segunda-feira, 12 de dezembro de 2005

Fiona Apple - Extraordinary Machine

Apreciação final: 6/10
Edição: Epic, Outubro 2005
Género: Pop Alternativa
Sítio Oficial: www.fiona-apple.com








A dissecação do último trabalho de Fiona Apple impõe umas considerações prévias. Segundo se diz, a etiqueta da compositora, a Epic Records, vinha mantendo este trabalho nas prateleiras, desde 2003, sob o pretexto de não ser suficientemente vendável. Contudo, as sessões de gravação originais, sob a produção de Jon Brion, começaram a circular clandestinamente pela internet ainda no começo deste ano, em resposta aos anseios de fãs ávidos por um álbum novo - a última edição da cantora remontava a 1999 - motivando um estranho burburinho em torno das novas canções e precipitando o seu lançamento oficial, em Outubro. Por decisão de Apple, as composições mereceram nova masterização (à excepção do tema título e de "Waltz (Better Than Fine)") e o álbum saiu para as lojas. A estética carnavalesca da produção de Brion, se emendava com propriedade algumas composições de Apple, parecia algo hiperbólica noutras, tornando a música da compositora um pouco mais fechada e impenetrável. E essa assinatura progressista não era a que interessava à Epic. Pode dizer-se que a edição publicada das canções tem menos liberdade artística; o trabalho de Mike Elizondo (produziu Eminem, 50 Cent e Gwen Stefani, entre outros) retirou o peso da excentricidade de Brion e abriu a música de Apple. Mesmo assim, as músicas não são imediatas, exibem um trejeito pop pouco comum, quase barroco, a piscar o olho à maleabilidade jazz e escondendo as melodias por detrás de um código musical complexo. Chame-se-lhe pop erudita, esta música não encaixa na classe da pop mais amiga do ouvido, é de outra linhagem, lavrada sob cláusulas diferentes de exuberância orquestral. Os elementos centrais, o piano e a voz de Apple, são amparados por arranjos nobres, embora as versões finais de Elizondo soem mais ligeiras.

Extraordinary Machine não é a prodigiosa bateria de canções de charme que a versão bootleg prometia. Depois de escutar o projecto inicial, a versão de Elizondo redunda numa depreciação da arte inegável de Apple. Brion havia moldado a música de Apple muito além das delineações pop, adicionando-lhe argumentos ímpares e um traço de sedução subliminar, elevando a voz de Apple a uma imponência não vista antes. Nesta edição, o toque de Elizondo subjuga a amplitude dos arranjos de cordas a ângulos cliché do rock alternativo e a beats desajustadas. A edição oficial de Extraordinary Machine é, ainda assim, um disco decente mas não pode deixar de considerar-se que fica muito aquém daquilo que Jon Brion urdira inicialmente. Nesta, como noutras edições, o assombro mercantil tolheu a arte. Para mal de Apple. E da Epic que, afinal, ao procurar um disco vendável, produziu um valente incentivo ao download ilegal da versão original.

sexta-feira, 9 de dezembro de 2005

Exercício espiritual

Exercício espiritual

É preciso dizer rosa em vez de dizer ideia
é preciso dizer azul em vez de dizer pantera
é preciso dizer febre em vez de dizer inocência
é preciso dizer o mundo em vez de dizer um homem

É preciso dizer candelabro em vez de dizer arcano
é preciso dizer Para Sempre em vez de dizer Agora
é preciso dizer O Dia em vez de dizer Um Ano
é preciso dizer Maria em vez de dizer aurora.

Mário Cesariny

quarta-feira, 7 de dezembro de 2005

Dionysos - Monsters in Love

Apreciação final: 7/10
Edição: Tréma/Universal, Setembro 2005
Género: Pop-Rock Alternativo
Sítio Oficial: www.dionyweb.com








Os Dionysos acreditam que as venturas dos amores não estão vedadas aos monstros. A sétima arte corrobora com exemplos: Lugosi e Oldman emprestaram o olhar vítreo ao enamoramento de Drácula, Karloff e De Niro deram o amor à criatura de Frankenstein, o colossal King Kong derrete-se por loiras...Este é o mote fantasioso do quinto longa-duração deste quinteto francês. Repescando figuras de contos de terror ou fundando novas criaturas, o vocalista e mentor do grupo, Matthias Malzieu, constrói uma autêntica galeria de aberrações, versando sobre os vestígios de humanidade dissimulados no rosto de um monstro. Esta faceta indulgente é a premissa de uma hora de puro entretenimento, a fazer lembrar os filmes de Tim Burton ou os livros de Lewis Carroll. Musicalmente, a proposta convoca uma pletora de estilos (e instrumentos), desde o rock folclórico de "Giant Jack", o trinado de "Le retour de Bloody Betty" e a pujança saloon de "Lips Story in a Chocolate River", à quietude melancólica de "Métamorphose de Mister Chat" (num crescendo que começa por lembrar a chanson française e encerra com o traço moderno dos The Strokes) ou de "Missacacia", a puerilidade cativante da melodia da excelente "L'Homme qui pondait des oeufs", o envolvimento das cordas de "Broken Bird", a sedução instrumental do par guitarra/violino de "I Love Liou" ou a revigorante "Old Child". Para apimentar o embrulho, os rapazes até incluíram, escondida no alinhamento, uma reprise humorada de "I Did Acid With Caroline", de Daniel Johnston.

A despeito de não oferecer substâncias novas e de conter momentos menos felizes, Monster in Love é o disco mais melódico dos Dionysos e cobre uma paleta de géneros tão variada quanto uma salada chinesa. Depois, a comicidade absurda das palavras e o surrealismo das histórias reforçam a peculiaridade de composições que, não sendo originais nos conceitos e nas matrizes, têm a aptidão de despertar as várias gamas de sensações auditivas do ouvinte, ao mesmo tempo. Entretenimento castiço. Ironicamente, ou talvez não, para um álbum sobre monstros e os seus amores e desamores, a única coisa que este disco não consegue é suscitar medo. Como podemos não simpatizar com as alegorias de Giant Jack, Mister Chat, Bloody Betty ou Giant John e o seu sanglophone?


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terça-feira, 6 de dezembro de 2005

The Clientele - Strange Geometry

Apreciação final: 7/10
Edição: Merge, Outubro 2005
Género: Pop Alternativo
Sítio Oficial: www.theclientele.co.uk








Os The Clientele são britânicos, têm um som outonal e rendem homenagem aos ambientes melódicos da pop dos anos 60 e 70, numa toada introspectiva e delicada. A gentilidade orgânica das composições envolve o auditor em truques harmónicos, com percussões brandas e guitarras liderantes - filtradas por efeitos de tremolo e reverb - e a poesia cantada de Alasdair Maclean, num registo ressonante e que, em alguns intantes do disco, reacende na memória os resquícios do saudoso John Lennon. A essa deliciosa ilusão (não é uma colagem) não é indiferente a doutrina retro das composições, uma máxima sublinhada no abeiramento ao romantismo hippie dos Velvet Underground ou dos Byrds e aos ângulos pouco convencionais dos Television. Depois, há uma dimensão poética que se gruda ao tecido musical e lhe empresta fábulas de paixões mal resolvidas em busca de catarses metafísicas, com pitadas de surrealismo. No fundo, o propósito maior é a construção de uma ode de fantasias à cidade de Londres, por inerência à Inglaterra contemporânea, ao Homem e ao amor. Com a neblina das esquinas de Londres e folhas cadentes dos plátanos do Hyde Park como pano de fundo, o devaneio ultra-sonhador dos The Clientele é exequível. Desde que falem baixinho.

Strange Geometry é o segundo longa-duração do trio inglês e, nesta etapa, o som deles foi amplificado; mantém a harmonia de proporções do costume mas ganhou a ajuda da interferência esporádica de elementos de cordas. Contudo, essa contingência, ainda que beneficie o som do grupo, alerta as consciências mais desatentas para a cristalização da fórmula dos The Clientele, particularmente sentida no recalcamento dos conceitos basilares do disco. O desfile de canções transforma-se, assim subliminarmente, num cortejo iterativo, ao ponto de por vezes se confundirem as composições. Não obstante alguns lances inspirados, este disco vem provar uma coisa: a estranha geometria dos The Clientele é um recreio de malabarismos com linhas muito rectas e volumes pouco atrevidos.

A sina dos animais

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Franz Marc, The Fate of the Animals, 1913

segunda-feira, 5 de dezembro de 2005

Ennio Morricone - Crime and Dissonance

Apreciação final: 8/10
Edição: Ipecac Records, Setembro 2005
Género: Instrumental/Banda Sonora
Sítio Oficial: www.enniomorricone.com
www.ipecac.com








A alusão ao nome do compositor Ennio Morricone remete-nos imediatamente para o imaginário dos tempos áureos do spaghetti western, mormente para o clássico O Bom, o Mau e o Vilão (1966), de Sérgio Leone, cuja banda sonora - escrita por Morricone - ascendeu aos anais da música para a sétima arte. Contudo, reduzir o impacto da música do maestro italiano a essa esfera é uma asserção redutora. Com mais de cinco centenas(!) de bandas sonoras escritas, o vínculo de Morricone aos westerns é apenas uma pequena porção do seu trabalho. Dispersas em dezenas de filmes italianos com pouca expressão do início da década de 70 (1969-1974), as composições compiladas neste duplo CD revelam aspectos menos divulgados da música de Morricone. Aqui, a linguagem musical é diferente da combinação rock/clássica avant-garde que revolucionou os filmes de cowboys. Não surpreende que a edição tenha a chancela da etiqueta de Mike Patton (Ipecac). Embora a escolha das faixas seja da responsabilidade de Alan Bishop, a aura sonora deste trabalho traça paralelas com os esquemas experimentais dos ambientes sonoros de Patton. De facto, as trinta composições de Morricone que enchem este Crime and Dissonance fazem apelo a uma atmosfera ambígua, algures entre a inventividade do jazz, o psicadelismo (des)construtor de formalismos e o vigor experimental de Part ou Ligeti. Depois, vagueiam como vigilantes, sobre a orgânica precisa das composições, os vultos de interferências célebres: os ambientes de espionagem James Bond, o groove esporádico de Miles Davis, os orgãos e jogos melódicos do barroco, o laconismo das cordas, as vocalizações esparsas (ora assombradas, ora hedonistas), os efeitos sonoros de requinte.

A sugestão imagética deste álbum percorre as insinuações cinematográficas do terror, do suspense, do sexo e da espionagem. É um disco declaradamente obscuro e lúgubre; rebusca os vectores mais grotescos da música de Morricone e expõe a virtuosa controvérsia do seu génio. Crime and Dissonance é o resumo musicado de uma infinidade de emoções, como uma película que corta e cola os pedaços mais inquietantes de um punhado de filmes e que se vê em fast forward, sem tempo para recuperar o fôlego ou para fugir à constrição claustrofóbica que reduz os hemisférios do cérebro. Ao escutar este Crime and Dissonance apetece fechar os olhos, abraçar a magnitude de cada amostra de sons, perceber a integridade de cada peça e desenhar romanticamente na mente uma fita cinematográfica repleta de vilões vencedores e sem lugar para heróis. Música desta não se ouve. Vê-se e sente-se. De preferência com a porta fechada, não vá aparecer por aí alguma criatura tresmalhada ou um espião desorientado.

domingo, 4 de dezembro de 2005

10 discos de relance



Colder - Heat (5/10)

O som exuberante da electrónica do projecto Colder aproveita um balanço ao jeito dos Laydtron, embora com um sentido melódico diferente: às texturas IDM junta-se a voz, numa espécie de produto futurista que, com maneirismos dub, se converte num género musical de hipnose negra e esdrúxula que, mais do que não alcançar o brilhantismo a que se propõe, fica aquém dos seus próprios limites.
(Output, Outubro 2005)






Boitezuleika - Éramos Assim (7/10)
www.boitezuleika.com
Depois do primeiro lugar no concurso Quinta dos Portugueses, da Antena 3, a banda portuense estreia-se em disco. Francisco Almeida e seus pares folheiam páginas de uma cronologia musical de vários sotaques, com referências a Godinho, Fausto, Palma, Buarque ou José Mário Branco, num registo que embrulha a bossa nova, com uma toada jazz contemporânea e que vem o provar, sob esta aparência rebelde, está uma banda que promete acometimentos maiores.
(Zona Música, Junho 2005)







Mice Parade - Bem-Vinda Vontade (4/10)
http://fat-cat.co.uk
Sonoridades electro-acústicas que desenham atmosferas de contemplação sem nada de especialmente deslumbrante. Adam Pierre é um americano e molda substâncias pós-rock que, ainda que recuperem a pureza da guitarra clássica, não lhe oferecem a grandeza na composição que se impunha.
(Bubble Core/Fat Cat Records, Abril 2005)






Autechre - Untilted (5/10)
www.warprecords.com/autechre
Sean Booth e Rob Brown sugerem um som mecânico, com uma orgânica de precisão matemática e um compromisso melódico niilista. Chame-se-lhe IDM ou electrónica experimental, a verdade é que da lógica de crescendo das faixas não brota nada além de uma matriz de padrões algo repetitivos e que fazem desta edição mais um disco de beats - fruto de um laboratório electrónico - do que propriamente uma proposta com cabeça, tronco e membros.
(Warp, Abril 2005)






Pernice Brothers - Discover a Lovelier You (7/10)
www.pernicebrothers.com
Melodias directas e suaves, poemas sentidos e um registo vocal de crooner são as regras dos Pernice Brothers. O formato é vincadamente pop, sem as afectações do mainstream e é alvo de uma produção de grande nível. Embora o impacto das composições já não seja o mesmo de outrora, a sonoridade é excelente e merece uma escuta atenta.
(Ashmont/Caompact Records, Junho 2005)






Thunderbirds Are Now - Justamustache! (6/10)
www.thunderbirdsarenow.com
Rock oriundo de Detroit e que faz a fusão da electricidade na guitarra com os sintetizadores. O revivalismo punk marca pontos, emparelhado com outras influências (electro-punk?, new wave?), na voz andrógina de Ryan Allen (ele parece um adolescente de doze anos...ou uma colegial de dezasseis!). Justamustache é um disco entretido, mas pouco mais.
(French Kiss, Março 2005)






Jaga Jazzist - What We Must (7/10)
www.jagajazzist.com
Naturais da Noruega, os Jaga Jazzist trazem-nos uma junção hábil da urbanidade jazz e da versatilidade electrónica. A mistura é equilibrada e promove uma sonoridade progressista, com um núcleo melódico glacial e mesmeriano, à custa de arranjos de nível superior e da intrínseca capacidade de construir grandes canções a partir de pequenas ideias. Um disco recatado e tímido para descobrir com uma vénia.
(Ninja Tune, Abril 2005)







Editors - The Back Room (7/10)
Além da muito badalada semelhança com os Interpol, os produzem um rock alternativo conciso, ciente das suas próprias fronteiras e cujos contornos melódicos são desenhados por um curioso jogo de guitarras dialogantes. A voz grave de Tom Smith encaixa em composições bem estruturadas, na estreia prometedora em disco de uma banda à procura do seu teatro de drama musical.
(Kitchenwave, Agosto 2005)

Posto de escutaBloodOpen Your Arms


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Afu-Ra - State of the Arts (5/10)
www.afu-ra.com
Aaron Phillip é um visionário nova-iorquino que remexeu a doutrina do hip-hop trazendo-lhe o coração da cultura rasta e infundindo-lhe uma sonoridade renovada, por força da aproximação dos conceitos da soul, da disco, do reggae e do funk. Nesta edição, o valimento está mais nas beats e menos no discurso. Musicalmente falando, o disco é uma excursão com méritos mas perde peso nas letras. E isso nunca é bom para um pretenso MC.
(DeConInc/SoHipHop, Junho 2005)






Liz Phair - Somebody's Miracle (4/10)
www.lizphair.com
A viragem pop do álbum anterior de Phair não augurava nada de bom para uma compositora cuja sensibilidade lo fi lhe rendera, no passado, a admiração da comunidade indie. O novo disco confirmou as piores expectativas. Liz Phair é, hoje, uma cantora pop prontinha para os escaparates de uma qualquer estação televisivia mainstream. Mesmo a MTV que sempre lhe torceu o nariz.
(Capitol, Outubro 2005)

sexta-feira, 2 de dezembro de 2005

Keith Fullerton Whitman - Multiples

Apreciação final: 8/10
Edição: Kranky, Maio 2005
Género: Electrónica Vanguardista
Sítio Oficial: www.keithfullertonwhitman.com








A música vanguardista é multiforme e não se regula por normas temporais. Num despique destemido com a inevitabilidade do tempo, faz-se protagonista de palcos futuristas, com cenários incertos e adornos dos mais alucinantes pigmentos. Assim é também a proposta de Keith Fullerton Whitman. O conceito é electrónico, na raíz da pura combinação de sons sintéticos improvisadamente mecanizados, numa dinâmica que integra elementos minimalistas. Whitman é, ele mesmo, um minimalista e um desintegrador; as suas composições são ensaios tão credíveis, da melhor música gerada artificialmente, que parecem ser fruto da inteligência artificial de uma máquina. Os tons são frios e, abreviando-se à sua interioridade essencial, encenam peças musicais perturbantes. São-no porque repisam incessantemente os mesmos aforismos. E dessas aliterações, no fundo a força motriz das melodias, despontam uma liga coesa de elementos sónicos (o piano e a guitarra encaixam nos ingredientes electrónicos) e um manancial de estímulos sensoriais. Como no rondó de uma sinfonia. Talvez seja isso que Whitman nos dá em Multiples, uma espécie de tentáculo subconsciente e menos convencional da música clássica, em que os instantes de modernidade se confundem com os esboços de uma atmosfera classicista. O traço é melancólico, mesmo abrasivo, mas atribui-se uma dimensão maximizadora do dramatismo teatral e do compromisso emocional.

A vocação mítica de Multiples (e o empenho etimológico de Whtiman) é reforçada pelo recurso a artefactos analógicos, instrumentos que remontam às primícias da música electrónica e que fornecem o músculo e a alma mais oportunos ao vanguardismo nostálgico que Whitman ensaia neste álbum. Há algo de quintessencial neste fascículo da mais pura doutrina musical; há uma aposição dos parâmetros da electrónica, também uma revisão do seu perímetro, num verdadeiro exercício de antropologia musical. Como se isso não fosse o bastante, algures nas alamedas misteriosas da universalidade deste documento, está um compositor de elite, capaz de urdir melodias ressonantes, cheias de elasticidade e com um halo de intemporalidade. Relembrando meados dos anos 70, época em que a electrónica era prerrogativa reservada a músicos de formação ilustre que dominassem a tecnologia, o último opus de Whitman é, em simultâneo, uma edição académica vintage, um disco apaixonado e experimental e um abrigo sem trivialidades. Multiples é um recurso imperdível para ouvidos treinados e amantes do refrescante arrojo da diferença.

Os bêbados ou festejando o S. Martinho

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José Malhoa, Os Bêbados ou Festejando o S. Martinho, 1907

Wallflower

Wallflower

Come friend,
I have an old story to tell you

Listen.
Sit down beside me and listen.
My face is red with sorrow
and my breasts are made of straw.
I sit in the ladder-back chair
in a corner of the polished stage.
I have forgiven all the old actors for dying.
A new one comes on with the same lines,
like large white growths, in his mouth.
The dancers come on from the wings,
perfectly mated.

I look up. The ceiling is pearly.
My thighs press, knotting in their treasure.
Upstage the bride falls in satin to the floor.
Beside her the tall hero in a red wool robe
stirs the fire with his ivory cane.
The string quartet plays for itself,
gently, gently, sleeves and waxy bows.
The legs of the dancers leap and catch.
I myself have little stiff legs,
my back is as straight as a book
and how I came to this place
the little feverish roses,
the islands of olives and radishes,
the blissful pastimes of the parlor
I'll never know.

Anne Sexton

quarta-feira, 30 de novembro de 2005

Rosie Thomas - If Songs Could Be Held

Apreciação final: 6/10
Edição: SubPop/Musicactiva, Novembro 2005
Género: Indie Pop-Rock/Folk-Pop/Cantautor
Sítio Oficial: www.rosiethomas.com








Rosie Thomas já não é segredo para ninguém. Voz delicada de rebuçadinho de menta em cima de alegações musicais introspectivas com vocação acústica, assim se diz a sua graça numa pauta. E assim se contam as histórias deste If Soungs Could Be Held, o terceiro longa-duração da cantautora americana. Não sendo uma obra imprevisível, este disco é, ainda assim, um depoimento franco de uma compositora que mira a sua reprodução no espelho e a verte abertamente em eufonias simples. E é precisamente dessa simplicidade cândida que derivam as causas mais profundas destas canções, ao jeito de confidências obscuras. O tom charmoso dos trabalhos anteriores é recapitulado aqui, até reforçado, à custa do alargamento da paleta de arranjos, num registo intimista e plácido que esquadrinha as inclinações do amor, os vazios da ausência, a mortalidade e a transcendência. Rosie Thomas move-se com segurança nestes terrenos, buscando todas as minudências de um retrato pessoal honesto, desta vez mais à custa de metáforas e ficções. Dito isto, porque é que o álbum parece incapaz de cintilar? Na senda de Joni Mitchell mas cada vez mais parecida com Sarah McLachlan ou Tori Amos, Thomas concebeu um disco de canções meio-termo entre a compaixão e o optimismo, baseadas em melodias acessíveis e que, em contraste com o passado da intérprete, surgem aqui despojadas do precioso garbo indie. Thomas a piscar o olho ao mainstream?

If Songs Could Be Held é um disco que suporta um manto de vulnerabilidade - o que não é necessariamente mau - e que, ainda que embrulhe algumas composições de forma distinta (até há um dueto com Ed Harcourt, numa cover dos Everly Brothers), não acrescenta substâncias novas ao património de Rosie Thomas. Afinal, If Songs Could Held parece ter sido forjado no ludibriante limbo entre a independência do universo indie e os apetecíveis dólares da pop mainstream. Fruto dessa imprecisão e algumas concessões, o último de Rosie Thomas nem é pop nem é indie e apenas causará impressão notável nos seguidores indefectíveis da cantora. Agradar simultaneamente a gregos e a troianos nunca foi obra fácil...

Philippe de Sousa - Boîte à Petits...

Apreciação final: 7/10
Edição: Audeo, Novembro 2005
Género: Guitarra Portuguesa/Instrumental
Sítio Oficial: www.audeo.co.pt








O guitarrista Philippe de Sousa nasceu em França mas não mascara, nas harmonias da sua música, as raízes da ascendênia portuguesa, mormente na afinidade com a guitarra portuguesa e a escola clássica da canção nacional, o fado. Mas Philippe não é um fadista, a sua arte é uma jornada apátrida pelos quatro cantos do mundo musical. Com o mesmo enternecimento, Philippe acolhe a saudade chorosa do fado tradicional, a cadência do corridinho algarvio, a sedução temperada do tango, o embalo melancólico das canciones de cuna, as mágoas e pesares da América Latina, o floreio estético do klezmer, os aromas do folclore dos Balcãs, o arrojo experimental do jazz e a amplitude sonora da música de câmara. O fraseado instrumental de Phillippe é, assim, desembaraçado e traz a guitarra portuguesa num discurso de vários idiomas musicais, evocando tradições cruzadas com a modernidade, em trejeitos musicais sem bruniduras excessivas. Esta caixinha de Philippe é um caleidoscópio universal que nos descarrega na mente um imaginário perdurável, acordando em nós a suspeita de saudade de coisas que não vivemos ou não conhecemos. Nesse sentido, este disco é a estampa musical de um amanhã sem acanhamento das suas raízes, marcando o desígnio renovador de um instrumentista de eleição, sem adulterar a majestade das suas influências. Elas estão aqui, nas tramas das composições como nas pautas, são testemunhas ajudantes. O resto é de Philippe.

Boîte à Petits... é um documento feito de pedaços instrumentais em que a guitarra portuguesa se rodeia de outros instrumentos (xilofone, contrabaixo, guitarra clássica, violino e alguma percussão) e se (re)inventa, umas vezes num jeito mais técnico (como na notável "Carrossel"), outras num prisma menos lacónico (o tema título). Neste álbum, a fantasia quase pueril das composições torna-se o catalisador de uma viagem sem eixos, também sem peias, a um destino multiangular. E um disco assim é um saboroso convite à ilusão, um exercício prestidigitador que deslumbra, a despeito de algumas porções menos conseguidas, os cantos mais protegidos de qualquer criatura melómana.

terça-feira, 29 de novembro de 2005

A normalidade amanhã...se me deixarem

Graças à gentileza do meu servidor de internet (Netcabo), fiquei privado de aceder à rede durante quatro dias e, por isso, não pude actualizar este espaço ao ritmo costumeiro.

Espero retomar a normalidade a partir de amanhã. Se a tal me deixarem...afinal só pago quase 36 euros por mês!

Saudações musicais.

quinta-feira, 24 de novembro de 2005

Deerhoof - The Runners Four

Apreciação final: 7/10
Edição: Kill Rock Stars, Outubro 2005
Género: Noise Rock/Experimental/Pós-Rock
Sítio Oficial: http://deerhoof.killrockstars.com








O entusiasmo pela experimentação, os esquemas do noise, um sentido melódico invulgar e uma voz de colegial perversa são os ingredientes substanciais do pandemónio dos Deerhoof. Desta vez, porém, o grupo de São Francisco decidiu serenar um pouco e concebeu um disco que se desvia da intensidade apaixonada de outros trabalhos, focando a exuberância sonora numa toada mais pausada, menos rebelde e, sobretudo, procurando uma abordagem mais subtil ao tradicional desalinho de ideias. Das estruturas caóticas e do ruído noise rock resta pouco neste The Runners Four, ainda que a dinâmica inconstante e as variações continuadas nas melodias revelem o traço usual do colectivo americano. A criatividade sai incólume do processo de desaceleração de ritmos, ao ponto de a banda apresentar um dos seus desempenhos mais eclécticos, trocando o grotesco pelo sensível, numa evocação catártica das anomalias do amor. The Runners Four é um álbum contextualmente sentimental e, ao invés de confiar na imprevisibilidade do som típico do quarteto, refugia-se no conforto de uma extensão mais convencional para captar o regozijo inato destes músicos e moldá-lo a um oferecimento menos efusivo. Mas não menos inspirado. Em boa verdade, as canções (se assim se podem chamar) são menos extremistas mas não deixam de acrescentar outros traços à marca sonora dos Deerhoof. O quilate dos predicados pop de Satomi e companhia é exibido num jeito simples, mostrando um segmento menos revelado na banda, sem espasmos, sem contracções, sem explosões de adrenalina.

The Runners Four sacrifica os devaneios experimentais do grupo e abeira-se do trato das convenções pop, com composições a rondarem os três minutos e a encaixarem em métricas melódicas mais acessíveis. O lado espásmico e multidimensional do rock parece ter sido vencido por um jogo musical mais aberto, de maquinações mais subtis e menor risco. Ainda assim, The Runners Four é um tomo de canções que (a)prova as aptidões dos Deerhoof em terrenos pouco explorados (por eles). Contudo, se os Deerhoof querem introduzir novidades num universo abundante em tresvarios e o fazem à custa da aproximação a convenções que habitualmente rejeitam, o gesto torna-se destemido. Mas a verdade é que eles o fazem com distinção e ainda afrontam ironicamente o auditor ao fecharem o disco com "Rrrrrrright", uma composição no melhor estilo Deerhoof, como que afirmando o efectivo móbil de The Runners Four: tomem lá um álbum pop que a gente já volta!

Doze moradas de silêncio

Doze moradas de silêncio

Hoje é dia de coisas simples
(Ai de mim! Que desgraça!
O creme de terra não voltará a aparecer!).
Coisas simples como ir contigo ao restaurante
ler o horóscopo e os pequenos escândalos,
folhear revistas pornográficas e
demorarmo-nos dentro da banheira.
Na ladeia pouco há a fazer
falaremos do tempo com os olhos presos dentro das
chávenas
inventaremos palavras cruzadas na areia... jogos
e murmúrios de dedos por baixo da mesa
beberemos café
sorriremos à pessoas e às coisas
caminharemos lado a lado os ombros tocando-se
(se estivesses aqui!)
em silêncio olharíamos a foz do rio
é o brincar agitado do sol nas mãos das crianças
descalças
hoje

Al Berto

quarta-feira, 23 de novembro de 2005

Rogue Wave - Descended Like Vultures

Apreciação final: 7/10
Edição: SubPop Records/Musicactiva, Outubro 2005
Género: Indie Pop-Rock
Sítio Oficial: www.roguewavemusic.com








Não pode dizer-se que as canções de Zach Rogue são feitas de ofícios desconhecidos. A erudição indie rock do projecto Rogue Wave já havia sido vincada com afinco no anterior longa-duração, o altivo Out of the Shadow (2004). É por isso que a surpresa não mora neste Descended Like Vultures; o disco vai na peugada harmónica do antecessor, com melodias de apego instantâneo em que a voz melíflua de Rogue se escora num encadeamento instrumental de requinte. As composições alternam entre o registo da balada melancólica e intimista, o formato rock vítreo e as doces pronúncias pop. Contudo, em contraste com o primeiro trabalho, as manipulações da produção deste Descended Like Vultures (a cargo de Bill Racine) são mais incisivas, causando um descaminho superficial do som do grupo em relação ao volume atmosférico de Out of Shadow. A cosmética dos truques de estúdio submeteu a música dos Rogue Wave à inevitabilidade cósmica da gravidade e, com isso, mesmo abreviando o jogo de espaços do grupo e o prisma atmosférico do trabalho prévio, não minorou o temperamento espontâneo das canções. E é disso que trata Descended Like Vultures. É um disco de canções com sopro firme e de charme apurado.

Descended Like Vultures é um álbum sem pontas vulgares e ilustrado com canções que nos roubam à inércia, à custa de melodias douradas mas sem a transcendência sacralizada em Out of Shadow. E é pena que, no decurso da criação deste disco, se tenha extraviado, algures nos confins da racionalidade, a matéria que haveria de fazer deste Descended Like Vultures a obra que merecia ser. Mesmo assim, a despeito de algumas superficialidades e porque a pop não é refém choramingas da razão (ou do tempo), o novo dos Rogue Wave não é um fascículo indiferente.

terça-feira, 22 de novembro de 2005

Broken Social Scene

Apreciação final: 8/10
Edição: Arts & Crafts, Outubro 2005
Género: Indie Pop/Experimental
Sítio Oficial: www.arts-crafts.ca








Quando cerca de uma quinzena de pessoas concentram noções musicais num objecto comum é de esperar que o produto dessa experiência conjunta seja uma síntese versátil. Um disco feito nesses moldes reclama também uma dinâmica de grupo bem oleada e a reflectida alocação das diferentes perspectivas de criação. O projecto Broken Social Scene é uma dessas trupes musicais (neste momento tem dezassete elementos) e nasceu da amizade entre Kevin Drew e Brendan Canning e foi-se alargando a músicos convidados ilustres como Evan Cranley (dos Stars), Emily Haines (dos Metric) ou Leslie Feist. As composições de tão ambicioso ensemble são férteis em imprevistos e fomentam, num estilo lustroso e desembaraçado, a expansão de ideias, graças a uma orgânica instrumental sem vácuo e a uma miríade de vozes desiguais. Depois, a desinibição das faixas manifesta-se nas excentricidades pop e no senso melódico de um trabalho que alcança o raro fito de juntar diversos talentos individuais num todo sinérgico. Da miscelânea faz-se harmonia. Do caos nasce magia.

O apontamento dominante de Broken Social Scene é a surpreendente coesão das composições, em torno de uma abstracção pop profundamente cativante e que, embora pareça menos afoita em determinados momentos do disco, remete o auditor para uma grandeza orquestral incomum, mais própria para uma jam session, feita de colagens experimentais, de batidas ora trôpegas ora diligentes, de enredos de guitarra, de reviravoltas e ripostas frenéticas. Broken Social Scene é um álbum de outra dimensão, um exercício exploratório sem alavanca ou travão, um impossível delírio criativo, uma paleta de cores garridas e detalhadas. Ao ouvi-lo, vez após vez, apetece desdobrar-lhe as nuances e tirar o chapéu a uma banda (ou orquestra?) que vale por uma dúzia. Uma constelação brilha mais do que uma estrela só...

O terceiro longa-duração destes canadianos é uma colecção de impulsos musicais cheios de méritos, ainda que a algumas das faixas falte o suculento magnetismo de "Ibi Dreams of Pavement", "Swimmers" (com a voz de Feist) ou "Superconnected", exemplos do melhor indie pop deste ano. Por isso, Broken Social Scene não será o disco magno de 2005, mas estará certamente presente nos best of de muitos melómanos por esse mundo fora. Imperdível.

Morte de Marat

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Edvard Munch, Death of Marat I, 1907

segunda-feira, 21 de novembro de 2005

Animal Collective - Feels

Apreciação final: 8/10
Edição: Fat Cat, Outubro 2005
Género: Folk Experimental/Rock Experimental
Sítio Oficial: http://fat-cat.co.uk/








Quem ainda não conhece os Animal Collective, nesta altura do campeonato, não é merecedor do sentido auditivo. Sediados em Nova Iorque, Avey Tare e Panda Bear (a eles se juntam Deakin e Geologist) irromperam para o estrelato no ano transacto, com o deliciosamente alienado Sung Tongs, trazendo uma rajada de ar fresco (o substantivo lufada não faz justiça, por inteiro, à façanha dos Animal Collective) ao marasmo que, por vezes, firma estabelecimento no circuito mais experimental da música alternativa. E se há adeptos incondicionais do experimentalismo, mesmo da ousadia criativa sem fronteiras, são certamente estes dois rapazes. A música que assinam é, antes de mais, um turbilhão de emoções, umas vezes psicadélicas, outras vezes poéticas e sempre com um fundo musical viçoso, praticamente impossível de seriar mas, acima de tudo, encantadoramente inovador. Essa doutrina exploratória continua a ser o fio condutor de Feels, embora seguindo motes um tanto distintos. O cotejo inevitável com o trabalho anterior leva a uma inferência óbvia: não há limites para os Animal Collective! Eles são saudavelmente irrequietos, não se acomodam a formalismos e procuram uma fórmula musical cuja virtude maior é a transgressão de regras e o cruzamento de géneros. Assim, é comum encontrar nas composições da dupla americana, ainda que atrás de uma camuflagem oportuna, os feitios da folk mais intimista (particularmente sensíveis na segunda metade de Feels) ou os saracoteios das seitas rock'n'roll dos anos 50 e 60, aqui baralhados com pedaços de percussão quase tribalista e vocalizações voláteis. Chamar apenas folk electrónica à reacção química espontânea que é a música dos Animal Collective é ser restritivo. E ter ouvidos curtos.

Feels é mais aberto (e menos acústico) e acessível do que outros frutos do ensemble americano mas não deixa de renovar o culto a uma miríade de atalhos musicais que se projectam na mente do auditor, como pedaços fracturados de imagens e memórias. Cada canção é um manancial mágico de conceitos, a caminho de clímaces impacientes que se insinuam obstinadamente, quais réplicas antes das inquirações. Essas surgem depois, nos silêncios do fim do disco, quando o auditor, embevecido pela excursão inesperada a um sítio de quimeras, se deixa levar pela ressonância das melodias e não resiste ao impulso de voltar à primeira faixa. Mas as respostas, audição após audição, não aparecem. Antes, se renovam as perguntas. Porque assim continua a bucólica e esotérica maravilha dos Animal Collective. Os Beatles em Marte talvez fossem assim...

65daysofstatic - One Time For All Time

Apreciação final: 6/10
Edição: Monotreme Records, Outubro 2005
Género: Pós-Rock/Fusão
Sítio Oficial: www.65daysofstatic.com








Há discos que se repercutem em nós e nos estimulam a uma estranha meditação. Assim é o desígnio do novo trabalho dos britânicos 65daysofstatic. O som deles é esfíngico, confronta-nos num emaranhado de enigmas que impelem à revelação de um universo assombrado, de um palco de temores e cepticismos, de um espaço de vazios brancos e intemporais. E isso é conseguido por via de uma engenhosa combinação dos lugares flutuantes do pós-rock - onde a invenção vale mais do que a regra - com o fulgor perene da electrónica e o súbtil manejo da percussão. Esta síntese multidimensional redunda em argumentos sonoros que evocam, em medidas iguais, a dimensão etérea dos Godspeed You! Black Emperor, dos Mogwai, dos Explosions in the Sky ou dos Slint e a vibração perspicaz de Aphex Twin, de Venetian Snares ou dos M83. A essas matizes várias, os 65daysofstatic acrescentam um cunho próprio, em busca de um som que tira a redenção de pungentes acordes de guitarra, de cadências velozes que colam pedaços apartados de música: uns, mais efusivos e agudos, estão próximos dos teoremas do rock progressivo; outros, mais melancólicos e brandos, assentam arraiais nos domínios da electrónica (é sempre o pano de fundo das composições, escondida por detrás do discurso directo da guitarra), quiçá da IDM, do drum'n'bass e outras feições, com o denominador comum da drum machine, do piano e tudo o que mais convier. Sempre sem voz. O produto é um composto coeso e apela a uma dinâmica rítmica volúvel. Tão depressa as harmonias se espreguiçam romanticamente no tímpano do ouvinte, tardas e aliterantes, como, de seguida, o surpreendem, com inesperadas convulsões triturantes.

One Time For All Time é o segundo trabalho deste colectivo britânico e reafirma, com maturidade acrescida, o intento do grupo: o devaneio criador de uma família musical incorporadora da alma rock, do expediente electrónico e da diversidade das escolas beats. Contudo, essa álgebra musical dos 65daysofstatic nem sempre vence e, em alguns lances do disco, fica a sensação de que, embora os músicos revelem o talento para embarcar nesta cruzada, mais do que moldarem as matérias, eles vêm-se enredados por elas. E como vão desatar tal nó górdio?

Posto de escuta23 KidClimbing on RoofsDrove Through Ghosts To Get Here
Para ouvir estas amostras vai precisar do RealPlayer. Descarregue-o aqui.

sexta-feira, 18 de novembro de 2005

Regresso do Filho Pródigo

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Romare Bearden, 1967

Auto-retrato

Auto-retrato

Espáduas brancas palpitantes:
asas no exilio dum corpo.
Os braços calhas cintilantes
para o comboio da alma.
E os olhos emigrantes
no navio da pálpebra
encalhado em renúncia ou cobardia.
Por vezes fêmea. Por vezes monja.
Conforme a noite. Conforme o dia.
Molusco. Esponja
embebida num filtro de magia.
Aranha de ouro
presa na teia dos seus ardis.
E aos pés um coração de louça
quebrado em jogos infantis.

Natália Correia

quinta-feira, 17 de novembro de 2005

James Yorkston na Casa das Artes (Famalicão)

JAMES YORKSTON (UK)
20 Novembro domingo 22.00 café-concerto
Entrada: 5 euros (preço único)
www.jamesyorkston.co.uk



No culminar de um fim-de-semana agitado, nada melhor que entrar numa nova semana a relaxar ao som da folk de James Yorston no Domingo que se segue ao vendaval prometido por Barbez + Sikhara. A solo, James Yorkston chega a Portugal inserido numa mini tournée ibérica de cinco datas com início em Barcelona e término em Famalicão, numa data única no nosso país em apresentação de Hoopoe, o seu novo EP a solo.

Biografia de James Yorkston
James Yorkston é um homem calmo, já se sabe. É verão e toca música folk enquanto vai ficando calvo. A cada segundo domingo do mês, vai ao pub local em Fife (a sua terra natal) com os amigos beber e tocar música acústica. Nada de correrias, portanto.

Nos anos 90 James Yorkston tocava numa banda punk-garage, os Huckleberry, mas quando ouviu o guitarrista da Malásia D'Gary, o seu impacto foi tal que decidiu tirar o amplificador a tudo e comprar uma guitarra acústica. Tendo feito o suporte em alguns concertos de lendas da folk como Jonh Martin, e Bert Jansch, Yorkston grava o seu primeiro álbum Moving Up Country com a aclamação da crítica especializada. O segundo álbum, Just Beyond The River (2004), cuja gravação e produção foi de Kieran Hebden (Four Tet), acabou por ser amplamente destacado na imprensa especializada. Estava firmada a marca de um dos mais talentosos songwriters da folk na actualidade.

Sobre Hoopoe
HOOPOE, o novo Ep a solo de James Yorkston, (tocado, gravado, e misturado em casa pelo próprio para a etiqueta espanhola Houston Party Records), é composto por cinco temas exclusivos mais uma nova versão para "Heron", numa edição exclusiva para o mercado espanhol.

Imagine-se Ray Davies a interpretar Iron & Wine. Junte-se uma concertina tímida e um harmónio, aqui e ali. Depois, os banjos. Yorkston deixa um "até breve" aos The Athletes (a sua banda) pois Hoopoe é o momento de desfrutar de instantes tranquilos, solitário e acústicos.

Este escocês é algo do melhor que aconteceu à folk europeia nos últimos anos. O seu repertório é romântico e honesto e reporta-nos para a Escócia rural, numa viagem por museus e tabernas. O som é superlativo, mas chega-nos tão sedutor que nos rouba a insistência. Os prazeres são mesmo assim!

Posto de escuta
Song to the Siren
Pepparmyntste
Moving Up Country
Are You Coming Home Tonight
The Patience Song
I Know My Love
St. Patrick
Blue Madonnas
Sweet Jesus
Tender
This Time Tomorrow

Discografia seleccionada
Moving up Country – Domino – 2002
Lang Toun – Domino – 2003
Someplace Simple (EP) – Domino - 2003
Just Beyond the River – Domino – 2004
Hoopoe (EP) – Houston Party Records - 2005


Discografia completa

www.simbioticstore.com/jamesyorkston

quarta-feira, 16 de novembro de 2005

OOIOO - Gold & Green

Apreciação final: 7/10
Edição: Thrill Jockey/Sabotage, Outubro 2005 (Edição orig. Japão: 2000)
Género: Pós-Rock/Experimental/Fusão
Sítio Oficial: www.thrilljockey.com








Elas são japonesas de origem mas a música que fazem descende de um filão universal e intercepta alusões a géneros diversos. A alma do quarteto (integralmente feminino) é Yoshimi Yokota, uma das mais talentosas intérpretes do vanguardismo contemporâneo, mais conhecida pelo envolvimento nos projectos Boredoms e Free Kitten. Gold & Green, o segundo disco das OOIOO, foi originalmente lançado no mercado nipónico em 2000 e é um prospecto oportuno para a amálgama sonora do grupo. As guitarras são transmissores de ritmos afoitos, num discurso de contornos incertos. A elas, juntam-se o psicadelismo e a energia irrepreensível das teclas; cabe-lhes o protagonismo maior neste mundo de tribalismo futurista, sublinhado nas tendências da percussão e na excentricidade vocal. Difícil mesmo é catalogar este som. Está-lhe subjacente uma mecânica pop, profundamente sulcada por um experimentalismo que apela a reacções sensoriais agudas. Depois, há uma rara diversidade orgânica, seja na estrutura rítmica das composições, seja na abordagem instrumental das harmonias. Pode dizer-se que as OOIOO debitam um som primitivo, que a sua música é rudimentar mas Gold & Green é uma daquelas obras que conquista pela espontaneidade étnica e nos obriga a ceder perante o frenesim instrumental que se alastra, de mansinho, nos tímpanos e espicaça o ânimo. Será voodoo?

Gold & Green é um desafio de experimentação livre, de composições sem rédea. E espírito indomável. O esqueleto é electrónico, a matéria não tem forma, aceita todas as fontes de som e integra-as com propriedade e sem presunção. A integridade da proposta marca pontos do início ao fim do alinhamento, conjugando delirantemente as melodias progressivas, um certo trejeito kraut-rock, o minimalismo experimental e o eclectismo de vanguarda. A receita está completa. Basta recostarmo-nos no sofá da sala e aceitar o feitiço fascinante deste Gold & Green.

Rua da Academia das Ciências

RUA DA ACADEMIA DAS CIÊNCIAS

Procurei os teus olhos, quis achar
Nos teus olhos a luz que nos salvasse.
Mas tu não tinhas olhos tinhas plateias
No Liz, no S. Luís e no Terrace.

Busquei teu coração, não desisti à primeira.
Teu seio arfava, arfava docemente
Por força que por baixo que por dentro
Tinhas um coração terno como gatinhos.
Mas afinal não tinhas coração tinhas um saco
Com Jean-Paul Sartre e rendas a cinquenta o metro.

Falei com tua mãe. Era impossível
O engano. Com certeza
Que o engano era impossível.
Mas ela murmurou: saia daqui, senhor,
Que anda você a traficar com a minha filha?

De forma que o entrar nas tuas pernas
Foi como entrar num tribunal de contas.
Não tinhas pernas tinhas passadeira
Arroz, licores, outro noivo e gritinhos.

Mário Cesariny

terça-feira, 15 de novembro de 2005

Why? - Elephant Eyelash

Apreciação final: 7/10
Edição: Anticon, Outubro 2005
Género: Indie Pop-Rock
Sítio Oficial: www.anticon.com








Os Why? são um dos mais abstractos colectivos da actual música alternativa americana. Desde os títulos de baptismo do projecto e dos respectivos álbuns às alusões simbólicas das capas dos discos, os Why? subscrevem uma atitude que desafia convenções. O novo trabalho do projecto (o terceiro longa duração, sempre com a chancela da Anticon) iniciado a solo por Yoni Wolf (quem não se lembra dele nos inventivos cLOUDDEAD?), e reconvertido recentemente ao formato de banda, é o desfile de uma dúzia de composições recalcitrantes e que adoptam moldes multi-géneros, algures entre o rock psicadélico, a folk melancólica e a pop mais colorida e bizarra. A mescla é alimentada por um arsenal de instrumentos (a)variado, com guitarras, xilofones, pedais de efeitos, percussões caprichosas e mesmo panelas e tachos. Depois, o registo vocal de Yoni Wolf - principal veículo do imaginário lírico do disco - é multidimensional, capaz de assinar com idêntico requinte as atribuições de um crooner enamorado, de um nostálgico poeta, de um rapazote tímido ou de um adulto convicto. Elephant Eyelash é uma aventura para o auditor. A folia pop é a camada mais imediata deste álbum, não abdicando do traço truncado típico da escrita de Wolf mas incutindo-lhe uma trajectória com rumo, sem os altos e baixos súbitos de outros trabalhos do músico. Contudo, apesar da catarse pop resultar mais conforme e de as canções se segurarem sem cambaleios, Wolf não extinguiu o plano anti-convenções e as esquisitices subjectivas das suas metáforas. O que mudou então? Do existencialismo sujo do passado, das contingências crespas doutros trabalhos, Wolf mudou-se para uma vibração mais colorida, com mais coração. Em Elephant Eyelash o experimentalismo underground dos cLOUDDEAD é nada mais do que uma miragem e, nesta nova pele, Wolf sente-se como peixe na água. Ou finge bem.

Elephant Eyelash é um ensaio estruturado do absurdo. E joga-o com sentido de risco mas também com orientação, mesmo que isso implique, aqui e ali, o recurso a clichés gastos. O desfecho é um álbum conexo, com um recheio harmónico precioso e um laço instrumental proporcionado. Ainda que se possa questionar a reorientação estilística de Yoni Wolf e dos Why?, não devem negar-se os préstimos de um disco que, não sendo uma obra-prima, expõe o rosto do génio excêntrico de um músico em metamorfose. E se a mais recente fase da transformação é uma pestana de elefante, deixemos o rapaz fantasiar. Enquanto a mudança não se sublima, ouçamos o disco. Porque vale a pena.

sexta-feira, 11 de novembro de 2005

God Is an Astronaut - All is Violent, All is Bright

Apreciação final: 6/10
Edição: Musicactiva, Novembro 2005
Género: Pós-Rock
Sítio Oficial: www.godisanastronaut.com








O mundo é um lugar estranho. Assim parece quando visto (ouvido) pelo poético prisma musical dos irlandeses God Is an Astronaut. Os rapazes de Dublin versejam sem palavras, a expensas de um som com nobreza celestial e propenso à infinidade. Eles não se impõem limites e tem a ousadia de meditar em acordes avulsos, com um sentido melódico dúctil e uma energia magnetizante. Ainda que imaterial, a música é repleta de emoção e desenvolve-se progressivamente, à cata de um zénite, algures numa paisagem rústica e despovoada, onde apenas pairam vultos imaginários e vestígios invisíveis de fantasias. As cores são o preto e o branco (energias opostas de uma matriz yin-yang) e simbolizam as palpitações variantes do álbum. De facto, All is Violent, All is Bright é um mutante numa guerra dos mundos: no campo dessa batalha sem armas, o duelo é entre o registo inflamado dos Explosions in the Sky e o tom glacial dos Sigur Rós. Essa dinâmica de ânimos cria harmonias pomposas e melancólicas que, buscando o auge contemplativo, nem sempre o atingem. A guitarra e o piano, quase sempre plangentes, convivem com a firma narcótica dos sintetizadores e a percussão segue diligentemente atrás, sem se descomedir.

Monolítico e impressivo, All is Violent, All is Bright é um disco para consumir demoradamente e perceber, por detrás do teatro de sombras, o relato de um cosmos pós-rock negro de guerra, experiências em animais, violência e morte (como no vídeo de "Fragile" - disponível aqui) e de uma mensagem purgativa e redentora. Musicalmente, o último trabalho dos God Is an Astronaut não é obra magna porque não evita, no vínculo melódico que subscreve, uma certa dispersão de conceitos, particularmente sensível na segunda metade do alinhamento (a outra metade é magnífica...). Mesmo assim, All is Violent, All is Bright é um álbum de emoções francas. E quando assim é, seja tudo violento ou resplandecente, vale a pena ouvir.

quinta-feira, 10 de novembro de 2005

Dia de Santa Catarina

Dia de Santa Catarina

O silêncio vem das máscaras de lodo e águia
as palavras amordaçam-te.

Abriste a janela verde,
espaço às riscas verdes bordado de cal
pelas tardes medrosas até Novembro.

Os meus olhos revoltam os barcos,
retinas ácidas e solenes como patas de cão.

Podes ficar amordaçada de palavras,
sem água ou almíscar,
e não entender o sangue e seus acólitos,
nem que a vida é como terra pisada,
uvas sorvidas no dorso das árvores
porque dá prazer olhar para o fundo do poço.

Entretanto,
metódico, acusa-te de teres aberto a janela.

Fernando Grade
Os poetas não mentem: falam de outras coisas

Composição Cósmica

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Paul Klee, Cosmic Composition, 1919

quarta-feira, 9 de novembro de 2005

10 discos de relance




Miri Ben-Ari - The Hip-Hop Violinst (6/10)

www.miriben-ari.com
A violinista israelita Miri Ben-Ari vem provar que o género hip-hop não é invulnerável à experimentação instrumental. A menina bonita fez-se rodear de alguns nomes consagrados (Kanye West, Scarface e Akon, entre outros) e embrulhou o discurso em atrevimentos de violino. Curioso, mas pouco mais.
(Universal, Agosto 2005)




Queenadreena - Butcher & The Butterfly (7/10)

www.queenadreena.com
Katie Jane Garside é uma rebelde. Ela e Crispin Gray são a alma do quarteto Queenadreena. A proposta é um rock cru, com saudades da garagem e que aceita influências tripartidas: Iggy Pop, P.J. Harvey e Nine Inch Nails, em partes iguais. O resto é uma substância musical sensual, áspera e inquietante.
(One Little Indian, Outubro 2005)





Stephen Fretwell - Magpie (7/10)

www.stephenfretwell.com
O inglês Stephen Fretwell mostra, no primeiro longa-duração da sua carreira, um som outonal e de cariz profundamente melancólico, num embalo folk que, pelo jeito intimista e essencialmente acústico, traz à memória a referência presente de Bob Dylan. Uma pequena preciosidade de um compositor promissor.
(Fiction, Novembro 2004)


Minotaur Shock - Maritime (6/10)

www.minotaurshock.com
Segundo registo de David Edwards, Maritime é uma jornada instrumental colorida e com uma orgânica jubilosa a que só parece faltar um acrescido ajuste melódico e a concretização de um rumo. Um pouco de Art of Noise, de Aphex Twin ou mesmo dos Boards of Canada não chega para salvar o disco da mediania.
(4AD, Agosto 2005)

Posto de escutaMuesliVigo BayHilly



I Am Kloot - Gods and Monsters (5/10)

www.iamkloot.com
Eles são de Manchester e assumem essa naturalidade britânica na concepção musical que subscrevem. Recorrendo à fórmula gasta em trabalhos anteriores, os I Am Kloot parecem ter perdido o pendor original das suas composições. E com isso podem desviar-se do pelotão da frente da pop alternativa do Reino Unido.
(Echo, Abril 2005)




Gogol Bordello : Gypsy Punks : Underdog World Strike (7/10)

www.gogolbordello.com
Naturais da Ucrânia, os Gogol Bordello fazem um debochado choque de culturas: combinam a alma amotinada do punk-rock com a festividade dos violinos e acordeões da música cigana dos Balcãs. Depois, os auto-proclamados ciganos punk fazem tudo com uma dose sublime de sátira e surrealismo. O resultado é tão folgazão e zombeteiro que até suplanta a exibição graciosa do generoso bigode do vocalista Eugene Hütz...Pode não ser genial, mas é imperdível.
(Side One Dummy, Agosto 2005)




Sinéad O'Connor - Throw Down Your Arms (7/10)

www.sineadoconnor.com
No primeiro álbum de estúdio desde a retirada (anunciada há três anos) da indústria discográfica, a irlandesa apossa-se de uma dúzia de clássicos dos cânones reggae e toca-os ao de leve, com a reverência que os originais dos Burning Spear, de Lee "Scratch" Perry e de Peter Tosh merecem. Na voz de Sinéad, temas como "Door Peep" (de Winston Rodney, dos Burning Spear) e "Curly Locks" (de Peter Tosh) provam como uma boa canção nunca morre. E como Sinéad será sempre diferente.
(Rocket Science, Outubro 2005)




Elizabeth Anka Vajagic - Nostalgia/Pain [EP] (6/10)


Surgido como um complemento ao álbum Stand With the Stillness of This Day, este EP é mais abstracto mas mantém o tónico meditativo que a voz de Vajagic impõe; a percussão marcha e as guitarras lamentam-se, desenhando paisagens sonoras de profundidade poética e retiro. Contendo 3 composições, duas delas acima dos dez minutos, em jeito de prédica esparsamente musicada, este mini-álbum é solene e merece ser perscrutado, mesmo que traga dor ou nostalgia.
(Constellation, Maio 2005)




Dr. Frankenstein - Crime Scenes and Murder Songs (7/10)

www.dr-frankenstein.com
No sítio oficial, o quinteto luso assume o fascínio pelos filmes de série B, pelo surf, pelo rock'n'roll e rock de garagem. Andam há onze anos nisto e este é o terceiro álbum. A guitarra é aqui a voz principal de composições ao estilo de uns Shadows reconvertidos a um universo James Bond com miúdas loiras de peitos fartos, em bikini, brilhantina no cabelo, muitas ondas e espírito relax. Junte-se-lhes talento e ousadia (os rapazes até repescam um tema dos Madredeus!) e temos um projecto nacional com méritos para descobrir.
(Musicactiva, Setembro 2005)

Depeche Mode - Playing the Angel ( 7/10)

www.depechemode.com
Dave Gahan, Martin Gore e seus pares traçaram um percurso sólido que fez dos Depeche Mode uma referência do electropop, nomeadamente depois da edição de Violator (1990). Neste novo trabalho, a banda recupera o preceito sintético desse disco e constrói um dos trabalhos mais sólidos de uma carreira com vinte e cinco anos. Depois de alguns tiros ao lado e de uma certa letargia criativa, os Depeche Mode estão de volta. E mais fidedignos.
(Mute, Outubro 2005)

Jarboe em Famalicão

Grande Auditório da Casa das Artes de Famalicão, 2 de Novembro de 2005

Jarboe é uma das mais proeminentes figuras do mundo da música alternativa americana. Dizer-se que ao lado de Michael Gira foi voz dos Swans, é já por si dizer-se muito. Exuberante e provocante, é a sua natureza. Com um passado tão díspar como o seu, entre o catolicismo da mãe e o facto dos pais terem sido agentes do FBI, Jarboe sempre foi polémica. As suas actuações já tiveram cerimónias com manuseamento de cobras e práticas sexuais menos ortodoxas. Deste cocktail explosivo resulta uma mulher multifacetada e inesperada. Prolífera na criação musical e indiferente a quaisquer barreiras, Jarboe busca o que outros não ousam sequer tentar. A título de exemplo, o álbum editado em 2003, em conjunto com os Neurosis, estabeleceu-se como um marco no seio do metal alternativo.

Senhora de uma voz versátil, Jarboe é capaz de encarnar personagens diversas. Tímida, sensual, colegial, demoníaca, sedutora, sexual...Jarboe é tudo isto e muito mais! Dor física e espiritual, reencarnação e religião, profanação e comunhão fazem parte do seu léxico!

A 14 de Setembro de 2002 Jarboe visitou o nosso país num concerto mais do que fabuloso. O Auditório de Serralves foi incendiado com a sensualidade de cinquentona intrépida. E ela ainda não editara com os Neurosis. Os arrepios eram mais que muitos. O concerto foi inserido num ciclo sobre sexualidade. Foi infalivelmente erótico!

Mas há muito mais no sexo do que o simples orgasmo. E o concerto de Famalicão teve de tudo.

Pré-preliminares: Nic Le Ban, guitarrista que acompanha Jarboe em palco, deu-nos cerca de 15 minutos de composições suas, em jeito de songwritter. Devia ter ficado quieto, é um facto! Material daquele não aquece ninguém, pode é servir para adormecer!

Preliminares: se me disserem que uma introdução não deve ter mais de 2 a 3 minutos, eu pergunto: os preliminares não podem durar cerca de 15 minutos?

Início do acto: a bela Paz Lenchantin (A Perfect Circle, Zwan, recente colaboradora de Entrance) entra em palco agarrada ao seu baixo. Jarboe segue-a e senta-se. Em jeito de meditação parece iniciar um ritual de cerimónia. Nesse momento, a doce e bela Paz acariciava-nos os ouvidos com as notas perfurantes do seu baixo.

O primeiro acto: a restante banda que acompanha Jarboe (Phil Petrocelli e Mike Rollins nas baterias, Nic Le Ban na guitarra) acomoda-se no palco e, de costas para o público fazem uma contrição em silêncio. Depois disto, nada será igual! O concerto não tem regras estabelecidas, é uma espécie de queda em espiral, em ritmos tribais, rumo à face profana da religiosidade.

Sodomia: duas baterias debitam invariavelmente sons de agressividade e violência em dose q.b.. Jarboe gatinha pelo palco. Senta-se em frente ao público e coloca-se no meio dele, em modos provocatórios. É tempo de sentir arrepios na espinha, como uma antevisão ou uma incontrolável expectactiva do que possa acontecer. A senhora não violentou sexualmente ninguém. Preferiu deitar-se numa cadeira e contorcer-se, tal e qual uma profissional do metier

Masoquismo: perto do final Jarboe concorre com a velocidade das duas baterias. Verticalmente erecta, debruça-se e faz um headbanging perfeito capaz de arrefecer a sala com o efeito ventoinha. Depois, a cantora propõe-nos uma nova modalidade, o “armbanging”.

Coito interrompido: durante o concerto as pausas (longas e sucessivas) quebraram o ritmo fervilhante dos temas. Pior do que isso, Nic Le Ban revelou-se um empata. O seu registo foi pobre. O músico consegue mesmo um feito desrespeitoso: rebentar uma corda e só voltar ao palco depois de quase gastar o tempo suficiente para ir comprar outra! Os outros elementos da banda, exceptuando a eficiência de Lenchantin, dão sinais de pouco entrosamento (ou desinteresse?). A própria Jarboe pode ser mais excitante. Ela sabe-o. Naquele dia, a espontaneidade e a irreverência cederam lugar ao um profissionalismo frio que, mais do que penalizar Jarboe, desgosta os seus admiradores.

Carinho: no encore, Jarboe dedica “Mother/Father” a Michael Gira.

Beijinhos: Jarboe, para entrares no metal, traz contigo os Neurosis!

terça-feira, 8 de novembro de 2005

Black Dice - Broken Ear Record

Apreciação final: 7/10
Edição: DFA/Astralwerks, Setembro 2005
Género: Noise/Electrónica Experimental
Sítio Oficial: www.blackdice.net/dicemain.htm








Os Black Dice são iconoclastas por excelência. E fazem alarde dessa condição, decompondo com argúcia os formalismos da indústria musical. Para eles não há axiomas nem regras que não mereçam ser desmontados, detalhe a detalhe, e (re)arrumados em feições extravagantes, como se virados do avesso e mostrados num novo estado bruto. Assim é a música deste trio de Brooklyn: maquinal, polinsaturada, inveterada e solta. Broken Ear Record alinha por esse diapasão, tem a presunção grandiosa de ser cósmico mas aceita, ironicamente, um microcosmo apocalíptico quase tribal. À electrónica desregrada e orgulhosa das imperfeições e intermitências, juntam-se ruídos incógnitos e rumores ao serviço de uma litania encriptada. Dessas ladainhas sintéticas provém uma substância musical invulgar, com palpitações vanguardistas e experimentais, talvez mais ritmada do que nos trabalhos anteriores do grupo. Esse incremento rítmico não tira crédito ao selo Black Dice e permite uma harmonia de formas mais simpática para ouvidos duros. As composições são mais intuitivas e, sem perderem a bizarria e o modernismo característico do colectivo americano, sublinham a abstracção do electro noise. E como obra do género noise, Broken Ear Record é um abundante jogo de sensações, uma adivinha maravilhosa, um jorro anormal de fluidos sonoros.

Quem espera um disco acessível, esqueça! Nunca foi essa a premissa dos Black Dice. Eles subscrevem o psicadelismo e a ruptura, combinam futuro e antiguidade e alcançam objectivos (e objectos) inauditos. Broken Ear Record é uma dessas causas. Não é um disco, é um laboratório. Por isso, não é tão inteiro quanto outros trabalhos dos Black Dice e divide-se em contorcionismos penalizadores: ora se apresenta criativo e robusto, ora se expõe em hesitações retóricas. Ainda assim, o novo rebento dos Black Dice é um bom ponto de partida para desconhecedores dos nova-iorquinos. Os fãs antigos não vão descobrir nada de substancialmente novo. Mas é Black Dice.

Sapatos

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Van Gogh, Shoes, 1888

segunda-feira, 7 de novembro de 2005

Murcof - Remembranza

Apreciação final: 7/10
Edição: Leaf, Setembro 2005
Género: Electrónica Minimalista/Experimental
Sítio Oficial: www.murcof.com








Murcof é um mexicano de Tijuana. Ninguém o diria, não há na sua música nenhum prenúncio dessa naturalidade. A dádiva musical de Murcof não venera a tradição mariachi, nem o espírito vadio da música tradicional mexicana. Aqui, o projecto é radicalmente diferente. As criações de Fernando Corona - assim se chama o senhor - seguem a cartilha da electrónica minimalista. A orgânica aparentemente simples das composições é um fluido musical que conjuga elementos sintéticos, verdadeiros cicerones da melodia e marcadores do compasso das faixas, e incursões superficiais no domínio da música clássica. Desta junção, quase sempre conseguida com lucro, resulta um composto estável, de grandeza atmosférica e alma escurecida. A música de Remembranza é um crescendo de paixões: por vezes, desenha-se na mente, espectral e enevoada, com a frágil leveza de um fantasma que baila na vibração de um piano; noutros momentos, essa dimensão incorpórea, quase sobrenatural, amplia-se a si mesma, os ruídos nocturnos ecoam e a música toma o corpo do medo, faz-se mais intimidativa. As melodias redundam, assim, num sublinhado da face tétrica das fantasias, uma espécie de anátema anti-existencialista, sem forma decretada, que cruza com erudição, os universos sintéticos dos Pole, de Aphex Twin, Brian Eno ou Ulrich Schnauss com a inspiração inventiva de Gyorgy Ligeti ou Arvo Part. Entre esses dois mundos, Murcof maquina um simulacro de guerra fria, o palco assombrado de experiências acústicas de cariz fílmico, como etapas da percepção de um mundo sensível.

Boa parte da energia activa deste Remembranza deriva da sua estranheza polimórfica e tensão ressonante que, se não dominam de imediato o ouvinte, o impelem a o confronto com o medo, pelo constrangimento descontrolado da curiosidade. Ter medos é uma inevitabilidade da condição humana. Murcof sabe-o e expia as suas inquietações numa fórmula musical que nos chama para um dédalo denso e medonho. Vamos esquivar-nos a este gesto vanguardista ou o a curiosidade pelo mistério é mais forte?

Posto de escutaRecuerdosRiosCamino

Meira Asher e "Open Cuts" em Famalicão

MEIRA ASHER + GUY HARRIES (ISRAEL/HOLANDA)
12 Novembro Sábado 22.00
Grande auditório, Casa das Artes (Famalicão)
Entrada: 5 euros (Preço único)
www.meiraasher.com

Também em:
Lisboa (ZDB) – dia 10
Guarda (Teatro Municipal) – dia 11

No dia 12 de Novembro, Famalicão vai presenciar um dos momentos mais marcantes de 2005, com a presença da Israelita Meira Asher, acompanhada pelo Holandês Guy Harries, numa das suas raras aparições ao vivo.

Ao escutarmos as composições de Meira Asher comodamente em casa, podemos sentir incómodo pelas imagens que nos sugerem dor, ao sermos obrigados a projectar na mente um filme para a “banda-sonora” cruel que ouvimos. As composições de Meira Asher têm, por isso, um impacto maior ao vivo, uma vez que, ao invés de nos podermos desviar para cenários menos violentos que aquele que a música nos induz, somos obrigados a sentir fisicamente a experiência da dor, do sofrimento, sendo incapaz o espectador de ficar alheio pela cumplicidade visual a que está obrigado. Uma experiência única e imperdível, capaz de mexer com os nervos dos mais incautos, mas que não permite indiferenças perante a brutalidade e crueldade... da realidade!

Quem é Meira Asher?
Nascida em Israel, Meira Asher tem desenvolvido, ao longo das últimas duas décadas, um corpo de trabalho altamente politizado, de denúncia, crítica e retrato de situações catastróficas que a humanidade vai desenhado para si própria. O percurso educativo de Asher pauta-se pela interdisciplinaridade, que se reflecte de forma clara no seu trabalho, não raras vezes também ele intertextual e disciplinar. Estudou percussão entre Varanasi, Jerusalém, Telavive, São Francisco, Akra, Anyako e Tamale; sonologia em Den Hague; percussão tradicional, dança e voz de várias tribos no Gana; artes interdisciplinares em Los Angeles ou terapia musical em Tel Aviv. Leccionou uma multitude de matérias, em diversas plataformas, desde trabalho com crianças autistas até cantares tradicionais na Escola de Jazz Rimon em Israel. Tem também um vasto passado na música para dança e teatro, bem como nas artes visuais – nomeadamente no formato vídeo.

No que respeita a música gravada, Asher estreou-se com dois álbuns editados pela Crammed, «Dissected» (1995) e «Spears Into Hooks». Trata-se de dois dilacerantes documentos, onde a dor, os conflitos bélicos israelitas, o pavor e a angústia são manifestados com total abertura e entrega, numa instrumentalização electrónica moderna com as formas primitivas do folclore, plenas de aspereza, secura e dor.

Depois de em 2002 ter apresentado o disco/performance «Infantry», Meira Asher regressa em 2005 com o espectáculo (estreado o ano passado em Gent) o disco «Face_WSLOT – Woman See [sic] Lot of Things», que apresenta nesta ocasião. Prestes a ser lançado em formato CD+Livro, trata-se de 17 composições criadas a partir de «vozes, histórias e ambientes sonoros» de três mulheres, ex-soldados, que combateram, ainda crianças, na Serra Leoa. O livro contextualiza o «background» e as perspectivas de vários autores sobre o assunto, incluindo ainda depoimentos destas mulheres e documentação acerca da parte do projecto respeitante à instalação. Os lucros provenientes da venda deste lançamento irão directamente para apoio educativo de terceiro grau para mulheres da Serra Leoa.

Discografia seleccionada de Meira Asher:

ÁLBUNS
Face_WSLOT (cd-book) - Bodylab-Auditorium (2004)
Infantry - Sub Rosa (2002)
Spears into Hooks - Crammed (1999)
Dissected - Crammed (1997)

EP’S
Face_WSLOT - Bodylab/Auditorium (2004)
SIDA (vinyl) - SSR (1997)

COMPILAÇÕES
An Anthology of Noise and Electronic Music - Vol. 2 - CD2 track 3. “Torture Bodyparts” (Meira Asher and Guy Harries) - Sub Rosa (2003)
Drop 5.1 (2000) - Track: 14. “My Last Granny” (Meira Asher vs. Bio Muse) - Materiali Sonori (2000)
Balkans Without Borders - Track: 16. “Tiring Night” (Meira Asher with Kocani Orkestar) – Omnium (1999)
World Music: Africa, Europe and the Middle East - Vol. 1 - Track: 12. Give Peace (Meira Asher) - Rough Guide (1998)

PARTICIPAÇÕES
Dar Beida 04 - Track: 6. “To the goddess” (Maha aka Meira Asher) - Barraka el Farnatshi (2001)
Frigg Brecht - Frigg feat. Meira Asher - (1999)- Knitting Factory

Discografia seleccionada de Guy Harries:

ÁLBUMS
Infantry - Sub Rosa (2002)
The Thirteen Bar Blues – Artist: Houtkamp's Pow 3 - X-OR (2003)

COMPILAÇÕES
An Anthology of Noise and Electronic Music - Vol. 2 - CD2 track 3. “Torture Bodyparts” (Meira Asher and Guy Harries) - Sub Rosa (2003)
The Composer's Cut: Maurizio Marsico - Track ...: “Song from 'Endings” (performed by Anna Levenstein and Guy Harries) - Auditorium Edizioni (2003)

Posto de escuta:
Psalms19
Shahid1
Shahid2
Nr
Infantry

Concerto para apreciadores de:
Lydia Lunch
Diamanda Gálas