliga-se da carne e parte em busca da invenção. De qualquer sonho.

Posto de escuta Vevor of AgassouBuneSighns

Wraygunn - Shangri-La

8/10
Som Livre
2007
www.wraygunn.com

Com muito falatório à sua volta, cá dentro e lá fora (especialmente em França), os conimbricences Wraygunn tornaram-se alvo de uma exposição mediática a que não estavam habituados e, três anos depois do consagrado Eclesiastes 1:11, apresentam-se com as mesmíssimas premissas que os certificaram como um dos ensembles mais cativantes do panorama luso. As afinidades com a música da América negra, particularmente blues, gospel e soul, são as ferramentas estruturais das canções, assim se firmando o traço de continuidade em relação a trabalhos anteriores. Contudo, a banda de Paulo Furtado (sem a "máscara" de lendário homem-tigre) não se cinge a meramente decalcar as referências passadas. Ao invés disso, Shangri-La dá mostras de um certo inconformismo estético de uma banda segura do seu percurso, capaz de preservar as mais-valias da sua identidade e referências históricas (sem escorregar para o anacronismo) mas, sobretudo, com vontade de vincar um discurso próprio e alargar a sua marcha a substâncias modernas (a electrónica também mora aqui...), em orgulhosa marginalidade do mainstream. Este é o idílico poiso musical dos Wraygunn e, como James Hilton o fantasiou num qualquer vale dos Himalaias, Paulo Furtado e seus pares mostram-no agora numa metáfora apuradíssima de sons, a demarcar-se da letárgica atrofia do panorama rock português. E a buscar a utopia da perfeição e o charme da meditação.

Posto de escuta Ain't It NiceShe's a Go-Go DancerLove Letter From a Muthafucka

Rufus Wainwright - Release the Stars

8/10
Geffen
Universal
2007
www.rufuswainwright.com

Desde os primeiros passos de Rufus Wainwright no universo pop se percebeu que o nova-iorquino estava destinado a tornar-se uma figura de proa de uma das famílias da música mais falhas de protagonistas capazes de somar visão artística e dimensões ambiciosas. Possuidor de uma concepção da música isenta de ingredientes vãos e reveladora de um certo desencanto convertido em excentricidade (no sentido de escapar ao pragmatismo tradicional das escolas pop) e, sobretudo, influenciada por uma convicta afinidade com a música erudita (e a ópera) e as artes do espectáculo (a confessa admiração por Edith Piaf, Maria Callas, Kurt Weill ou Judy Garland são testemunho disso), Wainwright evoluiu para uma linguagem musical sem paralelo na pop contemporânea. Release the Stars é a quinta jornada dessa demarcação, apurando o enlace entre a euforia das orações sinfónicas e dos corais, também uma já idiossincrática magia teatral, e o recato desconsolado das construções pop do autor, servidas por uma voz segura (com menos maneirismos do que os que se escutavam no par de álbuns Want). Esteticamente opulento e versátil, distante da banalidade e sempre apontando ao requinte e à sofisticação sonora (o rol de instrumentos aproveitados no disco é extenso), o álbum é tecnicamente irrepreensível e, embora denunciando alguns estorvos que o desviam da coerência estrutural vista (e ouvida) noutros trabalhos de Wainwright, não deixa de ser um esplêndido exercício de pop grandiloquente e sem concessões. Sons barrocos de cabaret, musicais da Broadway ou peças de recitais clandestinos, as canções de Wainwright são um produto pop de medidas largas, oriundo de uma ciência de sons difícil de domar (e vedada a compositores de pacotilha) mas que, paulatinamente e numa marcha consistente, o nova-iorquino toma em mãos, rumo a uma obra-prima. Assistir ao decurso dessa aprendizagem é um privilégio.

Posto de escuta Do I Disappoint You?Going To a TownRelease the Stars

Clique na imagem para ampliarEugène Delacroix, Frightened Horse

The Young Gods - Super Ready/Fragmenté

6/10
PIAS
2007
www.younggods.com

Com as memórias das peças mais elogiadas do percurso dos Young Gods à distância de muitos anos, afinal eles formaram-se há mais de duas décadas, tendo fornecido matérias essenciais (e pioneiras) à ascensão do rock industrial na Europa, no final da década de oitenta, é refrescante descobrir que a fórmula, volvidos todos estes anos, mantém o fervor e a eficácia das origens. A guitarra de espírito vilão, muitas vezes modificada artificialmente, continua a ser a medula de composições esquizofrénicas e deliciosamente pautadas pela arritmia, pelas implosões da percussão e pelo delírio da fusão com padrões electrónicos. As ferramentas do costume, portanto, com a excepção (pouco consistente e nada congruente) de "Stay With Us", ensaio de pretensa meditação electrónica, a fazer lembrar o despiciendo e excêntrico Music For Artificial Clouds (2004). Esquecida essa intrigante incursão por espaços sonoros menos convenientes para os Young Gods, Super Ready/Fragmenté é seguro enunciado (porque assente em conceitos perfeitamente sedimentados) de um estilo que fez escola e que, não merecendo unanimidade dos melómanos, nem indo além da mediania (as proposições destrinçadoras estão em "I'm the Drug" e "Freeze"), servirá para apresentar os Young Gods às gerações mais jovens.

Posto de escuta I'm the DrugFreezeC'Est Quoi C'Est Ça

Tori Amos - American Doll Posse

7/10
Sony BMG
2007
www.toriamos.com

A americana Tori Amos sempre se valeu de uma personalidade artística imune a modas e desassombrada q.b. para versar sobre a pátria sob um prisma crítico e auto-consciente, as mais das vezes socorrendo-se da construção de "bonecos" metafóricos (e subsequente redução da sociedade americana à dimensão individual e generalista de estereótipos simbólicos e passíveis das mais variadas interpretações) e projecções abstractas de uma realidade briguenta, com clivagens sociais e, sobretudo, "perversa" nas disparidades. No fundo, o conformismo não é parte do léxico da compositora e isso volta a ser notório neste American Doll Posse, um álbum construído em torno de cinco figuras imaginárias (as tais bonecas americanas...), cada uma delas com poética e estética sonora próprias: Tori (a sulista independente e hedonista), Pip (a punk crua e desiludida com a modernidade), Isabel (a orgulhosa activista política), Clyde (a sonhadora romântica) e Santa (a pragmática, déspota e possessiva). Ainda que musicalmente o disco pouco adicione aos predicados já conhecidos de Amos - apesar de conter alguns momentos primorosos ("Big Wheel", "Body and Soul" ou "Bouncing Off Clouds" são exemplos) - e o seu alinhamento erre por excesso (23 faixas!), não deixa de ser um exercício de pop astuta e, ao mesmo tempo, um curioso retrato das múltiplas dimensões e ambivalências da mulher americana moderna. Por extensão, esta colecção de "donas de casa desesperadas" (sem as inanidades da série televisiva) e suas histórias quotidianas, mostra-nos fragmentos de uma América desconsolada e claustrofóbica, quase alérgica a si mesma e à cata de uma nova identidade.

Posto de escuta Big WheelBouncing Off CloudsAlmost Rosey

Wilco - Sky Blue Sky

7/10
Nonesuch
2007
www.wilcoworld.net

Tratando-se de um dos colectivos sacralizados pela crítica especializada norte-americana, mormente depois da edição do seminal e experimentalista Yankee Hotel Foxtrot (2002), os Wilco têm sobre si a responsabilidade de, a cada edição, fazerem o contraponto justo das expectativas à sua volta. E, depois do alargamento do espectro sonoro do grupo com esse álbum (naquilo que foi diversas vezes sobrevalorizado como declaração de purgação estrutural da sua música) e consequente abertura de inúmeras possibilidades de rumo estético futuro para Jeff Tweedy e seus pares (coisa que não é nova para uma banda habituada a mutações subliminares da folk), não estranhou que, nos últimos anos, os Wilco se tenham mantido fiéis ao experimentalismo que deles se esperava. Todavia, não é esse o traço genético essencial da banda (embora tenha sido elevado, de per si, ao estatuto de característica identitária) e, mais tarde ou mais cedo, os Wilco cederiam ao apelo das origens. Nesse particular, o recrutamento do guitarrista Nels Cline - que, com eles, gravara o registo ao vivo Kicking Television : Live in Chicago, de há dois anos - revelou-se uma preciosa adição aos predicados instrumentais, somando ângulos e "realismo" ao som do grupo. Com isso, a par de uma aproximação mais transparente às causas soul, Sky Blue Sky desobriga-se de alguns dislates presentes nos últimos registos (e do pretenso torpor contemplativo que as experiências sonoras sugeriam), marcando uma reaproximação ao rock ligeiro dos 70's, entrecruzado com as substâncias melódicas habituais. Sorvidas as lições inconstantes e abstractas do laboratório, os Wilco repescam a tradição do country-rock e regressam (o que não é, neste caso, sinónimo de retrocesso) à sua orgânica "natural" com a firmeza de quem vê a música (e o seu processo de construção) não como um mero exercício descontínuo de réplica a apetites conjunturais, antes como uma sucessão didáctica de estímulos a que sempre está subjacente um miolo originário e estruturante. E ele volta a ser, neste Sky Blue Sky, o motivo primaz.

Posto de escuta Sky Blue SkyPlease Be Patient With MeWalken