Houdini Blues - F de Falso

Apreciação final: 7/10
Edição: Cobra Records, Maio 2006
Género: Pop-Rock Alternativo
Sítio Oficial: www.houdiniblues.com

Ninguém diria que este é já o terceiro disco do quinteto eborense Houdini Blues. Apesar de estarem nestas andanças há cerca de uma década, eles têm-se mantido num anonimato demasiado duradouro para as suas aptidões e este F de Falso, editado pela Cobra Records de Adolfo Luxúria Canibal, promete corrigir esse desconcerto. O álbum é um tomo de canções imprevisíveis, perfumadas por fantasias sonoras de várias latitudes, alguma coisinha de música étnica que fica no ar, pairando diligentemente sobre a invulgar panóplia pop-rock do grupo. O rótulo é necessariamente redutor do universo dos Houdini Blues, um mundo pejado de derivações da pop inteligente dos Ornatos Violeta, em casamentos convenientes (e nem sempre óbvios...) com música da Andaluzia (no notável single de avanço "Bailare", com A.L. Canibal), com o ska (em "Ícaro"), com a electrónica a servir de abertura ("Putuária" e "Marguerite Duras"), com o rock alimentado a discurso directo de guitarra ("Deus (O Teu)") e outras interferências que se fazem convidadas. A produção de Armando Teixeira (Balla, Bullet) arruma o disco nas suas melhores virtudes e confere-lhe um sedutor balanço, cheio de consistência e relevando a ambiguidade contagiante da música dos Houdini Blues.

Inspirado no documentário pós-modernista F for Fake de Orson Welles, uma peça que validava o cinema (e as artes) como a suprema expressão do logro, pela perversão de jogar com a realidade à custa da manipulação mecânica de simulações dela mesma e, com isso, misturar as noções de real e ficção, o novo trabalho dos Houdini Blues é, também ele, simbólico nesse propósito. O uso inveterado que estes eborenses fazem da música é franco, foi fertilizado com a tarimba da estrada e, atendendo à ironia plagiada do título, uma discussão se impõe. Estarão eles a fazer de Elmyr de Hory, o plagiário de quadros famosos que impunemente vendeu falsos Picassos e Cezannes a museus de renome e que é personagem central do documentário de Welles, ou, por oposição, este F de Falso é mesmo um original jogo de espelhos da nova música portuguesa? Dúvida existencial, resposta pronta e unânime: não há enganos em F de Falso, os Houdini Blues são autênticos.

Posto de escutaBailareÍcaroPutuária

Memórias do cinema

Anthony Quinn e Giulietta Masina em La Strada (1954)

Ghostface Killah - Fishscale

Apreciação final: 8/10
Edição: Def Jam, Março 2006
Género: Rap Harcore
Sítio Oficial: www6.defjam.com

O percurso artístico de Ghostface Killah é indissociável da respeitada família do Wu-Tang Clan, seminal colectivo de Staten Island que, há mais de uma dúzia de anos, subscreve um género de rap profano, contador de histórias carregadas de jargão de rua e admirador da sondagem de samples à soul clássica. A esse caixilho musical, junta-se o apreço do grupo pela cultura budista e pelas alegorias esotéricas dos filmes de artes marciais. Nos últimos anos, além do falecimento por overdose do popular Ol' Dirty Bastard (2004), a notoriedade do clã resumiu-se a actuações ocasionais, a esporádicas aparições de alguns dos seus membros na sétima arte ou na TV e a uma miríade de edições a solo. A mais recente edição de Ghostface Killah é este Fishscale e, além de ser uma peça rap tecnicamente muito bem urdida, vive de uma voz melíflua, daquelas que são sinónimo de suavidade melódica, seja quando o medidor de cólera dispara ou, por oposição, quando o disco passa rapidamente pelo romantismo da soul.

Aos trinta e cinco anos, Ghostface Killah devolve o rap ao seu leito original e à temática idiossincrásica das drogas, do sexo, dos conflitos de rua e do dinheiro. No fundo, é como se este álbum de vinhetas - umas vezes autobiográficas, outras vezes contemplativas - fosse o desfecho natural das sedimentação de conceitos que o rapper procurou no quarteto de edições individuais que antecederam Fishscale. Ao mesmo tempo, o novo disco é uma ecléctica aula para a geração hip-hop MTV, propondo-se fazer o restauro da índole perdida e mostrando como se faz o genuíno hardcore. A produção de Moss, Pete Rock, Doom, Madlib ou do malogrado J. Dilla afiança algumas piruetas e alarga o espectro sonoro, deixando no ouvido uma grata insinuação soul que vai ao encontro de uma revelação do próprio Ghostface. Numa recente performance ao vivo, ao som de “My Ebony Princess”, single de 1977 de Jimmy Briscoe & the Little Beavers, o rapper confessou o seu íntimo desejo de trocar o rap pela soul. Com este Fishscale, além de repôr as variáveis mais importantes do rap, Ghostface Killah fica um pouquinho mais perto da morada soul que cobiça para si.

Posto de escutaShakey DogThe ChampBack Like That (with Ne-Yo)

Dirty Pretty Things - Waterloo to Anywhere

Apreciação final: 7/10
Edição: Vertigo/Universal, Abril 2006
Género: Rock Revivalista
Sítio Oficial: www.thelibertines.org.uk

Pete Doherty e Carl Barât dividiram o núcleo criativo (e as vozes) dos The Libertines, projecto britânico de rock revivalista que, com dois álbuns pouco mais do que medianos, gerou algum hype na imprensa conterrânea. Depois da ausência de Doherty na última digressão europeia dos londrinos, as sequelas tornaram-se indisfarçáveis: enquanto Doherty se desviou, numa trajectória errante a colidir muitas vezes com a justiça e os media (até chegou a ser dado como morto por overdose), fundando os Babyshambles, o compincha Barât responde agora, com o primeiro álbum dos Dirty Pretty Things. Se os Babyshambles se tornaram um cata-vento ao sabor das derivações babélicas rock de Doherty, livrando-o de quaisquer estorvos, os Dirty Pretty Things abeiram-se mais do ensemble original, pelo menos nas suas horas mais eléctricas, armando o disco da obrigatória teatralização de garagem. Intencional ou não, Waterloo to Anywhere mais do que rivalizar com a oferta de Doherty, acolhe as vistas do Brit rock ondulado dos Franz Ferdinand, dos Futureheads ou dos Maximo Park e, mesmo assim, não chega a distinguir-se claramente onde começam os Dirty Pretty Things e terminam os The Libertines (além de Barât, também o baterista ex-Libertines Gary Powell integra a banda).

Waterloo to Anywhere não é um baú de surpresas. O triunfalismo de algumas composições resume-se a um enxerto bastardo dos The Libertines, pegando na mesma aspereza nostálgica e sentido de urgência, empacotando tudo com menos um ingrediente (Doherty) e fazendo de conta que o ontem não existiu. Sujidade punk, caneta afiada, ângulos precisos, sombras e ambição são os predicados essenciais de um disco que confirma o rasgo de sobrevivência de Barât sem o controverso parceiro de escrita, embora seja coisa custosa entrever os sinais de diversidade. Afinal, escutar Waterloo to Anywhere é pouco mais do que jogar ao "descubra as diferenças" com um dos álbuns dos The Libertines. E Pete Doherty, não estando presente, bem que pode ser imaginado na figura de um Wally invisível. Onde está o Wally?

Posto de escutaBang Bang You're DeadThe EnemyDoctors & Dealers

Tool - 10 000 Days

Apreciação final: 6/10
Edição: Volcano, Maio 2006
Género: Metal Alternativo/Experimental/Progressivo
Sítio Oficial: www.toolband.com

Não está ainda decorrida uma dezena de milhar de dias desde a geração dos Tool. Aconteceu em 1993, com o disco Undertow a servir de baptismo a um estilo musical novo, colhedor dos abrasivos sónicos do metal alternativo e da complexidade musical do art-rock, mormente na negação da estrutura-canção. O brilhantismo técnico dos Tool encontrava aliados na boémia criativa, em cenários enigmáticos com texturas progressivas que eram um refúgio de raivas negras e opressões. Nesse dédalo de preciosismos instrumentais e vocais, a surpresa e o inesperado eram elementos vitais. Os adereços de guitarra, as convulsões rítmicas em altos e baixos, o sentido melódico das composições, as pegadas desvairadas da percussão e a experimentação eram o padrão. O seminal Aenima, chegado às lojas em 1996, sedimentou estes conceitos e conferiu aos Tool o porte de líderes do movimento do metal alternativo americano. Chegados ao muito aguardado quarto registo, cinco anos depois do pungente Lateralus, os Tool converteram-se ao soft. O período sabático parece, em primeira instância, ter-lhes domesticado a ira, ao ponto de 10 000 Days ser mais rock e menos metal, quase renunciando à força propulsora das percussões (restam meras reminiscências) e buscando, ao invés, o apelo etéreo de guitarras lacrimejantes, da voz vacilante de Maynard James Keenan e os torturados ambientes de trauma emocional.

10 000 Days destina-se ao fã estacionário; não traz nada que os Tool não tenham já experimentado antes. Esse é o pecadilho (será um mérito para muitos...). Já ouvi isto, é o que ocorre dizer ao escutar o disco. Pior do que o recalque de ideias e a insistência no formulário que os celebrizou, é ver que a matriz está desgastada, soa iterativa e estagnada. Os Tool deixaram-se congelar na sua própria música e apenas se adivinham silhuetas e breves insinuações de inovação neste álbum, parecendo que os elásticos que a banda retesou no passado, alargando as fronteiras do metal a outras amplitudes, começam lentamente a forçar o regresso à posição original, sufocando a nova ordem que a banda testara no processo. O fecho do ciclo cósmico está eminente. Ou os Tool conseguem a reanimação, ou o cosmos se encerrará no seu equilíbrio universal. Nesse acaso, deles sobrará apenas a recordação. E nem serão precisos dez mil dias...

Posto de escutaVicariousWings for Marie (Part 1)The Pot

No-Neck Blues Band & Embryo - EmbryoNNCK

Apreciação final: 7/10
Edição: Staubgold, Abril 2006
Género: Música Improvisada/Experimental
Sítio Oficial: www.staubgold.com

Se há na música americana um projecto musical de vistas nómadas, orgulhosamente free e misterioso, esse colectivo são os nova-iorquinos No-Neck Blues Band. Até Thurston Moore, guru dos Sonic Youth, já lhes pôs rótulo: "a melhor banda do universo". Eles andam neste ofício há mais de uma década, a manejar virtuosamente o jazz livre, o noise experimental, a folk psicadélica, maquinando ambientes sonoros emblemáticos, graças a uma massa musical tão espessa e elástica que parece fruto de uma alucinada jam session de improviso.

A outra metade deste álbum é fornecida pelos germânicos Embryo. Com cerca de 30 anos de filiação aos motivos krautrock, o ensemble liderado pelo vibrafonista Christian Burchard é uma quadrilha de salteadores que, percorrendo os quatro cantos do mundo, se entretém a furtar pedacinhos musicais das mais variadas etnias e tradições, misturando-as depois num cenário de rock-jazz espacial e progressivo.

Com tais artesãos, EmbryoNNCK nunca seria fastidioso. Não há espaço para a monotonia, a cada viragem há uma surpresa tão ambígua quanto inopinada. O improviso informal dos No-Neck Blues Band deixa-se tingir pelas cores perfumadas das excursões étnicas dos Embryo, num fluido musical que fica nas cercanias do excesso mas que, ao invés disso, se converte num concentrado apurado e versátil, um punhado de ideias que não paralisam, se multiplicam em si mesmas, em mutações sucessivas. É por isso que EmbryoNNCK, como bom produto transviado (música fora de sítio, entenda-se), não aceita catálogos, é antes um circo de sons do mundo, um jogo de estrofes sonoras que nem parecem completas, mas cuja integridade é mesmo essa, a contingência de uma sublimação sem forma e sem pontos finais. Depois, escutar EmbryoNNCK é aceder a um espaço de subúrbio, onde uma mini-orquestra lança exercícios estéticos sem medo de exorbitar. O senão desta bela: o álbum, a despeito das óbvias sinergias entre os envolvidos, não se exime a um declive de repetição que, em último caso, não manchando a distinção das composições as faz semelhantes demais para não serem confundíveis.

Posto de escutaWieder das Erste MalDie Farbe Aud dem AllDas Erste Mal

Final Fantasy - He Poos Clouds

Apreciação final: 7/10
Edição: Tom Lab/Distr. Flur, Maio 2006
Género: Contemporânea/Pop Erudita
Sítio Oficial: http://finalfantasyeternal.com

Camuflado por detrás do título inspirado num vídeo-jogo está Owen Pallett, violinista de suporte dos Arcade Fire. O epíteto Final Fantasy é a sua máscara de compositor e, no seguimento do disco de estreia surgido há um ano, este He Poos Clouds obedece ao mesmo padrão de escrita escorreita, de revezamentos entre violino e voz, embora o temperamento orquestral das composições mereça outra amplitude neste trabalho. É certo que, ainda que num registo apenas comparável à grandeza épica da escola neo-clássica, Pallett não abandona o conceito de canção. Contudo, as faixas de He Poos Clouds são meras vizinhas afastadas dos nichos pop e procuram, em simultâneo, a majestade instrumental do minimalismo de Philip Glass ou Steve Reich e a abundância festiva dos Arcade Fire (apenas a breve trecho). Até chega a espreitar-se um ambiente digno de um ensaio dos Kronos Quartet, a que se junta uma voz remota e hesitante, em narração de histórias povoadas por caracteres de uma caprichosa caderneta (um agente imobiliário impotente, jovens frígidas, o ressuscitado Lázaro do Novo Testamento, um suicida, entre outros). No fundo, sem lhe dar esse formato, Pallett construiu uma bizarra opereta pop, de sonoridade distinta e estímulos vários, de texturas complexas. Mais do que isso, He Poos Clouds é perturbante nas ascensões espirituais que induz e na volubilidade dos arranjos que cercam o auditor num abismo de tensões.

Não fosse a voz de Pallett e He Poos Clouds teria lugar na escaparate dos ilustres compositores da clássica contemporânea. Com a voz, o violinista consegue um raro fito: conjugar os serviços da tonalidade e estrutura da clássica com a presteza da canção pop. O objecto dessa junção equilibrada é um disco complexo, cheio de pormenores que apenas se mostram com várias audições e que vem reforçar a identidade musical de Pallett. Definitivamente, não será He Poos Clouds a projectá-lo para o estrelato de grande escala nem a resgatá-lo do estatuto de culto de um restrito clube de melómanos do circuito independente mas, se a mais não serve, o disco sublinha expressivamente uma certeza que era, até aqui, apenas uma suspeita: a de que Pallett é um compositor com dotes.

Posto de escutaSítio da Soul Seduction

Matmos - The Rose Has Teeth In The Mouth of a Beast

Apreciação final: 8/10
Edição: Matador, Maio 2006
Género: Electrónica Experimental/Vanguardista
Sítio Oficial: www.brainwashed.com/matmos

Um desvairado monstro mecânico de duas cabeças. Definição grosseira dos californianos Matmos, duo formado pelos (des)mandos de M.C. Schmidt e Drew Daniel. A uma almofada electrónica que contempla todas as graduações desse estilo, os Matmos adicionam (em disco e ao vivo) sons de origem arriscada para quem quer fazer música. O sítio oficial da banda arrola, entre muitos outros, alguns curiosos recursos da dupla: páginas de Bíblia, peles de peixe, sussurros em câmara lenta, ruídos de liposucção, gaiolas de rato, baralhos de cartas, comboios, insectos, o latido de cães, moedas...Com tamanho arsenal, é de esperar que a música dos Matmos se esquive a regras ou modelos, antes parecendo uma excursão por um labirinto electrónico sem fim, numa vertiginosa espiral. A música é urgente, muitas vezes asfixiante e aguda, na iminência de um objectivo nem sempre contínuo, subjugado (sardonicamente) às rupturas. A narrativa sonora deste The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast é, por isso, complexa, puramente desconstrutiva, jogando com uma convivência oportuna entre os samples, os elementos acústicos e a formatação electrónica. Os estímulos musicais são elásticos e fragmentados, um verdadeiro manjar para saciar os ouvidos e exercitar a alienação experimental de Schmidt e Daniel.

Genericamente inclassificável, The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast traz uma peculiaridade adicional. Não sendo um álbum conceptual no sentido formal do termo, cada uma das dez faixas do alinhamento se propõe fazer o retrato de uma personalidade ilustre, entre escritores, músicos, cineastas e filósofos. Comum a todos eles: a homossexualidade. Mas essa é a única concretização que deriva do disco. A substância musical é abstracta, contundente na excentricidade instrumental e plena de simbolismo biográfico. As referências são díspares e vão da escritora femininista Valerie Solanas (defensora do fim do género masculino e mais famosa pela tentativa de assassinato de Andy Warhol), ao fotógrafo e realizador James Bidgood (do polémico filme gay Pink Narcissus (1971)), ao filósofo austríaco Ludwig Wittgenstein (o seu Tractatus Logico-Philosophicus (1921) pretendia ser o requiem escrito da filosofia), ao produtor musical Larry Levan, etc. Neste álbum de imagens musicadas, Antony, Björk e os Kronos Quartet fazem uma perninha, ajudando a fazer do álbum um apetrecho de música cerebral e imagética mutante, ao ponto de, mais do que um disco, se assemelhar a uma película do melhor cinema surrealista dos anos 20 e 30. The Rose Has Teeth In The Mouth Of A Beast é o sinónimo musical de um Buñuel ou de um Clair em cores alucinadas e num banquete de exaltação biográfica. Obrigatório.

Posto de escutaSteam and Sequins for Larry LevanSemen Song for James BidgoodTract for Valerie Solanas

The Racounters - Broken Boy Soldiers

Apreciação final: 6/10
Edição: Third Man/V2, Maio 2006
Género: Indie Rock
Sítio Oficial: www.theraconteurs.com

O conceito não é novo. Juntam-se figuras relevantes do panorama musical e formam uma nova banda, alegadamente com a finalidade de imaginar vertentes musicais distintas da casa-mãe. O enlace, aqui, é entre o desassossegado Jack White, mentor do White Stripes, Brendan Benson e o duo Patrick Keeler e Jack Lawrence (dos Greenhornes). Com tais actores a encenação só podia ser uma: rock, rock e mais rock. Contudo, é nos Racounters que a dupla criativa White/Benson acha resposta para apetites não satisfeitos nos caminhos originais. Nesse exercício escapista, Benson experimenta uma sonoridade mais crua e desobrigada da minúcia dos seus trabalhos a solo; por seu turno, White projecta nos Racounters as fantasias psicadélicas e os moldes arty que o padrão dos Stripes não permite. Apesar do deleite criativo, a dupla (o quarteto) nunca perde o norte e pouco se desvia do objectivo primário (e mais previsível). Vistas bem as coisas, Broken Boy Soldiers até é mais formal do que se presumiria: vem com um cartão de visita que tresanda a imediatismo radio friendly (a apreciável "Steady As She Goes"), desloca para os nossos dias a lembrança de ícones do género (um holograma dos Beatles à cabeça) e cola-se às formas da canção rock'n'roll mais genuína. Regra de três simples.

Mais clássico e menos moderno, ainda assim Broken Boy Soldiers desafia a irrefutabilidade de alguns dogmas da tradição rock'n'roll, induzindo vagos tons de contemporaneidade à prova de anacronismo. Meio-termo entre as distorções blues de White e a pop de chiclete açucarada de Benson, Broken Boy Soldiers deve ser destapado na presunção de que o hype tremendo que se gerou à volta do álbum não existiu. Se, por outro lado, o diapasão aferidor dos predicados do disco partir dessas promessas, o crédito acumulado dos músicos há-de ser consumido rapidamente e o que sobra é uma evidência: Broken Boy Soldiers é passada demasiado curta para as pernas de tão ilustres intérpretes.

Posto de escutaSteady, As She GoesBroken Boy SoldierStore Bought Bones

Scott Walker - The Drift

Apreciação final: 8/10
Edição: 4AD/Popstock, Maio 2006
Género: Música Vanguardista/Experimental
Sítio Oficial: www.4ad.com

Scott Walker é um provocador. É um daqueles sujeitos que se dá bem com o desassossego das vibrações sonoras. Já assim havia sido no último dos registos de estúdio, o negro e enigmático Tilt, nascido há mais de uma década (1995). Passados estes anos de quase silêncio - o músico limitou-se a colaborações pontuais - Scott Walker brinda-nos com novo trabalho e, partindo da matriz decompositora do antecessor, constrói um bizarro universo de música abstracta. Chamar-lhe música talvez seja amputar-lhe dimensões, tal é o alcance deste The Drift. A comunicação com o auditor cumpre-se através de um espectro de sons de substância surrealista, sem corpo definido, começando num registo vocal equidistante do dramatismo da ópera e do suspiro fantasmático, em busca de contextos líricos cuja melhor classificação é a de aberração psíquica. Depois, como superior obra abstracta, The Drift é uma permanente transgressão musical (numa faixa escondida até há um Pato Donald a fazer de Mike Patton...), desata-se da realidade e vagueia por cenários musicais indiferentes a qualquer prudência formal, preferindo a lógica do caos, onde se sobrepõem e confundem matérias quase imiscíveis, dos lances orquestrais assombrados, ao dom malabarista das guitarras, à tangência com os ambientes industriais e ao pensamento livre das colagens e da inconstância tonal. Tudo menos canções de convenção, antes trechos musicais de anatomia sinuosa, intimamente perturbadores. Sedução pelo choque.

Desengane-se quem pense encontrar em The Drift um disco comum. Walker não é músico de regras ou concessões, é uma alma conturbada e ambígua. Escura e delirante. A palpitação do álbum é, por isso, arrítmica, asfixiante, quase sem sentido. Angustiada e perturbante. The Drift é (pelo menos soa a isso) um poema crepuscular do apocalipse, como se Walker tivesse testemunhado o fim do mundo como o conhecemos e o revisse, num intenso pesadelo sombrio, ao jeito de uma fita de Bergman, pintada numa tela de Bacon. Evocando cenários transcendentais e universos incorpóreos, The Drift desafia-nos a espreitar os esqueletos que guardamos no armário. Só depois de completada essa excursão pelos horrores da humanidade, encriptados habilmente na música de Walker, é que conseguimos retomar o fôlego. E, mesmo que o apocalipse não seja amanhã, apetece ouvir vezes sem conta esta banda sonora do último dia na Terra.

Posto de escutaCossacks AreJolson and JonesJesse

Memórias do cinema

Roberto Benigni, Nicoletta Braschi e Giorgio Cantarini em La Vita È Bella (1997)

Saudades dos 80's no Hard Club

Clique na imagem para ampliar

Bypass - Mighty Sounds Pristine

Apreciação final: 6/10
Edição: Bor Land, Maio 2006
Género: Pós-Rock/Rock Progressivo
Sítio Oficial: www.bor-land.com

Caminhos sinuosos para uma vertigem de sons ondeantes. Assim se podem descrever as estradas calcorreadas pelo quarteto (recentemente aumentado para sexteto) lisboeta Bypass, com cerca de uma década de existência. Desde o EP homónimo, chegado às lojas em 2001, os melómanos nacionais atentos a estas coisas da música menos comercial, aguardavam a estreia dos Bypass em longa-duração. Dir-se-ia que sem aqueles dez anos de tirocínio (com muitos quilómetros e palcos...), o grupo não chamaria para a sua música a afinação de preceitos que se ouve no primeiro álbum. O leitmotiv é um argumento rock, algures entre as atmosferas contemplativas do pós-rock e as contingências mecânicas da escola progressiva. Sob esse oportuno disfarce conduzido pela certeza das guitarras, lançam-se emendas electrónicas e ruídos vagos, a insinuarem ambientes de tensões diversas, umas vezes buscando a euforia alucinada, outras deixando o enfoque para a neurose psicadélica, noutras ainda mostrando a melancolia. Uma vertigem emocional sem hipérboles e essencialmente instrumental, como é conveniente a um estilo menos convencional e que se propõe perscrutar todas as combinações de estímulo musical da mente. De olho no microscópio, a esmiuçar cada pedacinho de som como se dele dependesse a integridade vital do disco.

Mesmo sendo um apurado exercício técnico, Mighty Sounds Pristine esquiva-se à formatação repetida destas correntes musicais em que, as mais das vezes, a alma é escrava da técnica. Ou nela se apaga. Aqui, não é assim. Os Bypass herdam, sem premeditações, qualquer coisa do alento emocional que os Tool já esqueceram, da matriz rítmica de quando os Mogwai eram investigadores e da cinética bucólica dos Tortoise. O resto são contrastes intencionais, como jogos de cores e luzes, ao bom jeito de um sistema experimental. Nesse carácter incerto, o disco descai subtilmente, aqui e ali, para um certo embaraço de ideias, ora por excesso ora por defeito. Deformidades menores que não mancham as suspeições de que há nos Bypass substância mais do que suficiente para a afirmação definitiva em próximos capítulos.

Posto de escutaSetnovToboganTunnel

Pearl Jam - Pearl Jam

Apreciação final: 7/10
Edição: J Records, Abril 2006
Género: Hard Rock
Sítio Oficial: www.pearljam.com

A morte prematura de Kurt Cobain e a cessação de bandas como os Soundgarden, os Screaming Trees ou os Alice in Chains precipitaram o coma de uma corrente musical que ganhou escala mundial, partindo de Seattle, e que, em traços gerais, captava a onda contestatária e de revolta do pós-punk da década de 80 e algumas influências do hard rock alternativo dos Led Zeppelin e Black Sabbath, entre outros. Riffs de guitarra teimosos e repetitivos, refrões melódicos e uma postura impugnativa eram as regras do que convencionou chamar-se de grunge. Desse movimento poucos sobreviventes restam, à cabeça deles os Pearl Jam. Com um percurso consistente desde Ten (1991), contemporâneo do inesquecível Nevermind dos Nirvana, Eddie Vedder e seus pares contam já década e meia de carreira. A sua mais recente edição, de título homónimo, é um recuo às origens. De lado parecem ter ficado os tiques pop,o flirt com o mainstream e o devaneio experimental de outros discos. Aqui, o discurso é assertivo, decidido e musculado, dando primazia à escola do hard rock corpulento e urgente, de acordes abertos e poderosos. Esse sentido de urgência atravessa o alinhamento de Pearl Jam, ainda que a segunda metade do disco dê provas de maior volubilidade, sem beliscar a conveniência do rock clássico do grupo.

Ao oitavo álbum de estúdio, os Pearl Jam recuperam o mais singular dos seus traços, aguçando as fórmulas rock e revisitando as máximas que trouxeram a banda ao estrelato. Raramente eles soaram tão cirúrgicos e espontâneos como em "Life Wasted", "World Wide Suicide" ou "Unemployable", canções que provam o à-vontade da banda com equações sonoras mais nervosas e, ao mesmo tempo, deixam evidente a consciência político-social (efeitos colaterais da administração Bush?) e a evocação emocional dos conteúdos líricos do disco. Rock electrizante e apaixonado. Ao repescar esses cânones básicos, os Pearl Jam invertem o curso do tempo, recuam à génese e cobram a descolagem do rótulo grunge. Afinal, eles sempre foram aquilo que são neste álbum: uma banda de rock genuíno, intenso e sem prazo de validade.

Posto de escutaLife WastedUnemployableSevered Hand

Gnarls Barkley - St. Elsewhere

Apreciação final: 8/10
Edição: Downtown, Abril 2006
Género: Neo-Soul
Sítio Oficial: www.gnarlsbarkley.com

Chegado às escaparates no meio da vaga de expectativas elevadas que o single "Crazy" gerou, o trabalho conjunto de dois dos nomes mais significativos da cena hip-hop internacional - DJ Danger Mouse (Gorillaz) e Cee-Lo Green - é, antes de mais, um disco de fórmulas soul. Contudo, as matrizes sonoras de St. Elsewhere não se fecham nos conceitos clássicos da soul, antes introduzem a electrónica com propriedade, buscam as cadências de outros ritmos (hip-hop ou funk) e acrescentam um quinhão precioso de psicadelismo. St. Elsewhere é um oferecimento pouco vulgar, um álbum cheio de groove cuja única concessão é à esquizofrenia de géneros, com o mérito de camuflar a volubilidade de estilo com o tal disfarce neo-soul que a sublime voz de Cee-Lo propicia e a produção moderna de Danger Mouse cauciona. A combinação dos intérpretes é simbiótica, conjugando um certo travo retro no formalismo vocal de Cee-Lo com uma estupenda panóplia de recursos sonoros sofisticados.

St. Elsewhere é um disco de canções de vários temperos e dimensões, de múltiplas minudências encobertas que apenas se destapam na repetição das audições. A monotonia não mora aqui, o ensaio musical de Cee-Lo e Danger Mouse é uma experiência mutável ao minuto, versátil ao ponto de fundir uma charanga pop em festa, as regras desalinhadas do hip-hop, o alento soul digno da Motown e os delírios da electrónica recente. Com tão gordo caldeirão de substâncias, é natural que salte o parafuso à ínsigne dupla de intérpretes e se desproporcione uma ou outra ideia. Mas, com um álbum assim firme e destemido, perdoam-se-lhes os breves desmandos. Porque o que apetece mesmo é descobrir todas as arestas deste St. Elsewhere. E reconhecer que se trata de um dos mais verticais exercícios da soul moderna dos últimos tempos.

Posto de escutaCrazyGone Daddy GoneThe Boogie Monster

Gregor Samsa - 55:12

Apreciação final: 7/10
Edição: Own Records/AnAnAnA, Abril 2006
Género: Pós-Rock
Sítio Oficial: www.gregorsamsa.com

No universo kafkiano, o nome Gregor Samsa representa a desafortunada personagem d' A Metamorfose que, num claustrofóbico despertar, se descobre transformado numa gigantesca barata. No mundo da música, tal epíteto baptiza um quarteto americano convertido ao pulsar do pós-rock mais delicado e que se esmera por nos remeter para jogos mentais e ambientes sonoros em crescendo, conjugando as confissões matemáticas da guitarra eléctrica, a placidez do piano e o tom clássico das cordas. No fundo, a proposta não se distancia muito dos costumes dos canadianos Godspeed You Black Emperor! e Silver Mt. Zion, talvez até dos islandeses Sigur Rós. Esta é uma corrente musical que se interroga a si mesma, sacudindo a apatia de fórmulas gastas e alvitrando, sem pretensões, composições de música suspensa, como que incorpórea e sustida no ar, vogante e misteriosa, enchendo vácuos mentais e domando inquietudes. Nesse sentido, a música dos Gregor Samsa é uma terapêutica ansiolítica, um indutor de transes quedos. E é-o porque prende o ouvinte com as tramas de ritmos flutuantes, do sossego minimalista, quase ausente, às subidas íngremes, às implosões súbitas que, em breve tempo, se convertem em inscrições que a ressonância crava na mente. A voz, de aparição fantasmática, é imaterial e ensonada; não se arroga além do mínimo, é servente de algo maior, é fracção de um complexo indivisível.

55:12 é um disco cerrado. A música dos Gregor Samsa deflagra-se em compassos lentos, sem urgência de avançar para os remates. Eles preferem consumir o tempo nos processos, manuseando com desembaraço os fragmentos etéreos do som e do silêncio, tentando aderências improváveis para depois, com a mesma presteza, despegar as combinações e começar tudo de novo. Pena é que, nesses ciclos de ensaio, os lances de entendimento mais minimalista fiquem aquém da pompa mágica e do primor dos momentos mais completos. No primeiro longa-duração do quarteto (depois de dois EP), percebe-se que, mesmo sem oferecerem substâncias desconhecidas, os Gregor Samsa têm fôlego para prender a atenção. E para ganhar o seu espaço. Assim eles se acostumem à carcaça de barata com que acordaram numa estranha manhã...

Posto de escutaEven NumbersLoud and ClearWe'll Learn That Way Forever

The Legendary Tiger Man - Masquerade

Apreciação final: 7/10
Edição: NorteSul, Março 2006
Género: Blues/Rock
Sítio Oficial: www.legendarytigerman.com

Paulo Furtado (Wray Gunn, ex-Tédo Boys) é um guitarrista talentoso. Disso já não restavam dúvidas. Das outras edições sob o epíteto The Legendary Tiger Man também era fácil perceber a sua faceta de explorador e a propensão quase inata com que o músico se dedica a dissecar as raízes dos mais puros blues ou, num sentido mais lato (e ambicioso), a reinventar as passadas do rock alimentado a trinados hesitantes de guitarra. No fundo, o conceito é o exigente one-man band, embora neste tomo Furtado convoque outros artesãos, seja para incluir desvarios da mesa de mistura (DJ Nel'Assassin), seja para acrescentar outras especiarias de guitarra (Dead Combo), ou mesmo incluir a máscara soul de João Doce. Não só por isso (mas também), a fluência do registo é a prova evidente de que o som de Furtado está menos mecânico, menos previsível e com ritmos mais versáteis. A escrita das composições é também mais precisa e essa condição sai reforçada da cirúrgica produção de Mário Barreiros. De facto, o acondicionamento de estúdio deu outro corpo às canções de Furtado, sem lhes roubar a singularidade esparsa de outros álbuns, mas abrindo outros ângulos.

Masquerade pode muito bem ser a melhor amostra do alter-ego artístico de Paulo Furtado. Mais uma vez, o músico é incrivelmente hábil a construir um recanto sonoro ímpar, recortado pelo picotado de um álbum de sons da América sulista. Sons de estrada, de poeiras, de cactos e serpentes. E mulheres desejadas. Mulheres sem rosto e sem nome, depositadas em altares de veneração. Do lado de cá destas fantasias, o ouvinte assiste a um desfile de canções que não se resignam a regras. E que baralham (elogio!) os blues de outrora com o Furtado de hoje. Ele ou a máscara desse solitário homem tigre que mostra as garras nos intervalos dos Wray Gunn.

Posto de escutaSomeone Burned Down Thos TownSay Hey HeyHoney, You're So Much

Black Ox Orkestar - Nisht Azoy

Apreciação final: 7/10
Edição: Constellation, Abril 2006
Género: Tradicional/Klezmer/Música Judaica
Sítio Oficial: www.cstrecords.com

Os primeiros acordes de Nisht Azoy denunciam uma atmosfera densa, algures entre o registo de um requiem judaico, de compassos lentos e sombrios, e o tom de um cerimonial de tribo, com vozes em uníssono a ensaiarem preces. Há qualquer coisa de ancestral neste som, na solenidade do canto, na evocação da transcendência e na formalidade com que desfilam as canções, ao jeito da antiga tradição do klezmer da Europa de Leste. Mas os Black Ox Orkestar são canadianos e injectam nos enredos festivos do folclore klezmer qualquer coisa de consternação, de melancolia, de introspecção. Ao invés do colorido ritmado, eles recorrem a melodias viradas para dentro, com a espessura emocional de um transe deprimido e buscando habilmente ambientes sonoros que cruzam o medieval com o moderno. A ambivalência do disco é sustentada por instrumentais de excelência com uma deliciosa inconstância de feições, partindo da música judaica tradicional e sugerindo uma série de fragmentos colaterais (música árabe, eslava, dos Balcãs e da Ásia), misturados em formatos pós-rock, sem compromisso com as regras de canção. Nisht Azoy é uma liturgia que sonda a carga dramática de várias escolas musicais e, como seria de esperar de músicos que integram os Godspeed You Black Emperor! ou os Silver Mt. Zion, lhe acrescenta ousadias de improviso e originalidade.

Cheio de espiritualidade, Nisht Azoy é um álbum para adeptos da folk sem espartilhos e com pendor para aproveitar os ensinamentos da world music. É também um disco vibrante e uma proposta tecnicamente imaculada de novos ornatos para a música judaica. A tamanho feitiço sob a forma de disco, a tão grandiosa expedição pela história da música, apenas falta soltar definitivamente as âncoras e cortar as últimas amarras. Porque intérpretes e discos deste volume são documentos de todas as eras e testamentos de todas as gentes. E Nisht Azoy é apenas a segunda jornada dos Black Ox Orkestra rumo à magna obra com que, algures no futuro, hão-de presentear os melómanos sequazes do cruzamento de culturas.

Posto de escutaSítio da Boomkat

MoHa! - Raus Aus Stavanger

Apreciação final: 7/10
Edição: Rune Grammophon, Janeiro 2006
Género: Música Improvisada/Noise
Sítio Oficial: www.runegrammofon.com

O guitarrista Anders Hana (Jaga Jazzist) e o baterista Morten J. Olsen formam o duo MoHa!. Oriundos do submundo do jazz moderno norueguês, os dois jovens músicos experimentam nesta edição o devaneio da música improvisada. Arrítmico e irregular como convém a um álbum deste género, Raus Aus Stavanger é também um disco ácido, cru, sem manipulações de estúdio. É essencialmente um jogo de trabalhos manuais, onde a capacidade técnica e o sentido de oportunidade dos músicos se eleva a fasquias altas. As notas impõem-se com precisão; a energia provém da lenta combustão dos riffs lancinantes da guitarra de Hana, a que se juntam percussões sem compromisso harmónico, tão livres quanto os lacónicos pedacinhos de electrónica que condimentam as composições. Dir-se-ia que, ao seu jeito, os MoHa! subscrevem os preceitos do noise rock experimental, com impetuosos diálogos de sons e estruturas propositadamente fracturadas para testar limites, com explosões vulcânicas a suceder à placidez do discurso mais recatado. Essas flexões e contorções são um exercício masturbatório da mente para os MoHa!; eles exercitam-nas até à exaustão num registo físico, corpóreo. E assim é a música deles. Carnal e lasciva.

Raus Aus Stavanger não encaixa nos axiomas da trivialidade, nem sequer é disco aliado de ouvidos desprevenidos. É música de choques e de caos. Sem âncoras. Sôfrega. Suada. Sinistra, indomável, para chocar, quase ferir. Um murro no crânio. Uma agulha na aorta. Raus Aus Stavanger é a senha para redefinir os extremos das convenções musicais. Curioso é saber que um álbum assim monolítico e impressivo é ainda o registo de estreia (já tinham lançado dois CD-R de distribuição limitada) de um par de aventureiros cuja perícia promete um futuro florescente.

Posto de escutaB1C5C7

Band of Horses - Everything All the Time

Apreciação final: 8/10
Edição: Sub Pop, Março 2006
Género: Rock Alternativo
Sítio Oficial: www.bandofhorses.com

É praticamente insofismável que, com mais ou menos fintas, estes rapazes gostam do mestre Neil Young. E quando uma banda namorisca um ícone de tal nobreza podem ocorrer uma de duas coisas: ou faz uma mera reprodução de conceitos, incorrendo no pior dos riscos para um artista, o mimetismo, ou assume as reminiscências desse legado num jeito moderno e criativo. Foi assim que os My Morning Jacket subiram ao trono do rock alternativo americano, reinventando o coração da música de Young, sem lhe adulterar os princípios essenciais. E é isso que os estreantes Band of Horses (a aventura musical de Ben Bridwell e Matt Brooke começou com o agora extinto projecto Carissa's Wierd) ensaiam neste álbum, conseguindo um irrepreensível exercício do melhor rock independente. Assente em instrumentais de primeira água e na sobriedade da produção, o som dos Band of Horses, não sendo nada de original, é franco e simples e parece concebido para invocar estímulos emocionais. E fá-lo com a distinção das grandes obras, aquelas que nos inspiram desde o primeiro contacto mas que vão além de amores acidentais. Discos destes desenham ecos com corpo, ficam a ressoar no espírito como se sempre tivessem feito parte do nosso âmago.

A escrita dos Band of Horses não tem segredos: o balanço é quase imaculado entre o fraseado melódico aberto pelas guitarras, a figuração recatada da percussão, a pontuação sugerida pelo baixo e, claro, a reverberante voz de Ben Bridwell, mais aguda que grave. As canções variam da quietude dream pop ao rock expansivo, do trivial ao excelso, dos enigmas em elipse às linhas rectas, do singelo ao elaborado. Atestado anti-monotonia, entenda-se. Reduzir esta música à definição de country é ignorar as múltiplas dimensões nela inscritas, mormente o espectro etéreo do disco, aquele quinhão de vital espiritualidade que nos instiga a desvendar este álbum do primeiro ao último segundo. A Everything All the Time faltam apenas fragmentos de novidade mas, esquecendo esse detalhe, a eloquência deste debute é peremptória: os My Morning Jacket que se cuidem, anda aí uma suposta banda de equídeos pronta a usurpar-lhes o reinado.

Posto de escutaThe First SongThe FuneralPart One

Howe Gelb - 'Sno Angel Like You

Apreciação final: 8/10
Edição: Thrill Jockey, Março 2006
Género: Folk/Rock/Blues/Gospel
Sítio Oficial: www.giantsand.com

Chega a ser paradoxal que uma mente tão fértil como a de Howe Gelb resida nas paisagens áridas do Arizona. Do mentor dos Giant Sand, uma das bandas da música americana que gerou mais side projects (Calexico, Friends of Dean Martinez, OP8, The Band of Blacky Ranchette, Rainer, Arizona Amp and Alternator), não seria de esperar nada além da fecundidade habitual. Para este homem, transcrever para uma pauta os esquissos de uma canção é um exercício fisiológico natural, quase intuitivo. As composições são profundamente americanas, vão buscar conselhos à velhinha tradição da folk americana dos tempos em que se cantavam os discursos vadios da classe proletária, de Huddie Ledbetter (a.k.a.Leadbelly) a Woody Guthrie. Ora aí, ora perdidas na páginas imemoriais dos blues de Muddy Waters, Willie Dixon, John Lee Hooker ou Howlin' Wolf (particularmente sensíveis neste disco), as referências de Howe Gelb são retratos a preto e branco, da época do pós-Grande Depressão, de intérpretes de espírito livre, músicos que influenciariam uma segunda geração de rebeldes de caneta aguçada, como Bob Dylan ou Joni Mitchell, já nos anos 60. Comum a todos: a guitarra como arma de arremesso. E Gelb junta como poucos estas talhadas da história americana. De tal jeito que 'Sno Angel Like You é mais do que um mero disco, é uma lição de música, um tributo aos símbolos de ontens longínquos. Se isso não bastasse, para este trabalho, Gelb recrutou um coro gospel, os canadianos Voices of Praise, somando matérias espirituais - que nunca soam supérfluas - aos monólogos expressivos que a sua voz salgada entorna graciosamente nos tímpanos.

A música de Gelb é visceral, sentida e vibrante. Também por isso, combina quase na perfeição com a orgânica do gospel; é esse tom místico (não necessariamente religioso) que remata a melancolia seca e o assombro de Gelb (mesmo quando canta sobre coisas ditosas, como é o caso). 'Sno Angel Like You, o quinto exercício individual de Gelb, pode muito bem ser o seu mais sólido trabalho e vem confirmar aquilo que, dele, já se sabia. A Gelb pouco importa o fim; e, neste como noutros discos do músico americano, os expedientes para lá chegar, sejam folk, blues, rock, country ou gospel, num compositor deste calibre, acabam por redundar numa obra essencial.

Posto de escutaBut I Did NotThat's How Things Get DoneWorried Spirits

Clique na imagem para ampliar

Frank Myers Boggs, Entering the Port of Marseille, 1882

Morrissey - Ringleader of the Tormentors

Apreciação final: 6/10
Edição: Sanctuary, Abril 2006
Género: Pop-Rock Alternativo
Sítio Oficial: www.morrisseymusic.com

Qualquer tentativa de arrolamento dos nomes mais carismáticos da música pop do Reino Unido terá de incluir o nome de Morrissey. Desde o tempo em que os Smiths alimentaram o fôlego de Manchester, em plena década de 80, marcando uma viragem decisiva no conceito rock britânico (dos sintetizadores às guitarras), ao seu trajecto individual, Morrissey afirmou-se como um ícone incontornável, um crooner incontestado e um melancólico controverso, com uma imensa legião de fãs devotos. Esse estatuto foi reforçado com o aclamado You Are the Quarry (2004), disco que o trouxe de volta à primeira linha do mediatismo, depois de um período de sete anos sem gravações. Dois anos volvidos, o britânico está de volta, fazendo-se acompanhar do lendário produtor nova-iorquino Tony Visconti, um nome celebérrimo da era glam-rock, e das orquestrações do maestro italiano Ennio Morricone (para a faixa "Dear God Please Help Me"). Musicalmente, Ringleader of the Tormentors é feito das substâncias costumeiras do mito Morrissey, num registo pop quebradiço e obcecado pela auto-comiseração, conduzido por uma voz espessa e crível e pela revelação de novas cores na vida do autor. A recente mudança para Roma, a alegada descoberta do amor e o fim do tão propalado celibato do cantor reservam o seu lugar no imaginário do disco, desviando Morrissey de alguns trejeitos histriónicos (típicos nos Smiths) e trazendo-o a um discurso de indulgências terra-a-terra.

Ringleader of the Tormentors não faz uso das lâminas da denúncia e, ao invés, é o mais romântico dos trabalhos de Morrissey, uma espécie de elegia consagrada às afeições. E essa é a sua maior falha, a omissão da grandiloquência que Morrissey opõe à privação e o esquecimento da sátira social caçadora de consciências dormentes. Dos (des)amores de Ringleader of the Tormentors sobram apenas algumas composições dignas do legado de Morrissey e a constatação de que este veterano da pop se esqueceu do ensinamento precioso que Iggy Pop e David Bowie imortalizaram na canção "Lust for Life". Aí, algures, se dizia: "Something Called Love (...), that's like hypnotizing chickens". E Morrissey já sabe que há muito mais na vida do que hipnotizar galinhas.

Posto de escutaI Will See Youn in Far Off PlacesYou Have Killed MeIn The Future When All's Well

Moonspell - Memorial

Apreciação final: 6/10
Edição: SPV/Universal Music, Abril 2006
Género: Metal Gótico
Sítio Oficial: www.moonspell.com

Os portugueses Moonspell estão de volta. Depois da magna edição de Antidote (2003), um dos trabalhos mais substanciosos do percurso da banda, o sucessor Memorial estará nos escaparates no final de Abril. Recuperando a produção de Waldemar Sorychta - já havia misturado os primeiros trabalhos do grupo - os Moonspell cuidam de remexer na geometria do seu som, através do reforço do segmento gótico e dos ambientes negros. A voz de Fernando Ribeiro exprime-se em orações mais guturais, sem o mesmo sossego melódico que adornava algumas das faixas do antecessor. Se tal variação aproxima Memorial dos exercícios mais antigos da mais internacional das bandas lusas, não é menos verdade que, sem a volubilidade vocal que caracterizou os instantes mais inspirados do percurso dos Moonspell, o alinhamento do álbum se torna mais uniforme e, consequentemente, menos chamativo. A produção de Sorychta sublinha a face sombria das composições, apostando na emotividade das teclas e secções rítmicas para desenhar ambientes mais contemplativos do que os de The Antidote mas, a despeito do perfeccionismo técnico, empacota as faixas com a mesma receita, tornando-as demasiado iguais para serem tomadas por dissemelhantes. Nesse aspecto, o pecado é dividido com a escrita complexa dos Moonspell, uns furos abaixo da média que se exige a protagonistas deste quilate.

Memorial é um disco de ambientes requintados, uma espécie de cântico negro que toca na alma e faz vibrar (inquietar) o espírito. Nisso, os Moonspell são mestres. Pena é que a escrita tenha ficado aquém daquilo que eles podem fazer, preferindo repousar no refúgio confortável das ideias já exploradas no passado, recalcando-as com a competência costumeira, mas sem procurar a inovação criativa que os catapultou para a primeira linha do metal gótico. Memorial é certamente gótico e conserva aquela pujança que aprisiona o ouvinte e o tenta a experimentar uma visita aos argumentos mais escuros de si mesmo, sujeitando-se à pungente introspecção dos relatos do seu memorial. Ainda assim, falta-lhe o fragmento de excelência dos Moonspell, algo que poderia abrir-lhe as portas do panteão onde residem as castas de elite do metal gótico. E artesãos da igualha dos gloriosos Moonspell não se podem dar por satisfeitos com menos do que isso.

Posto de escutaFinisterraBlood Tells!Luna

Destroyer - Destroyer's Rubies

Apreciação final: 8/10
Edição: Merge, Fevereiro 2006
Género: Pop-Rock Alternativo
Sítio Oficial: www.mergerecords.com

O ego de Dan Bejar não se enche apenas com o êxito do ensemble The New Pornographers. A par do envolvimento nesse colectivo de celebridades das correntes mais alternativas da música canadiana, onde divide as composições com A.C. Newman, Bejar é o homem por detrás do projecto Destroyer. Com um percurso a solo paralelo ao trajecto dos Pornographers, o músico busca ambientes pop um pouco mais recatados, com enfoque especial na expressividade das canções, orientadas pelo discurso da guitarra, a acomodar o imediatismo dos poemas. O resto é pura diversão, às vezes com réstias daquela dimensão teatral que os Pornographers tão bem subscrevem, no resto do tempo com uma simplicidade desarmante e um peso emocional vincado. E ao conjugar estes ingredientes assim, Bejar recorre ao mesmo imaginário de Bowie, esse legado mágico onde o psicadelismo subliminar alimenta a letra e agarra a música pela mão. Canções com substância, entenda-se. Ao mesmo tempo, as convenções são postas de parte; Bejar prefere assumir uma certa esquizofrenia criativa, algo patente no jeito com que molda as suas canções fazendo uso dos paradigmas da folk e integrando-os com propriedade nas matrizes do rock lo fi. O desfecho é um pouco labiríntico, roçando os limites do (des)entendimento, mas sobeja a inspiração de uma escrita propositadamente densa.

Destroyer's Rubies é uma massa sonora rica de conteúdo. Isso não surpreende em Bejar. Da mesma forma, não é novo que o disco revele uma certa predilecção pela metáfora. Ou pela repetição. Mas com Bejar nem a aliteração é irritante, mesmo quando se encaminha pelo aparente facilitismo dos la la la la las (e há muitos!). É por isso que dele se escreve que está numa encruzilhada pop-folk-qualquer-coisa, entre os lugares despovoados de Dylan, as pradarias coloridas de uns Beatles ou as alucinações espalhafatosas de Bowie. O amparo é ilustre, Bejar aceita-o mas não se resume a isso. É precisamente o pedacinho que ele acrescenta que faz deste Destroyer's Rubies o melhor produto do seu percurso a solo e, em simultâneo, um dos momentos pop mais inspiradores deste ano.

Posto de escutaRubiesEuropean Oils3000 Flowers

The Flaming Lips - At War With the Mystics

Apreciação final: 7/10
Edição: Warner, Abril 2006
Género: Pop-Rock Alternativo/Experimental
Sítio Oficial: www.flaminglips.com

Quanto mais se ouvem os norte-americanos The Flaming Lips mais se lhes acham vestígios de invulgaridade. Considere-se isto pop de elites melómanas ou outra coisa qualquer que rime com música espacial, a verdade é que o som da banda do guitarrista Wayne Coyne parece produto de outra dimensão, com um aparato orquestral e uma mística incomuns. Ao décimo segundo trabalho de um percurso marcado pela irreverência criativa e pelo apetite recorrente pela reinvenção, os Lips conservam intactos os argumentos que lhes asseguraram o estatuto de bem-amados da música alternativa dos E.U.A.. Está aqui tudo: melodias que nos abraçam, arranjos psicadélicos a virar-nos do avesso, uma produção cheia de tiques e minudências suculentas e tramas sonoras pautadas pelo experimentalismo. Além disso, At War With the Mystics é um álbum conciso, exorciza habilmente a tentação dispersiva que este tipo de som sugere e aí reside a sua força motriz. As canções continuam a ser um veículo privilegiado para cruzar emoções (e estilos), embora fiquem aquém das duas edições anteriores do grupo.

At War With the Mystics é um disco com conotação política clara. O destinatário: George W. Bush. Ou o seu alter-ego num espaço sideral imaginado por Coyne. E quando se trata destas aventuras de faz-de-conta-que-és-astronauta-mas-afinal-és-um-músico com metáforas porreiras não há melhor do que Coyne e seus pares. Eles avistam, focam, assentam arraiais e exploram, sondam e pesquisam. E não se dão por satisfeitos. Só faltou alcançar a mesma centelha que iluminou The Soft Bulletin (1999) ou Yoshimi Battles the Pink Robot (2002). Mas isso talvez fosse pedir de mais. Ainda assim, esta expedita quadrilha de salteadores do espaço continua a tirar o véu a segredos universais proibidos. Pois que nos deixem continuar a testemunhar estes pedaços raros de música de uma galáxia desconhecida.

Posto de escutaThe Sound of FailureMy Cosmic Autumn RebellionThe Yeah Yeah Yeah Song

Clique na imagem para ampliar

Joaquin Sorolla y Bastida - Niños en el Mar (1908)

Graham Coxon - Love Travels at Illegal Speeds

Apreciação final: 6/10
Edição: Parlophone/EMI, Março 2006
Género: Pop-Rock Alternativo
Sítio Oficial: www.grahamcoxon.co.uk

Já se sabe que Graham Coxon se sente bem no resguardo da música convencional. Do seu percurso a solo este é já o sexto rebento e vem confirmar, na linha dos antecessores, que o ex-guitarrista dos Blur, é transparente. Se ele fosse um mero caixeiro-viajante, de passagem por uma qualquer localidade perdida nos mapas, usaria o gasto pregão: "Não estou aqui para enganar ninguém!". E não está, de facto. A sua música é isto. Pode-se-lhe imputar alguma simplicidade seguidora dos manuais do pós-punk - com combinações pouco polidas de acordes - e um perfil irresoluto no andamento das canções. Esse é, de resto, um dos embaraços deste Love Travels at Illegal Speeds cujo rol de composições se divide entre duas extremidades: uma face mais rock, com mais chama e nervo (um mix da festividade 80's com o embalo dos 60's) e, outra, recatada e lo-fi, com as meditações a ajustarem-se às medidas de balada. O outro óbice é estratégico. Se nos primeiros discos a solo ele se entreteve a sondar as camadas mais experimentais da pop, tentando demarcar-se da sombra dos Blur e buscando outra identidade musical, agora parece mudar a agulha e fazer uma fuga para a frente, com tantos mimetismos Blur que a dúvida nasce. Ele está com saudades? Peculiar mesmo é descobrir, depois de algumas audições, que as alavancas do disco estão na herança dos Blur. Falta a lima de Damon Albarn.

Love Travels at Illegal Speeds é um álbum generoso e, mesmo não contendo nada de especialmente inovador, merece uma escuta. Quanto mais não seja porque o seu mentor foi foco criativo de um dos mais estimulantes ensembles da britpop dos anos 90. Claro que Love Travels at Illegal Speeds não é um disco dos Blur. Coxon, sozinho, não chega a tanto. Mas é, ainda assim, um exercício pop de boa casta, revelador de um músico maduro e com vistas largas o suficiente para urdir um disco com um som moderno (e fresco), sem pejo de espreitar por cima do ombro e aproveitar umas pistas do passado. E Coxon tem orgulho (saudade) das fotos no álbum de fotografias.

Posto de escutaYou & IDon't Believe Anything I SaySee a Better Day

Ben Harper - Both Sides of the Gun

Apreciação final: 5/10
Edição: Virgin, Março 2006
Género: Pop-Rock
Sítio Oficial: www.benharper.net

Ben Harper é rapaz para andar nestas coisas da música há uma dúzia de anos e despertou para o estrelato com o álbum Fight For Your Mind (1995). Nessa edição, Harper afirmou-se como um trovador de emoções, um escritor de canções singelas e um contador de histórias com protagonismo (e talento) suficiente para se impôr nos circuitos da pop menos comprometida com o mainstream. Num registo que guardava a alma negra da soul, a misantropia da folk quintessencial, o canto interventivo da tradição gospel e os princípios básicos da canção pop, Ben Harper estabeleceu um padrão diferente para as camadas espirituais da música comercial, alargando as fronteiras de um género musical muito pouco dado a mexidas. Instrumentista de créditos firmados, Harper foi gradualmente erigindo um património musical sólido e uma assinatura credível como compositor. O que Harper terá esquecido é que, por mais que seja virado do avesso, o mundo pop acaba por voltar ao ponto de partida, rejeitando no decurso os ensaios de transformação. Assim o tempo engoliu Harper. E lhe fechou as mesmas portas que ele meritoriamente escancarara.

Both Sides of the Gun é a sua mais recente tentativa de reabilitação, pegando nas mesmas ideias de sempre e enfeitando-as de canções novas. O azar de Harper é que a fórmula dele (que há quem considere única...) se esgotou e não há muito a fazer pelas composições que enchem este CD duplo. O primeiro disco é um arrastado bocejo de baladas, ao jeito de um jovem escuteiro em galanteio das miúdas do acampamento. O outro tomo, decididamente mais vivo (e mais merecedor do espaço nos escaparates das discotecas) não consegue, mesmo imitando alguns trejeitos engraçados da academia funk, superar em muito a mediocridade criativa do seu parceiro de caixa. É por isso que Both Sides of the Gun se resume a duas mensagens. Uma delas, é de que Ben Harper esgaravata para se manter à tona do turbilhão das suas próprias ideias. A outra é de que ele é, hoje, à custa de discos como este, apenas uma pálida reminiscência de outros tempos. Qualquer que seja o lado da arma, estes tiros conseguem a rara deformidade de apontar a tudo e a nada ao mesmo tempo. Também por isso, soam tão inócuos como alguns disparos de pólvora seca.

Posto de escutaMorning YearningPicture in a FrameBetter Way

Yeah Yeah Yeahs - Show Your Bones

Apreciação final: 6/10
Edição: Interscope, Março 2006
Género: Pop-Rock Alternativo
Sítio Oficial: www.yeahyeahyeahs.com

Três anos depois do estrondo com o ardente Fever to Tell, documento musical que integrou o pelotão da frente de um movimento revivalista do rock de garagem, o trio nova-iorquino Yeah Yeah Yeahs está de volta, com o segundo álbum de originais. Desengane-se quem buscar em Show Your Bones a mesma doutrina do antecessor. É certo que as máximas criativas estão cá, mas surgem moldadas a um formato menos cru, distante das improbabilidades celestiais de Fever to Tell. A competência com que os Yeah Yeah Yeahs mantinham, no álbum anterior, o equilíbrio no arriscado limbo da exequibilidade, recreando-se em fintas improváveis a três e desenhando canções quase impossíveis, esvaziou-se para dar lugar a construções melódicas lavradas com mais pormenor e que reforçam o flanco artístico do grupo. Nesse sentido, este disco é uma declaração de amadurecimento, mais art-rock-pop do que outra coisa qualquer, e procura trajectos distintos, sugerindo música com outras soluções e mais polpa. As referências reportam-nos para coisas estranhas, um híbrido de PJ Harvey antes do café da manhã, com uns Sonic Youth aparafusados, uns White Stripes sem anfetaminas, o espírito de um Josh Homme em mulher e uns Souxsie and the Banshees em afogamento. Misturando isto tudo, tem-se um álbum nervoso (e indefinido?), no mínimo.

Show Your Bones sonda terrenos novos para os Yeah Yeah Yeahs e, como todas as missões exploratórias, esquece o Norte em alguns instantes. Pior do que isso, o disco hipoteca a força motriz do grupo, aquela pujança rebelde e sentido de urgência que haviam catapultado Fever to Tell para os píncaros do êxito na comunidade indie. Karen O é um retrato a preto e branco dela mesma, refugiando-se em registos vocais menos expansivos. As guitarras de Nick Zinner são reproduções micro machines do álbum anterior. Os enigmas da percussão de Brian Chase assinam o livro de presenças, mas ficam no canto da sala. A Show Your Bones falta corpo, suor, energia. E os Yeah Yeah Yeahs tinham-na na mão. Não perceberam que, às vezes, melhor do que tentar agarrar outros pássaros (leia-se, avançar no tempo), é resguardar aquele que vem comer à nossa mão. Mesmo que ele seja destrambelhado. Como brilhantemente era Fever to Tell.

Posto de escutaGold LionHoneybearDudley

Erro! - Isto é o quê, mãe?

Apreciação final: 7/10
Edição: Cobra, Fevereiro 2006
Género: Experimental
Sítio Oficial: http://erro.planetaclix.pt/

"Outra vez aquele som que se prende à parte de trás da tua mente". Assim escreve (e diz em jeito ressonante) João Palma na primeira frase do seu disco de estreia. Profecia ou petulância? O arquitecto lisboeta não é um músico de vocação, entregou-se a estas lides ao descobrir os favores do computador para fazer música, depois de ter sido instrumentista em alguns projectos locais da capital nacional. Em boa verdade, Isto é o quê, mãe? é música com uma forte componente experimental e onde se encaixam monólogos de reflexão existencialista. Não há palavras cantadas, elas cruzam-se com as texturas sonoras, em orações que retratam o quotidiano de um homem e de uma cidade. É, por isso, um álbum profundamente urbano, de sons polidos e de invenções progressistas. Depois, há qualquer coisa de maquinal, na intencionalidade com que os sons colados olham para dentro, mirando a face mais introspectiva do músico (e do cidadão) e buscando, com retóricas ironias, a purgação de impurezas do espírito. A música torna-se inevitavelmente convulsa, ora inquietante ora pacificadora, sublinhando os ecos agrestes que se libertam das palavras. Musicalmente, Isto é o quê, Mãe? pode não trazer conceitos revolucionários, nem a tal se candidata; é, antes de mais, um disco que resgata os esqueletos do armário, dá-lhes liberdade e margens dilatadas, a vogar algures entre os propósitos mais recentes da música electrónica de vanguarda (qualquer coisinha de Steve Reich), um cheirinho de rock com um lastro Joy Division ou Sonic Youth e qualquer coisa que só tem lugar nos imensos buracos negros do universo musical. Ou aí, ou nos cromos fugidios do álbum da vida de João Palma.

Isto é o quê, Mãe? é um disco ambivalente e com os tons cinzentos de uma Lisboa com arco-íris. Comove na mesma medida que perturba. É música fria e visceral, de temperamento orgânico, como se fôra o discurso de um mecanismo artificial à procura do sentimento. E, a despeito de instantes menos felizes, João Palma faz do seu Erro! uma criatura digital com vida. E, aqui e ali, nesta edição com a chancela da editora de Adolfo Luxúria Canibal, o músico faz-nos crer que, de moto próprio, alguns sons conseguem mesmo prender-se à parte de trás da nossa mente.

Posto de escutaSítio Oficial

Atraso na actualização do apARTES

Saudações musicais a todos os utilizadores deste blog.

Em virtude da assunção de novas obrigações profissionais do seu autor, o apARTES não mereceu a actualização a que os frequentadores deste espaço estão habituados. Por esse facto, deixo as minhas desculpas e informo de que a normalidade será paulatinamente reposta a partir da próxima semana.

Entretanto, para que os amantes da música que aqui buscam algumas sugestões não fiquem de mãos a abanar, deixo uma curta lista de discos que tenho ouvido (não com a frequência que gostaria) e que virei a analisar com mais detalhe num futuro próximo. Assim, têm passado pelo meu leitor de cd's os seguintes títulos:

• BEN HARPER "Both Sides of the Gun" ;
• ERRO! "Isto é o quê, mãe?" ;
• CESÁRIA ÉVORA "Rogamar" ;
• DRUMS AND TUBA "Battles Olé" ;
• ELLEN ALLIEN & APPARAT "Orchestra of Bubbles" ;
• GRAHAM COXON "Love Travels at Illegal Speeds" ;
• LOOSE FUR "Born Again in the U.S.A." ;
• YEAH YEAH YEAHS "Show Me Your Bones" ;
• ACEYALONE & RJD2 "Magnificent City" ;
• DESTROYER "Destroyers' Rubies" ;
• MANTA RAY "Torres de Electricidad"

Obrigado pela vossa paciência e fidelidade ao apARTES.
Boas audições.

Ojos de Brujo - Techari

Apreciação final: 7/10
Edição: PIAS, Fevereiro 2006
Género: Fusão/Música Flamenca
Sítio Oficial: www.ojosdebrujo.com

Quer se queira quer não, a música dos Ojos de Brujo é flamenco. Pode não se ajustar à definição mais purista do termo, mas o espírito nómada e virtuoso da música cigana da Andaluzia (que depois se tornou símbolo da nação espanhola), a independência orgulhosa das guitarras em quase-improviso, as vozes plurais em uníssono, as palmas a acompanhar e a musicalidade típica da cultura cigana estão em Techari. O título do disco é o sinónimo romaní de "livre" e assim é a música dos Ojos de Brujo. Eles não se circunscrevem ao precioso substrato do flamenco e misturam-no com alguma electrónica, uns pozinhos de sonoridades orientais e, no mais arrojado investimento, vão buscar alguns jogos vocais ao hip-hop e insinuações instrumentais mais próprias de um disco de funk ou reggae. A esta miscigenação de géneros não é indiferente a família de colaboradores convidados para o álbum, de que fazem parte os britânicos Nitin Sawhney e Asian Dub Foundation.

Ao terceiro álbum, os Ojos de Brujo sublimam os preceitos de um conceito musical que toca correntes musicais ancestrais, da antiguidade egípcia à cultura muçulmana, do sangue quente do povo cigano ao magnetismo do som oriental, da urbanidade da expressão africana à órbita sensual dos bailados e sapateados latinos e das castanholas. De Sevilha a Dakar e Timbuktu, com escala em Londres, Xangai, Dehli e Havana. Musicalmente poliglota e escorreito, a Techari pode apenas apontar-se uma disfunção: ao tentarem interceptar, em simultâneo, uma infinidade de escolas musicais, os Ojos de Brujo comprometem algumas composições e acabam por refrear o discurso mais elogiável do seu arsenal (e aquele em que melhor concentram energias), o flamenco. Só é pena que o disco não nivele por aqueles instantes em que o flamenco melhor se concilia com outros estilos (o cruzamento com o reggae em "Corre Lola Corre", na oriental-rap "Todo Tiende" ou no hip-hop frenético de "El Confort No Reconforta") porque, aí, os Ojos de Brujo são pouco menos do que esplêndidos.

Posto de escutaSítio Oficial da Banda

Neko Case - Fox Confessor Brings the Flood

Apreciação final: 7/10
Edição: Anti, Março 2005
Género: Pop-Rock Alternativo/Country
Sítio Oficial: www.nekocase.com

Ao quarto álbum de estúdio, a voz de Neko Case está melhor do que nunca. Ela é senhora daquele tipo de cordas vocais que vão refinando com o gosto do tempo, buscando a sublimação da expressividade e reforçando a elegância em cada timbre. Uma voz destas, assim profunda, faz de qualquer emoção, mais do que uma intuição, uma força tangível, que se sente e quase se toca. Ao mesmo tempo, apetece degustar, num compasso lento, a pureza inata do registo vocal reverberante de Case, como se de um corpo sacro se tratasse e, portanto, não susceptível de se misturar com a mortalidade do ouvinte. No fundo, sem olvidar o nexo com o efémero (as canções falam de amores confusos e amizades e crenças corrompidas), a música deste Fox Confessor Brings the Flood tem qualquer coisa que não se conforma às leis naturais e o veículo essencial dessa frente imaterial é mesmo a voz de Case. Se isso não é bastante, pode ainda somar-se que a autora apurou o sentido estético das suas criações, aventurando-se num espaço sonoro aberto, com influências óbvias da música country mais taciturna e alguns desvios sempre oportunos para revisitar outros géneros.

O porte garboso das composições é ingénito, a secundar com propriedade a excelência do canto de Case, graças a uma trupe de instrumentistas ilustres (Howe Gelb, John Convertino, Joey Burns, Garth Hudson e a voz secundária de Rachel Flotard). Tudo embrulhado numa produção cautelosa, a sugerir a porção vocal como substância primeira e a prover as canções de um lisonjeiro embalo anacrónico. Ao mesmo tempo, o abuso detalhista da produção nem sempre faz justiça à dinâmica suavemente anarquista da escrita de Case, moderando as sucessivas derivações que, na mesma canção, nos transportam da sonoridade country tradicional para outra coisa qualquer, um híbrido tão encriptado quanto os poemas. E é pena que, com canções (e voz) deste quilate, a produção se confine à mera comodidade do hábito e não se atreva a seguir o espírito errante de Case. Mesmo assim, Fox Confessor Brings the Flood é a prova de que ela está na crista da onda (depois do êxito com os New Pornographers, no ano transacto) e de que ainda há discos (e vozes) que nos enfeitiçam de tal forma que não parecem desta era. Não parecem de era nenhuma.

Posto de escutaStar WitnessHold On, Hold OnThat Teenage Feeling

O mito de Saturno por Goya e Rubens

Clique nas imagens para ampliar

Integrado no ciclo "Quadros Negros", catorze pinturas que Goya deixou nas paredes da sua última residência, a Quinta del Sordo, entre 1820 e 1824, esta obra (à esquerda) faz parte da fase obscura do artista e retrata o episódio da mitologia Romana em que o deus da fertilidade, Saturno, temendo que um dos seus filhos lhe viesse a tomar o trono, devora a prole. Reza a mitologia que, para proteger o sexto rebento (Jupiter), Reia (ou Cibele) o trocou por uma pedra trajada com as vestes do filho. Salvo da gula desenfreada do pai, Jupiter viria a ser figura de proa na ilha de Creta, obrigando o pai a regurgitar os irmãos e erguendo um monumento com a pedra que Saturno engulira por engano.

A crueza canibalista da imagem relega para segundo plano a contextualização mítica, centrando-se na dramatização visual da loucura e do horror do episódio de Saturno. Em alternativa, a visão menos improvisada do pintor flamengo Peter Paul Rubens (de 1686, à direita), sendo mais refinada e com uma dimensão épica acrescida, retém a crueldade sem remorso de Saturno.

Calexico - Garden Ruin

Apreciação final: 6/10
Edição: City Slang/Edel, Março 2006
Género: Country Alternativo/Pop
Sítio Oficial: www.casadecalexico.com

Não é que a voz fique deslocada no universo sonoro dos Calexico, mas é quase intuitivo aprender a gostar mais deles nos registos menos cantados, especialmente pelas particularidades eclécticas das composições, à procura de espaços de convergência entre a musicalidade americana, nas suas várias ramificações, e diversas influências de origem ímpar, como os tons western (a trazer à memória o mestre Morricone), a música nutrida por guitarras acústicas, mesmo o jazz e alguns laivos da América Latina. Foi assim que Joey Burns e John Convertino adubaram as fórmulas do projecto, dando origem a um country árido - não fossem eles do Arizona - muitas vezes instrumental e rico em reproduções de cenários com cowboys, desertos, cactos sedentos e veredas de pó. Garden Ruin aceita isso tudo sem resmungar, mas lança um sopro que embacia algumas dessas substâncias e, por troca, aceita visitas mais prolongadas da voz. As composições adornam-se como canções, com tempos medidos, versos e refrões. Tudo tão certinho que até parece que Burns e Convertino se estão a armar ao pingarelho e trocam a largura de vistas musicais que era expediente costumeiro por um disfarce de songwriter. Mesmo assim, a parte musical das faixas conserva alguns dos ingredientes da quintessência do grupo, ainda que condensados o suficiente para caberem nos manuais pop. Porque pop é o código de Garden Ruin que nem a diversidade instrumental do disco consegue dissimular.

Garden Ruin é o modelo light dos Calexico. Embora tecnicamente irrepreensível, a incursão pelo espaço da pop mais orelhuda hipoteca uma parte significativa da musicalidade e das fantasias do grupo. Dos fragmentos que restam do passado, não se esboçam as mesmas paisagens, antes se decretam pactos com a mediania. Talvez assim, com estas derivações comerciais, os Calexico finalmente venham a colher as honras que fizeram por merecer até aqui. O preço do mediatismo pode ser o adeus às areias do deserto. No caso deles, lamenta-se que a fuga às origens traga atrelada uma reacção alérgica: o ocaso criativo.

Posto de escutaYours and MineLetter to Bowie KnifeDeep Down

Sepultura - Dante XXI

Apreciação final: 7/10
Edição: Steamhammer, Março 2006
Género: Heavy Metal/Thrash Metal
Sítio Oficial: www.sepultura.com.br

Depois das convulsões internas que levaram à deserção do antigo vocalista e líder Max Cavalera (hoje é a alma do projecto Soulfly), em 1996, os Sepultura foram forçados a um segundo tirocínio, precisamente no momento em que o seu percurso artístico chegara ao auge, com o aplauso da crítica à edição de dois álbuns referenciais do trash metal: Chaos A.D. (1993) e Roots (1996). À fase de problemas internos, seguiu-se uma certa travessia do deserto, com o recrutamento da nova voz do grupo (o americano Derrick Green) e alguns lançamentos sem a mesma chispa do período Cavalera. Com o êxito dos Soulfly, a censura subiu de tom, pressagiando a inaptidão do colectivo radicado no Brasil para sobreviver sem o seu mentor. Indiferentes às vozes de discórdia, os Sepultura seguiram o seu caminho, maturaram processos e, sem caírem na tentação de copiar o passado, tentaram ressuscitar o élan e recuperar o protagonismo que, por mérito próprio, haviam conquistado. Roorback (2003) foi o primeiro passo nesse sentido, mostrando um Derrick Green cada vez mais cómodo e resgatando o fervor thrash de outros tempos. Dante XXI é o mais recente produto do renascimento da banda e toma a mesma doutrina do antecessor. A primeira evidência que decorre da audição do novo disco é o crescimento da química entre os elementos da banda, resultando num som de crueza imaculada, ora no registo acelerado ora nos tons mais sombrios. Também Green está mais solto, definitivamente livre de fantasmas e acrescenta às texturas a diversidade vocal (em certos instantes faz lembrar Jaz Coleman dos Killing Joke) que não existia em Roorback. A nível técnico, Andreas Kisser continua a servir-se da guitarra como poucos na cena metal, arquitectando riffs com boa intensidade rítmica, contando com a preciosa ajuda das percussões explosivas de Igor Cavalera e do baixo firme de Paulo Jr.. Se isso não basta, este álbum ainda tem espaço para introduzir as cordas no catálogo dos Sepultura, mormente no recurso a violinos na sublime "Ostia".

Inspirado na magna "Divina Comédia" de Dante, também dividida em três partes (o Inferno, o Purgatório e o Paraíso), o álbum tem as dimensões de uma obra conceptual e demonstra um balanço quase perfeito entre a fúria incontida e o refinamento estético das texturas. Talvez pudesse ir mais além no arrojo das composições, mesmo na apresentação dos segmentos de cordas, mas não restem dúvidas de que há aqui puro T.N.T.. De permeio entre as partes do disco, estão quatro mini-peças (pequenas demais?) instrumentais que, por um lado, dão um descanso aos tímpanos e permitem recuperar o fôlego e, por outro, acrescentam condimentos ao cardápio. Dante XXI é, seguramente, o melhor trabalho da era-Green e, à luz das teses dantescas, não estará no Inferno, tampouco no Paraíso. É mais um avanço para galgar a montanha que Dante imaginou como passagem das almas da superfície terrena para as portas do Paraíso. De Dante, os Sepultura atraem esse purgatório, algo que começaram depois de Max Cavalera. Dante XXI mostra que eles estão um bocadinho mais perto do Éden.

Posto de escutaDark Wood of ErrorConvicted in LifeOstia

J Dilla Jay Dee - Donuts

Apreciação final: 7/10
Edição: Stones Throw, Fevereiro 2006
Género: Rap Underground/Sampling/Beats
Sítio Oficial: www.stonesthrow.com/jdilla

Produtor reputado na cena hip-hop, J Dilla mereceu o reconhecimento artístico da elite do género, caindo nas graças de nomes como De La Soul, Common ou Busta Rhymes. Por ironia do destino, a doença prolongada que recentemente o tinha forçado a fazer a última tournée europeia sentado numa cadeira de rodas, haveria de roubá-lo à vida pouco tempo antes da edição deste segundo álbum, com 32 anos. Mais do que um requiem, Donuts é uma amostra da mestria inestimável do ex-membro dos Slum Village, um misto hip-hop / soul, firmado numa infalível cadeia de samples. A sucessão das faixas prova a perícia na escolha das várias fracções musicais, armando um corpo musical que, por pescar em referências mais e menos óbvias, esboça um espaço sonoro moderno. Todavia, a amplitude do disco é artesanal (bastam a J Dilla um drum kit, um sampler e alguns discos empoeirados), como convém a alguém desta estirpe, ousando cortar a maioria das composições e os melhores fraseados melódicos abaixo dos dois minutos sem pensar em criar-lhes as transições da praxe. No fundo, Donuts não é um álbum clássico de beats - tem muitas fracturas para isso - e é mais um esquizofrénico esquisso, uma confusão bem arrumada de uma miríade de pedaços musicais, sem sequência lógica (ou podermos chamar-lhe lógica desconstrutiva?). Mais do que o trabalho de um músico, trata-se de um apurado exercício de produção de um musicólogo, um especialista em retratar as várias dimensões do hip-hop e respectivas mestiçagens com a soul.

Donuts é um documento abarrotado de fatias de história. Não tanto a história da música, nem sequer a narrativa da música negra. Jay Dee não se atreveria a tal. A biografia encriptada por detrás deste som é a de um homem refém da doença e que, rodeado de discos que lhe marcaram a curta existência, nos mostra, cruamente, o seu engenho. E a suprema ironia do seu talento (da sua despedida) é tão refinada que escapa aos mais distraídos: os cortes abruptos nos loops e nos samples, muitas vezes no ponto mais cativante das composições, são a forma de Jay Dee se despedir, na linguagem que mais aprecia - a música - com grandes canções que, mesmo que cortadas subitamente (e até de forma iníqua), não deixam de ser grandes canções. Tal como a vida que a sina tirou a Jay Dee.

Posto de escutaWorkinonitLight My FireAnti-American Graffiti