sexta-feira, 14 de outubro de 2005

5 rapidinhas


Scout Niblett - Kidnapped by Neptune (6/10)
Muitas vezes comparada a P.J. Harvey, Björk ou Cat Power, Scout Niblett subscreve, no terceiro registo de estúdio da carreira, a mesma fantasia rock de outros tempos, assente numa voz melíflua que afronta rumores angulares de guitarra e percussões rudimentares. A orgânica é minimalista e quase desarrumada; as estruturas deixam o ouvinte num estado hipnótico do qual desperta, em alguns instantes do disco, com a frustração de não descobrir o clímax anunciado. O vanguardismo poeirento e experimental de Niblett (alguns temas parecem B-sides dos Nirvana ou de Harvey) saúda-se embora pareça orfão de uma definição mais rigorosa das composições. Se alguma vez Niblett lá chegar, talvez melhor se descodifique a espiritualidade e o mistério das suas fórmulas.
Too Pure, Maio 2005








Flipsyde - We the People (5/10)
Crítica social em formato hip-hop com um fundo musical que explora, com alma latina, a soul e o funk é a proposta dos Flipsyde. Eles foram a banda de suporte dos Black Eyed Peas e as semelhanças entre os projectos não são mera coincidência, ainda que os Flipsyde assumam outras considerações políticas e abracem uma sonoridade ligeiramente mais rock que, aqui e ali, faz lembrar Dave Mathews (ouça-se "Angel") ou os Living Colour (especialmente na faixa "Time"). We the People é jovial, tem uma boa dinâmica e, apesar da produção desproporcionada, não deixa de ser uma estreia suficiente deste quarteto americano.
Interscope, Junho 2005








Armando Teixeira - Made to Measure (6/10)
Responsável pelos projectos Bullet e Balla, Armando Teixeira tem sido um dos compositores nacionais mais activos nos últimos tempos. Este disco, lançado numa edição limitada e exclusiva de comemoração do décimo primeiro aniversário da Fonoteca Municipal de Lisboa, é uma mostra do trabalho menos popular do músico, também da sua faceta mais (des)construtivista. Do alinhamento fazem parte alguns trechos musicais que integraram espectáculos teatrais, uma faixa dedicada a Carlos Paredes (anteriormente incluída na compilação Movimento Perpétuo) e o inédito "Les Mutations". Made to Measure é um disco de estúdio e que põe à prova a destreza de Teixeira com samples e loops, num registo próximo de Bullet que acolhe o lounge, o jazz, a música tribal e a electrónica. O principal problema: as aptidões do músico surgem aqui sem a homogeneidade de outros trabalhos. Ainda assim, Vladimir Orlov mantém o toque de inspiração.
Fonoteca Municipal de Lisboa, Maio 2005







The National - Alligator (7/10)
Algures entre a folk americana mais vernácula e a pop viva da Grã-Bretanha está o som dos The National. A proposta é um pop-rock maduro e reflectido, à custa de canções de balanço intuitivo, com uma produção reservada mas competente e alguns refrões que se entranham subitamente. Amores deteriorados, relações humanas e contemplação metafórica são a espinha dorsal deste Alligator. Não há um pouquinho de Cave ou Tindersticks também?
Beggars Banquet, Abril 2005








The Perceptionists - Black Dialogue (7/10)
Mr. Lif, Akrobatik e DJ Fakts One são os protagonistas do conceito the Perceptionists. Aqui não há lugar a paninhos quentes, o discurso é directo, ácido, sem rodeios, e manifestamente propenso ao esquentamento das orelhas de George W. Bush e Dick Cheney e restantes membros da administração americana. "Where are the weapons of mass destruction?/we've been looking for months and we ain't found nothin'/please Mr. President tell us somethin'/we knew from the beginning that your ass was bluffin'" é glosado na faixa "Memorial Day" e resume a alma rebelde da tripla. O resto é underground rap não contaminado com as perversões do mainstream, muito scratching e um mosaico sonoro sem vergonha da electrónica. Hip-hop à moda antiga.
Definitive Jux, Março 2005


quinta-feira, 13 de outubro de 2005

O homem e a mulher

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Pavel Filonov, Man and Woman, 1912-13

quarta-feira, 12 de outubro de 2005

3.º Mostra de Arte Non Stop

A Vo'Arte está agora a preparar a 3ª edição da Mostra Arte Non Stop - projecto para promover os trabalhos dos jovens artistas nas diversas áreas artísticas (dança, teatro, instalação, performance, artes visuais, artes plásticas, exposições, circo, música, vídeo, escrita, fotografia, design, arquitectura, literatura, hip - hop breakdance, grafitti / rapper e outras artes do imaginário) - que terá lugar dias 2 e 3 de Dezembro, em Lisboa, no Santiago Alquimista.


Regulamento
Ficha de Inscrição - Vídeo
Ficha de Inscrição - Artes Performativas
Ficha de Inscrição - Artes Visuais

Os projectos podem ser entregues até dia 21 de Outubro. Mais informações em www.voarte.com ou nos telefones 21 393 24 10 e 91 404 04 71.

Carlos Bica - Single

Apreciação final: 7/10
Edição: Bor-Land, Outubro 2005
Género: Solo Instrumental/Jazz
Sítio Oficial: www.carlosbica.com








O contrabaixista Carlos Bica é um dos mais célebres e solicitados músicos nacionais, tendo convivido artisticamente com intérpretes da mais distinta estirpe como António Pinho Vargas, Camané, Janita Salomé, José Mário Branco, Maria João e Mário Laginha, em Portugal, e Paolo Frésu, Aki Takase, Lee Konitz ou Alexandre von Schlippenbach, além-fronteiras. Presentemente, o músico faz parte do projecto Azul - na companhia do guitarrista alemão Frank Möbus e do percussionista americano Jim Black - do Tuomi Trio (com a cantora finlandesa Kristiina Tuomi e o pianista Carsten Daerr) e divide os palcos berlinenses com Sven Klammer (trompetista alemão) e Kalle Kalima (guitarrista finlandês) no trio Bica/Klammer/Kalima. Considerado um dos mais férteis e inventivos músicos jazz da sua geração, Bica apresenta-nos um disco arrojado. Single atreve-se destemidamente a isolar o contrabaixo, a chamá-lo ao foco, a dar-lhe o destaque do papel principal. Aqui, não há mais nada. Apenas Bica e o seu Prosper Colas, de 1891. Pode a ideia não ser totalmente original, pode até o contrabaixo não ser o mais versátil dos instrumentos, mas o génio e a intuição de Bica levam-nos à deriva num embalo mágico, feito de melancolias e de pesares que se desenlaçam dos vibratos e assumem um corpo próprio. Há nas composições uma alma profundamente lusitana, uma tímida fragrância de saudade, um quase-fado que se insinua na sensualidade dos tons graves.

Single é a quimera musical das fotos de Pedro Cláudio que habitam o booklet do álbum. É uma ilusão em melodias obstinadas da pureza da abóbada celeste, do bulício da urbe, da misantropia de um corvo, do cinzento frio de uma pedra, da vastidão dos oceanos, da efervescência do fogo, do adeus de um pôr de sol, do frio da neve, do recato de um terreiro. Single é tudo isso. É um contrabaixo sozinho, o músico é um mero artífice, um veio mecânico que pulsa das cordas as notas que já lá estão, à espera da revelação. E Bica mostra-as como poucos, exibe-as cruamente, sem artimanhas de estúdio. Como nos curiosos cinquenta e sete segundos dedicados a "Ay! Linda Amiga", uma composição anónima do século XVI, a única peça não original do alinhamento. O conceito solitário que Carlos Bica propõe com Single é tão intuitivo que suscita óbvio debate: com este alcance no contrabaixo, quem reclama outros instrumentos?

Posto de escutaHankAgoraA Luz da Rosa

terça-feira, 11 de outubro de 2005

Maria Rita - Segundo

Apreciação final: 8/10
Edição: Warner, Setembro 2005
Género: MPB/Jazz/Samba
Sítio Oficial: www.maria-rita.com








Dois anos volvidos do lançamento homónimo que atirou o nome de Maria Rita para os focos do mediatismo da nova música brasileira, a filha de Elis Regina regressa com um disco que conta com a produção da própria e do conceituado Lenine. Seguindo o legado de uma linhagem de eleição, o fenómeno Maria Rita promete prosseguir, até multiplicar-se, com este Segundo. O álbum é mais introspectivo, acentua cláusulas de sobriedade e comedimento não vistas no antecessor. Este comedimento, certamente não menos cintilante que a rebeldia da estreia, não reduziu o ardor da chama musical de Maria Rita, apenas o moldou de jeito diferente, com a preciosa colaboração do pianista Tiago Costa, cujos arranjos marcam omnipresentemente o disco, e das composições de convidados ilustres como Rodrigo Maranhão ("Caminho das Águas" e "Recado"), Marcelo Camelo ("Casa Pré-Fabricada" e "Despedida") e o uruguaio Jorge Drexler ("Mal Intento"), vencedor de um Óscar com a música "Al Outro Lado del Rio" no filme Diários de Che Guevara. Depois, num teste à espontaneidade e à dinâmica das actuações ao vivo, Segundo mereceu gravação simultânea de voz e instrumentos, o que reforçou o intimismo das composições, sempre apoiadas na ternura da voz de Maria Rita.

O repertório é da melhor safra, num alinhamento de inéditos onde cabem também versões de clássicos de Eduardo Krieger ("Cirando do Mundo") ou Edu Lobo/Chico Buarque ("Sobre Todas as Coisas"). Depois, a voz de Rita. Sem cedências ou deslizes e em métricas e fraseados que trazem à memória o sinal genético de sua mãe, a jovem sobrevem a pretensos mimetismos e, cada vez mais, afirma um estilo próprio e cuja elasticidade é posta à prova numa colecção de géneros que coloram o disco, do samba ao bolero, do maracatu à capoeira, do jazz lírico aos ritmos quentes. Segundo é doutrina e afirma Maria Rita, com a erudição esperada, no papel de cantora, talvez a melhor do Brasil por estes dias. Com Segundo, Rita emancipa-se definitivamente do genoma. E sempre com brilhantismo. Sempre Maria Rita.

O pequeno-almoço dos pássaros

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Gabriele Munter, Breakfast of the Birds, 1934

segunda-feira, 10 de outubro de 2005

5 rapidinhas



Institute - Distort Yourself (5/10)
Serviços mínimos de Gavin Rossdale, num novo projecto que acolhe a mesma arquitectura sónica dos Bush: uma espécie de pós-grunge, com uns tiques electrónicos (já tinham sido ouvidos no último trabalho dos Bush) e Rossdale no centro do mundo. A equação é simples: Institute = Bush parte II.








Fat Freddy's Drop - Based on a True Story (7/10)
Septeto neo-zelandês que, depois do sucesso doméstico, procura a internacionalização de um som com raízes no reggae e que integra habilmente ligeiras subtilezas electrónicas e elementos de sopro. Um híbrido reggae-soul-funk-jazz que cresce com audições sucessivas. E afinal rasta é igual em Wellington ou em Kingston. A descobrir.
(Kartel/AnAnAnA, Junho 2005)


Posto de escutaWandering EyeThis Room
Para escutar estas amostras necessita do Real Player. Baixe-o aqui.

www.fatfreddysdrop.com






Ok Go - Oh No (5/10)
Pretensamente eles são uma banda rock. Fosse esse género musical apenas feito de mimetismos óbvios (o produtor Tore Johansson até esteve com os Franz Ferdinand no primeiro disco) e os Ok Go estariam na linha da frente. Mas como o rock é mais do que uma simples cópia, este disco resume-se a uma ou duas ideias divertidas. Os rapazes esforçam-se mas soam demais a outras coisas...Salva-se "A Million Ways".
(Capitol, Agosto 2005)








Tony Yayo - Thoughts of a Predicate Fellon (6/10)
Outro dos membros dos G-Unit, Marvin Bernard (a.k.a. Tony Yayo) escreveu grande parte deste álbum, o primeiro da sua carreira a solo, no cárcere e conta com a colaboração de 50 Cent, Eminem, Obie Trice, Lloyd Banks, entre outros. Um álbum que não vai revirar o universo underground mas que apresenta um Tony Yayo capaz de sair da sombra dos outros G-Unit.
(Interscope, Junho 2005)







The Ordinary Boys - Brassbound (4/10)
Os britânicos The Ordinary Boys (buscaram o baptismo na música de Morrissey?) apresentam o segundo trabalho. O timbre aproxima-se de um registo ska, na linha dos The Specials ou dos The Clash, mas os músicos parecem desnorteados, sem um rumo e, mais grave ainda, permanecem excessivamente colados às suas referências musicais, incapazes de tirar da cartola um rasgo de inovação. Um passo em falso.
(B Unique, Junho 2005)


domingo, 9 de outubro de 2005

Richard Hawley - Cole's Corner

Apreciação final: 8/10
Edição: Mute, Setembro 2005
Género: Indie Pop-Rock/Folk/Cantautor
Sítio Oficial: www.richardhawley.co.uk








Ele foi (ao que parece ainda é...) guitarrista de suporte dos britânicos Pulp mas, escondido clandestinamente por detrás de uma voz barítona e côncava, há em Richard Hawley um compositor de escol. Cole's Corner é o quarto capítulo, talvez o mais inspirado, de uma aventura solitária iniciada há cerca de quatro anos. Mantendo o tom intimista (e emocional) consagrado nos trabalhos prévios, Hawley concebe um corpo homogéneo de canções que, rematadas por poemas de lisura melancólica, remontam na mente do auditor as formas da emoção romântica, sem ampliações ou desajustes. Essa noção de proporção é, além da superior casta de composições e arranjos e da voz robusta de Hawley, a impressão mais tocante de um álbum onde tudo parece convenientemente arrumado junto a um altar de veneração de Roy Orbison, Eddie Cochrane, Gene Vincent ou Johnny Cash. Daí decorre o indesmentível cunho retro das músicas que, sem caírem em desmandos anacrónicos, têm um impagável efeito bâlsamico nos melómanos nostálgicos da country-pop de outrora. Cole's Corner é isso mesmo: a oração musicada de um compositor que achou o seu nicho num esconderijo apartado (por quanto tempo mais?) do mainstream, um recanto mágico de um presente feito do antanho, para onde convergem afectos e desgostos, paixões e desencantos que servem de pulso e inspiração.

Conjugando o amor, a perda, o lamento e a saudade com um fundo musical distinto, Hawley desarma as fronteiras do tempo, firma indelevelmente a sua assinatura musical e, mesmo sem remexer o universo, deixa-nos uma obra nostálgica e imaterial. Baptizado com o nome de um renomado ponto de encontro de Sheffield (a cidade natal do músico), Cole's Corner é uma peça de ourivesaria musical, uma confidência íntima, um penetrante retrato da emoção. Ao ouvir o último de Hawley só apetece dizer, em jeito de convite: Sábado no Cole's Corner à mesma hora?

Procure na grafonola as faixas "Cole's Corner", "Just Like the Rain", "Wait For Me", "I Sleep Alone" e "Who's Gonna Shoe Your Pretty Little Feet?"

sexta-feira, 7 de outubro de 2005

Oxigénio

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Título: Oxigénio
Autor: João Lourenço
Fonte: www.olhares.com

quinta-feira, 6 de outubro de 2005

Laura Veirs - Year of Meteors

Apreciação final: 7/10
Edição: Nonesuch, Agosto 2005
Género: Indie Pop/Folk
Sítio Oficial: www.lauraveirs.com








Natural de Seattle, Laura Veirs mantém-se em reservado quase-anonimato, embora este seja já o quarto álbum de um percurso musical que acata os costumes folk da música americana com uma certa vocação pop. A personalidade musical de Veirs é introspectiva e cerebral e perscruta, através de um som polido e arrumado, alguns retratos avulsos de uma vivência marcada pelo romantismo, pela crítica social e pelo exame de temperamentos. Veirs é uma baladeira e afirma-o sem subterfúgios, com o auxílio fiel da guitarra (também da banda de suporte, os Tortured Souls) e uma dose reforçada de crença na espontaneidade. Se esse desafio havia sido ganho com o gentil Carbon Glacier(2004), um álbum que afirmara um compromisso mais atmosférico, simultaneamente pessoal e distante, neste Year of Meteors as composições são mais íntimas e quentes e defendem uma toada de misticismo, ainda que num jeito menos depressivo. A fórmula musical é simples: texturas singelas, essencialmente acústicas, um pouco de electrónica, arranjos apurados e pertinentes, ritmos demorados e um registo vocal (e alma criativa?) próximo de Suzanne Vega, Beth Orton ou Joni Mitchell. O resto é pura metáfora, como se um imaginário de fantasia (o capricho fractal de ficção de Veirs é feito de sereias luzidias, de ursos vibrantes, de pombos adejantes, de fantasmas em reunião e chuvas de meteoros...) fosse a mais modelar exposição da condição humana.

Year of Meteors é um documento musical de revivescências vívidas e surreais, assentes na voz crespa (também doce) de Veirs e numa orgânica musical íntegra. E depois, Veirs deixa-nos um compromisso metaforicamente romântico suspenso em "Spelunking": "If I took you, darling/to the caverns of my heart/would you light the lamp, dear?/and see fish without eyes, bats with their heads/hanging down towards the ground/would you still come around?". Estas são as grutas de Veirs, vamos acender a lamparina e desatar os segredos ou aceitar a melancolia do negrume?

terça-feira, 4 de outubro de 2005

A máscara negra e a rosa

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Gabriele Munter, Black Mask With Rose, 1921

CocoRosie - Noah's Ark

Apreciação final: 6/10
Edição: Touch and Go, Setembro 2005
Género: Indie Rock/Experimental
Sítio Oficial: www.cocorosieland.com








Depois do reconhecimento da crítica com o angélico e essencialmente acústico La Maison de Mon Rêve (2004), as irmãs Casady - Sierra (voz e guitarra) e Bianca (voz e percussão) - aprontaram um registo que, reforçando a delicadeza melancólica do predecessor, se revela mais escuro e mais contemplativo. O teor dolente das palavras que se encostam à orgânica musical minimalista compõe uma fantasia inaudita, aqui e ali quase gótica (sem os quilos de distorções de outros mundos...), da nau com que Noé salvou os bichos e sua família do dilúvio divino. Noah's Ark é, antes de mais, um descerrado acto escapista que conjuga a face bargante da condição humana com o erotismo inocente da urbanidade. E estas irmãs de vozes frágeis, graças a um som despojado, mesmo torturado, inventam um admirável mundo novo, povoado de extravagantes simplicidades, de alma gospel e maneirismos tribais. Instrumentalmente, há um piano que sugere imagens, como um resíduo de cinematografia dissimulada; há batidas esquivas e soluçantes. As vocalizações são subtis, evocam espiritualidades incertas em mantras assombrados e, com a mesma solenidade, desenham a nostalgia pueril de onirismos passados. Depois, há ruídos animais de fundo, a preencher o imaginário icónico da metáfora bíbilica e o amparo de dois mensageiros ilustres: o andrógino Antony e o ubíquo Banhart.

A confissão musical das irmãs Casady é um retrato de caracteres infractores e redenções impossíveis, de partes de um universo apocalíptico e catatónico de drogas e paixões. A arca de Noé é o símbolo do renascimento, do recobramento da infância, de um microcosmo sussurrado de catarse. Diferente de La Maison de Mon Rêve, o novo trabalho de CocoRosie apenas peca por trazer menos substância musical e deixar no ar a sensação de que as composições não passam de bosquejos em caminho assimptótico da completude. Mesmo não sendo um produto musical excelso, Noah's Ark é um competente instrumento de evasão da esfera terrestre. Só não poisa no Monte Ararat.

segunda-feira, 3 de outubro de 2005

Franz Ferdinand - You Could Have It So Much Better

Apreciação final: 7/10
Edição: Sony, Outubro 2005
Género: Indie Rock/Pós-Punk
Sítio Oficial: www.franzferdinand.co.uk








Depois de sacudirem fogosamente o mundo no ano transacto com o disco de estreia, os Franz Ferdinand mostram-se dispostos a repetir a façanha, rebuscando o fulgor sexy e desembaraçado do registo pós-punk que fez deste quarteto escocês a voz de comando de uma rebelião pretensamente regeneradora do rock. Ninguém disse que o rock estava falho de uma revolução mas os Ferdinand fizeram questão de a impôr à custa de riffs de guitarra atrevidos e angulares, melodias extasiantes, percussões que impelem ao saracoteio, trejeitos retro, trovões de ritmos vigorosos e, acima disso tudo, doses incontinentes de inovação. Do aluvião de recobramento da alma rock fundado pelos escoceses, emergiram bandas como os Futureheads, os Dogs Die in Hot Cars, os Hot Hot Heat, os Kaiser Chiefs e os Bloc Party. O baluarte e rampa de lançamento foi o álbum Franz Ferdinand (2004). O andamento do primeiro tomo é denominador comum a You Could Have it So Much Better, ainda que esteja dissipada a impressão de novidade do ano anterior. Ainda assim, a banda continua confiante e a debitar cargas rock inevitavelmente dançantes, cheias de convulsões e viragens inopinadas. A antecipação é improvável na música dos Ferdinand porque a matéria musical dos escoceses é deliciosamente volúvel e imprevisivelmente cativante. Mesmo nos registos mais pausados e esotéricos - as baladas "Eleanor Put Your Boots On" e "Fade Together". Depois, a integridade do som do grupo parece ter atingido outro nível, graças à decoração de Rich Costey (produtor dos Mars Volta), elemento alargador da paleta musical dos Ferdinand que trouxe pitadas de outros universos à casa de Kapranos e companhia.

Mesmo que algumas faixas de You Could Have It So Much Better pareçam versões light dos Ferdinand, o disco esgueira-se ao estatuto de segundo-disco-falhado-depois-de-uma-estreia-pomposa. O novo álbum não se desvia consideravelmente do antecessor mas não deixa de ser um registo com aptidões próprias, solidificando o estatuto destes irónicos escoceses e confirmando-os como um dos ensembles mais entusiasmantes da cena rock actual. A vaga de fundo já foi propagada, agora os Franz Ferdinand surfam inabaláveis na onda. Que isso não lhes traga desleixo...Por ora, aceitando a mofa do título do disco, será que podíamos ter muito melhor?

Procure na grafonola as faixas "The Fallen", "Eleanor Put Your Boots On" e "I'm Your Villain"

sexta-feira, 30 de setembro de 2005

Novo single dos Strokes

O novo single dos Strokes, intitulado "Juice Box", está já disponível para audição no sítio oficial da banda. O novo longa duração chegará às lojas lá para Janeiro. Por ora, sinta-se a onda subliminarmente grunge do single.
Pode descarregar a canção aqui.

quinta-feira, 29 de setembro de 2005

Elbow - Leaders of the Free World

Apreciação final: 8/10
Edição: V2, Setembo 2005
Género: Dream Pop/Indie Rock
Sítio Oficial: www.elbow.co.uk








A órbita dos britânicos Elbow divide-se entre as fórmulas progressivas e um certo psicadelismo indie. Se no primeiro caso há o recorrente risco de as composições se tornarem redundantes, por força de estruturas musicalmente aliterantes, na segunda situação há um chamamento dos sentidos, uma convocação infatigável de jogos da mente. Neste Leaders of the Free World, os Elbow sublinham essa face alucinatória da sua música, deixam de lado o conceito progressivo - eles próprios definem-se como progressivos sem os solos de guitarra - e concebem um disco cru, de temperamento outonal, ensimesmado e ressonante. O terceiro álbum do quinteto inglês articula emoções com precisão e intimidade e arruma-as em enigmas expiatórios, como se a consternação fosse o instrumento redentor da melodia. Depois, a aura deste disco é subtil, quase intáctil na sua identidade quebradiça, no mesmo jeito da voz de Guy Garvey, aparentemente frágil mas com um arrepiante alento.

Leaders of the Free World é um tomo de canções contemplativas e de feições taciturnas que vencem pela espontaneidade. Não é uma peça musical festiva, antes um documento de romantismo àspero, de meditação impulsiva e de embalo lento. Suportado numa excelsa destreza compositiva, o mais recente (e mais bem conseguido...) trabalho dos Elbow é radioso na melancolia e mágico nas sombras - esse encanto apenas se desvanece em alguns momentos menos consistentes do alinhamento - e consagra definitivamente os rapazes de Manchester. A dada altura, Garvey canta: "the leaders of the free world are just little boys throwing stones". Sardonismo político aparte, serão eles os gaiatos?


Para escutar estas amostras, precisa de instalar o Real Player. Baixe-o aqui

quarta-feira, 28 de setembro de 2005

Nickel Creek - Why Should the Fire Die?

Apreciação final: 7/10
Edição: Sugar Hill, Agosto 2005
Género: Folk Progressivo/Tradicional Americana/Bluegrass
Sítio Oficial: www.nickelcreek.com








O terceiro longa-duração do trio californiano Nickel Creek segue as pegadas musicais das edições anteriores e adere a uma causa de harmonias sem tropel, embora com uma porção acrescida de ímpeto e com um vínculo mais introspectivo e taciturno. As composições prescindem da percussão - a excepção são os temas "Helena" e "Best of Luck" - e arrumam-se num formato acústico, numa dinâmica melodiosa de onde sobressai a simbiose magistral entre a guitarra, o bandolim e o violino. Depois, os registos vocais alternantes de Sara Watkins (o irmão Sean completa o trio) e Chris Thile reforçam a orgânica afectuosa do álbum, num timbre outonal e intimista que avoca um afago delicado da face incorpórea do ser humano. E o som dos Nickel Creek é, tambem ele, quase impálpavel, tem algo de atmosférico e volante, tem raízes na country de Hank Williams, Loretta Lynn ou Steve Earle e alastra-se para o rock dos Jethro Tull e a indie pop dos The Decemberists ("Jealous of the Moon" não podia ser deles?). A isso, o trio americano acrescenta um cunho próprio assente numa excelsa tríade de cordas e em arranjos minimalistas, compondo um mosaico sonoro profuso, especialmente notado nos três ensaios instrumentais do disco ("Scotch & Chocolate", "Stumptown" e "First and Last Waltz").

Why Should the Fire Die? é um suave jogo de sombras musicadas que desenham os contornos da tradição bluegrass com o pincel do imediatismo pop. Este disco é talvez o mais creativo do curto percurso da banda mas, se não é um produto irresistível para os puristas do género bluegrass, deve aproximar os Nickel Creek da comunidade indie e servir de referência para uma eventual viragem expansiva do conceito musical do trio. De qualquer das formas, se Why Should the Fire Die? é provincial, é consistente, é arcaico, é moderno...que importa se a palavra country não chega?

terça-feira, 27 de setembro de 2005

Teatro de marionetas

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Paul Klee, Puppet Theatre, 1923

segunda-feira, 26 de setembro de 2005

Kanye West - Late Registration

Apreciação final: 7/10
Edição: Roc-A-Fella, Agosto 2005
Género: Hip-Hop
Sítio Oficial: www.kanyewest.com








Ao pular do anonimato como produtor de outros rappers (Jay-Z, por exemplo) para o sucesso estratosférico com a edição do primeiro álbum (The College Dropout (2004)), Kanye West atraiu sobre si a atenção do universo hip-hop, dos críticos, das editoras, de programas de T.V. e de um culto de milhões de admiradores - e alguns olhares de soslaio - um pouco por todo o mundo. Não sendo um MC de atributos intocáveis, West mascara uma certa frivolidade lírica com um excelso talento no manejo de beats e samples, moldando um suporte musical de gala. A essa condição pomposa e ressonante não é estranha a co-produção de Jon Brion (nunca trabalhara antes no mundo hip-hop) que acrescenta arranjos de cordas e sopros à crueza sonora das texturas de West. Além da música, o alento de Late Registration é a confidência e o intimismo pessoal; essa transposição da alma de West - a substância decisiva do disco é a matriz soul - é o veículo difusor do conceito fracturante (e fracturado?) do músico. Depois, o cometimento de abrir o disco a numerosas colaborações (Jay-Z, Adam Levine, Jamie Foxx, Common, Brandy, Cam'ron, The Game e Nas, entre outros) ocasionou o redimensionamento do jogo musical de West, desfazendo estereótipos da identidade hip-hop e expondo uma propensão evolutiva assinalável.

Late Registration não encerra em si o efeito novidade do seu multi-premiado antecessor mas é uma declaração consistente de maturidade criativa, com estilo e substância que, embora roce a enfatuação aqui e ali, mostra inequivocamente o engenho de West. Mas a destreza do produtor é posta ao serviço do hip-hop ou de outra escola? Kanye West é um artesão de canções invertebradas, de faixas híbridas que se abeiram da matriz musical pop e que se completam com infusões de um rapper (será que ele o é mesmo?) de classe média-alta, um nouveau riche à cata de rimas rebeldes. Mas não é tudo muito plástico?

quinta-feira, 22 de setembro de 2005

Serra da Estrela

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Título: Serra da Estrela I
Autor: Aguinaldo Vera-Cruz
Fonte: http://aguinaldovera-cruz.com

quarta-feira, 21 de setembro de 2005

Sigur Rós - Takk...

Apreciação final: 7/10
Edição: Geffen, Setembro 2005
Género: Pós-Rock/Experimental
Sítio Oficial: www.sigur-ros.co.uk








Nascidos em 1994, no seio da cerração e do frio da Islândia, os Sigur Rós já firmaram um código musical próprio, em violação de convenções e avocando um singular pacto com o som. A marca do colectivo nórdico distingue-se pela construção de uma atmosfera celestial (e mesmeriana) que deriva de uma orgânica sonora delicada - onde coabitam meticulosamente o piano, a guitarra, os sopros e substâncias etéreas (como a voz de Jonsi Birgisson) - e farta de teatralidade extraterrena. É essa a intuição que se desprende dos acordes volantes, das notas movediças e do feitiço vocal dos Sigur Rós; é a contemplação subconsciente de uma outra dimensão, de um universo paralelo que não existe mas que germina infalivelmente em altares imaginários no espírito do auditor. Takk ("Obrigado" em islandês) é o fruto glacial mais recente dos Sigur Rós e, mantendo a acuidade típica do grupo, mostra composições menos rebeldes, também mais próximas do formato canção, ainda que conservando uma feição distintiva dos islandeses que divide o seu som, com erudição, entre a ampliação orquestral e o intimismo despojado. Takk - o primeiro disco cantado em islandês e não no dialecto imaginado pelo grupo para os outros discos - é também o registo mais acessível e directo dos Sigur Rós. As texturas divulgam um compromisso instrumental acrescido, a voz é relegada, torna-se eventual como um recurso acidental. Depois, o quarto disco do ensemble escandinavo busca êxtases menos funestos e reencontra-se pacificamente com a ingenuidade do bucólico, num jogo ambivalente que constrói um repto inquietante à emoção e oferece, de seguida, a catarse para os sobressaltos induzidos.

Esgotado o efeito novidade, mantêm-se a mística fria e a magia quase mitológica de um dos mais inventivos conceitos da cena musical. Sem surpresas técnicas, Takk é contagiante e menos hermético do que os antecessores e expande a música dos Sigur Rós para a contemplação e a materialidade. Feito de música mais tangível, Takk remete-nos para uns Sigur Rós ditosos (em euforia?), sem hipoteca da sua condição dramática, mas aquém do zénite experimental de Agaetis Byrjun. Ainda assim, Takk é um encantatório anúncio do Outono que se avizinha e impõe um conselho: quando as temperaturas baixarem, nada melhor do que esquentar orelhas com headphones ao som do último trabalho dos Sigur Rós. Um takk para os rapazes também por isso.

Posto de escutaGlósóliSaeglopurGong

terça-feira, 20 de setembro de 2005

Alinhamento

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Título: Alinhamento
Autor: Aguinaldo Vera-Cruz
Fonte: http://aguinaldovera-cruz.com

segunda-feira, 19 de setembro de 2005

Part Chimp - I Am Come

Apreciação final: 8/10
Edição: Rock Action
Género: Noise Rock/Metal/Stoner Rock
Sítio Oficial: www.partchimp.com








Uma emboscada além da compreensão, um minuto-e-trinta-e-seis segundos arremessados ao ouvinte com despudor, assim se inicia I Am Come, o novo (e segundo) trabalho dos Part Chimp. A melodia é trocada, em adultério exercitado conscientemente, pela descarga eléctrica incessante, buliçosa, repetitiva, igualmente angustiada e furiosa. A voz insinua-se e, com fragilidade, tenta sobreviver num oceano de ruído e distorção. A violação pungente dos canais auditivos é uma patologia do colectivo britânico, rebela-se em cada segundo de depravação sonora contra convenções. A alienação de I Am Come é um fim e um meio, como um terramoto saturante que jamais se esgota ou um manancial em tempo algum exaurido. E o fluido inspirado que escorre das entranhas dos feedbacks e guitarras angulares do álbum redunda numa incessante hipnose do ouvinte, em crescendo com o disco. Saturador e sufocante ou irresistível? Literalmente, I Am Come é o contraposto psicadélico do rock actual e assume-se como o protótipo da evolução seguinte. Os Part Chimp votam-se ao desalinho, são terroristas sem paralelismos e assinam um registo inebriante, caótico e demolidor.

A dinâmica de I Am Come é sonicamente intensa mas não há uma nota fora de lugar, a concisão do discurso está em proporção. Depois, o composto musical dos Part Chimp é tão volumoso que faz corar de desonra qualquer banda de noise-rock. Se há música capaz de demolir construções, Tim Cedar e seus pares são a filarmónica certa para esse ofício e I Am Come o bulldozer infalível. Efeitos secundários prevísiveis: impulsos descomedidos para insistir na audição repetida do disco e...uma mais que provável consulta no otorrinolaringologista! Imperdível.

Procure na grafonola as faixas "War Machine", "Bring Back the Sound" e "30 Billion People"

sábado, 17 de setembro de 2005

Fim de tarde

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Título: fim de tarde
Autor: Adilson Faltz
Fonte: http://faltz.nafoto.net

sexta-feira, 16 de setembro de 2005

Nine Black Alps - Everything Is

Apreciação final: 6/10
Edição: Universal, Agosto 2005
Género: Pop-Rock/Grunge
Sítio Oficial: www.nineblackalps.net








O quarteto Nine Black Alps é oriundo de Manchester mas o epicentro do seu rock é a Seattle dos anos 90 e, por isso, o colectivo apresenta-se em feições neo-grunge que conciliam composições com mais peso e alguns anexos melódicos. O passo frenético das faixas rock (com sinais miméticos dos Foo Fighters, ainda que Sam Forrest revele uma versatilidade vocal maior do que Grohl) é sopesado pelos fragmentos de acalmia introduzidos pelas canções que rejeitam as distorções e hospedam texturas sonoras mais introspectivas. Everything Is é um disco de alma rock com guitarras estrepitosas, percussão enérgica e a sensibilidade pop que Cobain tão bem acoplou à sua música. Herdeiros do legado Nirvana (as similitudes não são muitas...), os Nine Black Alps não se impõem rigidamente o formato grunge e dão a conhecer méritos eclécticos noutros campos: "Behind Your Eyes" (ode acústica com vínculos psicadélicos) e "Intermission" (balada acústica e relaxante).

Everything Is é um exercício rock aceitável, um frenesi púbere de energia, um casamento electrizado e negro entre o purismo punk e o conceito pop. A mecânica Nirvana/Foo Fighters/Buzzcocks (Pixies também?) serve de matriz para estes rapazes britânicos mas, ainda que a espaços as boas ideias sejam convertidas em canções nobres, eles não parecem ter ainda unhas para tocar esta guitarra. Alguma incúria e facilitismo a menos, comedimento e alma acrescidos e uma balizagem mais focada dos seus propósitos e os Nine Black Alps podem vir a tornar-se uma alusão relevante. Por ora, eles não são mais do que outra banda evocativa da dádiva grunge e Everything Is não é mais do que um razoável cartão de visita. Serviço mínimo.

Procure na grafonola as faixas "Cosmopolitan", "Not Everyone" e "Behind Your Eyes"

quarta-feira, 14 de setembro de 2005

Pedalando ao amanhecer

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Título: Pedalando ao amanhecer
Autor: Adilson Faltz
Fonte: http://faltz.nafoto.net/

terça-feira, 13 de setembro de 2005

The New Pornographers - Twin Cinema

Apreciação final: 8/10
Edição: Matador, Agosto 2005
Género: Indie Rock/Power Pop
Sítio Oficial: www.thenewpornographers.com








O colectivo The New Pornographers integra Carl Newman (dos Zumpano), Neko Case (como vocalista convidada), John Collins (dos Thee Evaporators), Dan Bejar (dos Destroyer), o guitarrista Todd Fancey, o teclista Blaine Thurier e o baterista Kurt Dahle. Sediado em Vancouver, o super-grupo canadiano tornou-se matéria de culto desde a edição de Mass Romantic (2000) e especialmente de Electric Version (2003), pelo que as expectativas de antecipação de Twin Cinema eram elevadas. O terceiro trabalho de estúdio do grupo aprova o mesmo esquema estético dos seus antecessores, subscrevendo um compromisso com eufonias delicadas e um som luzidio e livre de impurezas, em composições cativantes e construídas com elegância. A opulência na justa medida das canções é o certificado de um som que, sem soar anacrónico, evoca a pop clássica dos anos 60 e 70 (um pozinhos dos Kinks..?) e é aconchegado por uma produção destra e que empurra o registo dos The New Pornographers para uma toada enigmática que fica equidistante da sedução inquietadora e do conforto intimista (lembram-se do disco The Slow Wonder de Newman?). Àquela componente inveterada, o ensemble acrescenta um entusiasmo fervoroso e expansivo que, aliado à diversidade vocal das canções, impõe uma insígnia de coesão power-pop à estrutura verso-refrão-verso. Contudo, o simplismo dessa regra serve apenas de fundação a texturas além-fórmulas que afirmam uma certa complexidade rítmica, desenhada em multi-camadas sobrepostas com sobriedade e que não perdem o imediatismo.

Twin Cinema não mudará o sentido de rotação da Terra dada a dimensão reduzida do seu impulso inovador. Todavia, o disco escapa ao vulgar plagiato do universo pop, negando os clichés e assumindo, de corpo inteiro, a efervescente idealização de Newman e seus pares, no resgate de sonoridades julgadas extintas e no risco de as moldar delicadamente a uma identidade remoçada. E desse (re)arranjo nasce uma assinatura de autor. E um grande disco.

segunda-feira, 12 de setembro de 2005

Composição

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Título: Composição
Autor: Guacyr Aranha
Fonte: www.olhares.com

domingo, 11 de setembro de 2005

Rocky Marsiano - The Pyramid Sessions

Apreciação final: 8/10
Edição: Loop Recordings, Maio 2005
Género: Sampling/Hip-Hop/Eletro-Jazz
Sítio Oficial: www.looprecordings.com








Rocky Marsiano é o novo alter-ego de D-Mars, um veterano do hip-hop nacional (nascido na Croácia e importado pela cena nacional há treze anos) que firmou o seu perfil musical graças ao envolvimento nos projectos Zona Dread, primeiro, nos Micro, depois, e mais tarde a título individual, com o disco Filho da Selva (EMI, 2003). Agora pela mão da Loop Recordings, o produtor afirma um traço não revelado antes e busca uma identidade distinta, percorrendo o universo jazz com a destreza e experiência de um sampler versado e amplitude de visão de um MC experimentado. Deixando de lado as rimas que compunham os seus retratos anteriores, Marsiano engendrou um álbum quase integralmente instrumental, facultando à música (e à produção) o protagonismo maior e ao groove o encargo simbiótico de fundir o improviso jazz e a filiação hip-hop de D-Mars. A integração dos loops é quase intuitiva, como se cada pedaço raptado das relíquias de vinil cobrisse por inteiro um espaço inconscientemente pré-reservado para si. A pulsão do álbum desenha um conceito próprio de jazz, uma síntese catalisadora de guitarras, pianos, instrumentos de sopro e vibrafones, entrecortados pela presteza da percussão e pela habilidade no scratch. A componente técnica de The Pyramid Sessions merece, pois, distinção especial, certificando D-Mars como produtor na primeira linha nacional e músico de valia indesmentível.

A par dos enigmas desta pirâmide fecunda, D-Mars traz-nos pequenas preciosidades, verdadeiras pérolas de malabarismo musical que devem ser destapadas com a deferência devida às grandes obras. Respeitando coordenadas de um esqueleto musical pré-definido, D-Mars corta-e-cola, sobrepõe, soma e subtrai com a alma de um criador genuíno. Seja considerado um disco de jazz musicado em hip-hop ou o inverso, The Pyramid Sessions exprime-se num código musical gracioso e lídimo, quase exclusivo e digno de figurar na mais fina estirpe nacional para este ano.

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sexta-feira, 9 de setembro de 2005

Um son(h)o descoberto

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Título: Sem título
Autor: Alberto Monteiro
Fonte: www.albertomonteiro.com

quinta-feira, 8 de setembro de 2005

Minus the Bear - Menos el Oso

Apreciação final: 6/10
Edição: Suicide Squeeze, Agosto 2005
Género: Indie Pop-Rock
Sítio Oficial: www.minusthebear.com








Oriundo de Seattle, o quinteto Minus the Bear apresenta o seu quarto longa-duração numa matriz rock hiperactiva que, derivando de riffs com nervo, promove a construção de um edifício sónico algo complexo que consegue o fito improvável de conjugar as texturas power chord dos Jimmy Eat World e o apuro dos Q and Not U. A precisão matemática e o sentido de simetria das guitarras (a proficiência dos músicos é inatacável) é a substância primordial de Menos el Oso já que a voz de Jake Snider resvala, a par das letras prosaicas e da monotonia das melodias, para uma banalidade no limite do tolerável. Mesmo o delicioso e niilista traço de aleatoriedade dos títulos das composições dos discos anteriores foi afastado deste Menos el Oso e trocado pela vulgaridade de títulos como "The Fix" ou "Fulfill the Dream". Esquecido o detalhe do baptismo das faixas, o alinhamento do álbum é um desfile de trivialidades, salvando-se a técnica dos músicos e a aparição pontual de um higiénico subterfúgio electrónico.

Menos el Oso envida um novo paradigma dos Minus the Bear: os espasmos dos trabalhos anteriores são trocados por um som mais angular e refinado (também mais aborrecido?). E esta reinvenção favorece-os? Aceitam-se réplicas. O formato é subliminarmente diferente mas o mote é o mesmo: romantismo loja-dos-trezentos em histórias quase néscias de amores regados com álcool, de amizades malogradas e de memórias frustradas. A certo instante Snider prosa assim: "I saw her with another man walking downtown/ She's not mine and she'll never be/ By my side walking downtown/ I only met her once before/ She was alone in a back booth/ A drink and a cigarette/ Smoking like she was waiting for someone/ Me stealing glances as she stole my breath/ The next one's on me". Dê-se o devido crédito aos músicos - afinal Menos el Oso contém algumas boas ideias tecnicamente bem interpretadas - mas sirva-se uma bebida a Snider. Com perseverança, talvez a moça aceite passear com ele...

Aqua Matrix

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Título: Aqua Matrix
Autor: Aguinaldo Vera-Cruz
Fonte: http://aguinaldovera-cruz.com

quarta-feira, 7 de setembro de 2005

The Magic Numbers

Apreciação final: 7/10
Edição: Heavenly, Junho 2005
Género: Indie Rock/Folk
Sítio Oficial: www.themagicnumbers.net








O quarteto Magic Numbers tem raízes em Londres e é formado por dois pares de irmãos - Romeo e Michele Stodart e Sean and Angela Gannon. Este álbum epónimo, também o primeiro trabalho do grupo, remete o ouvinte para a toada relaxante e harmoniosa da folk e do pop-rock dos anos 60. O som é directo e não se fecha na intuitiva nostalgia dos Mamas & Papas, de Brian Wilson ou de Dylan; a esse ilustre compadrio, os Magic Numbers acrescentam laivos de intemporalidade, concebendo uma marca sónica própria que deriva de estruturas melodiosas onde a guitarra e o baixo dialogam permanentemente, servindo as vozes o propósito simbiótico de unificar as partes. Depois, a verosimilhança inata das composições, a naturalidade do discurso e a ductilidade do som da banda conferem a Magic Numbers uma lisura superlativa. Impossível é não gostar deste registo imediato (não é sinónimo de simplista) e transgeracional, para avós (pela sensibilidade retro) e netos (pela fusão modernista), engenhosamente ornado por arranjos instrumentais e vocalizações múltiplas e com uma produção correcta. Todavia, a um certo comedimento na produção acresce o ajuste, em instantes do disco, a rudimentos na composição que, não minorando o feitiço saudável das canções, as torna subliminarmente aliterantes. Mas não é dessas vulnerabilidades que abrolha o tímido vigor deste disco?

Magic Numbers é um álbum com duas metades diversas. A primeira, mais recreativa e rock, tem alma veraneante e provoca um efeito colateral: dança hippie incontinente. A outra parte é simultaneamente traumática (os inevitáveis amores perdidos...) e terapêutica e expõe as fragilidades emocionais na forma clássica de balada pop ou country. Promissor, equilibrado e poético, Magic Numbers é um disco de decifração fácil e de aritmética sem mistérios: as doze (12) faixas são mesmo números mágicos. Com uma estreia assim, se o quarteto tiver a sensatez de corrigir os desvios, só pode confiar-se que, algures no porvir dos Magic Numbers, estará uma obra-prima. Enquanto ela não chega, vale a pena descobrir este trabalho.


Procure na grafonola as faixas "Forever Lost", "Mornings Eleven", "Long Legs" e "I See You, You See Me"

terça-feira, 6 de setembro de 2005

Sob o guarda-sol

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Título: Sob o guarda-sol
Autor: Adilson Faltz
Fonte: http://faltz.nafoto.net/

segunda-feira, 5 de setembro de 2005

Kubik - Metamorphosia

Apreciação final: 8/10
Edição: Zounds, Agosto 2005
Género: Electrónica Vanguardista/Samples
Sítio Oficial: www.zounds.pt/bands/kubik/biog.html








O guardense Victor Afonso regressa às edições discográficas depois do inesperado Oblique Musique, lançado em 2001. Em Metamorphosia é mantido o acento tónico na componente experimental das composições, em rompimento declarado de convenções ou pretensiosismos. A vertente manifestamente vanguardista das orgânicas electrónicas é revigorada e, mediante a assunção de um risco acrescido, a sonoridade é mais minuciosa e dedica um relevo maior ao detalhe, sem medo da excentricidade (sempre controlada...) de repudiar estruturas de canção tradicionais. O som é objecto de alquimias repetidas, de subversões lúdicas, de fragmentações intencionais, de colagens e sobreposições que seguem os princípios criativos da bricolage de Afonso. A manipulação electrónica é o denominador comum do disco e o veio essencial da metamorfose musical do universo de Kubik, um labirinto conceptual e híbrido, um mundo uno e indivisível, um terreno bravio que apetece explorar ao milímetro. Desse espaço sónico provém um fluido musical invulgar, produto misterioso e progressista de um génio tímido cuja assinatura deixa um lastro quase-dadaísta, qual salteador que rouba pedaços de música ao seu habitat e os sobrepõem em encenações imagéticas multi-camadas, de cargas energéticas contrastantes e que remexem, de jeito surreal, o status quo. Victor Afonso tem uma linguagem musical própria, um código agitador de turbas; Metamorphosia é disforme na dimensão caótica das texturas, é ousado na liberdade criativa e revela-se um nicho polimórfico de plenitude musical.

Metamorphosia é, em si mesmo, um compromisso com coisa nenhuma, um documento musical livre e fatalmente cativante, uma nascente incorruptível, um baú de quimeras descerrado. A preencher o imaginário do álbum destacam-se os vultos de Adolfo Luxúria Canibal, Old Jerusalem (dá para o reconhecer em "I'm a Vampire, I'm Disgust"?), Américo Rodrigues (lembram-se do disco Aorta Tocante feito a partir de vegetais?) e César Prata (do projecto Chuchurumel). Aos outros ilustres convivas desta metamorfose, não se lhes vê o corpo...mas a alma diz presente; é como se Patton, Zorn, Ladd, os cLOUDDEAD, Zappa, os Residents e os Neu se houvessem reunido num sarau heterodoxo em serrania da Guarda. Ou no intelecto de Kubik. Candidato a melhor nacional do ano, Metamorphosia é um disco imperdível.


Procure na grafonola os temas "Sound Nest", "Cannibal Vegetables" e "I'm a Vampire, I'm Disgust"

Narcissus

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Caravaggio, Narcissus, 1597

quinta-feira, 1 de setembro de 2005

Holopaw - Quit +/or Fight

Apreciação final: 7/10
Edição: Sub Pop, Agosto 2005
Género: Indie Rock/Folk/Lo Fi
Sítio Oficial: www.holopaw.net








O segundo trabalho do projecto Holopaw, liderado pelo guitarrista/cantor/compositor John Orth, adere ao formato folk intimista, em detrimento da doutrina country que imperava no disco de estreia. Evocativo de uma atmosfera sonora polida e atraente, Quit +/or Fight alvitra a simplicidade como dogma maior de composições escuras de melancolia e tíbias de ânimo. As aposições orgânicas nas harmonias dos Holopaw são menos afirmativas mas, ainda assim, fermentam a coesão de um álbum cujas forças motrizes são a intimidade desarmante e a captação apurada do quinhão tangível da solidão. O selo idiossincrático da escrita dos Holopaw é um timbre folk atilado e lo fi, com o suporte de arranjos comedidos e da elasticidade e excentricidade vocal de Orth, compondo uma irrecusável convocação para antever, no pacto latente entre as faixas do alinhamento, o fragmento sumido de um universo quebrado em si mesmo e que se recobra e regenera nas sinergias transversais das melodias de fada de Quit +/or Fight. Depois, a banda parece ter subscrito um convénio de magreza das composições: à excepção da balada "Shiver Me", as canções raramente suplantam os três minutos. Continência (em prejuízo do valimento do disco...) ou isolamento requintado da melancolia?

Quit +/or Fight é outra jornada do esquadrinhamento dos interstícios da folk que os Holopaw espreitam na luminescência acanhada do charme de um bom núcleo de canções. Se isso não basta para espertar a curiosidade, Michael Johnson (baterista e teclista da banda) tributa uma burlesca descrição do quinteto e suas causas: "a queer, a Peruvian, a redneck, a burnout, and an asshole walk into a bar...". Agora só falta ouvir o disco.

quarta-feira, 31 de agosto de 2005

Depois da tempestade

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Título: Depois da tempestade
Autor: Miguel Almeida
Fonte: 1000Imagens

terça-feira, 30 de agosto de 2005

5 rapidinhas


Kent - Du & Jag Döden (7/10)
Rock melancólico oriundo da Suécia (e cantado em sueco) e que abraça o tema da morte (o título é traduzível para: Tu e Eu, Morte). A formatação pop das composições, sem lamechices, transporta uma minuciosa atracção para melodias etéreas, graças a uma produção cuidada e a arranjos de bom nível. Num registo vizinho de Muse-meets-Radiohead, o charme escandinavo das harmonias dos Kent é apelativo e faz de Du & Jag Döden uma edição curiosa e um bom motivo para aprender sueco.
(BMG, Março 2005)







Marc Leclair - Musique Pour 3 Femmes Enceintes (5/10)
Mais conhecido pelo trabalho sob a assinatura Akufen, o canadiano Marc Leclair regressa, três anos depois, com um novo trabalho de estúdio onde se mantêm os preceitos fundamentais da sua música: um timbre ambiental e electrónica, algum experimentalismo vanguardista e um toque minimalista. Neste registo, a incursão experimental é reforçada pelo recurso a tons atmosféricos, em padrões que se prolongam indefinidamente. A essa condição errante junta-se uma certa repetitividade que empurra o álbum para uma tendência monocórdica, preenchida por ruídos vogantes sem fito. O efeito relaxante é razoavelmente conseguido, ainda que à custa de menor preponderância da melodia - aqui sobrepujada pelo quase-improviso. Ainda assim, Leclair traz-nos uma ode consistente à gravidez da mulher, feita de puros pedaços electrónica vanguardista, com alguns excessos e que não desgostará os seguidores da carreira do produtor canadiano.
(Mutek, Abril 2005)







Zuco 103 - Whaa! (6/10)
Sediado na Holanda, o trio Zuco 103 (Lilian Vieira, Stefan Schmid e Stefan Kruger) faz uma mistura de bossa nova e samba com sonoridades jazz, funk e electrónica dançável. Este é o terceiro álbum da carreira do trio e parece menos "brasileiro", acolhendo embalos típicos da América Hispânica e Central. Esta derivação para a exploração de novos sons não é estranha à presença do lendário músico jamaicano Lee "Scratch" Perry que, embora remeta o som do grupo a renovadas dimensões, não acrescenta substrato suficiente para fazer deste disco uma edição muito diferente das anteriores dos Zuco 103.
(Ziriguiboom, Junho 2005)







Apparat - Silizium EP (6/10)
O berlinense Sascha Ring apresenta-se num registo polimórfico, em oscilações entre a electrónica e o recurso a instrumentos acústicos. A imprevisibilidade das composições cria no auditor uma energia de expectativas ambiciosas que se renovam a cada segundo e a originalidade marca pontos desde o início do alinhamento. Originalmente gravado numa sessão com John Peel e com a contribuição de um talentoso ensemble de cordas (chamam-se Complexácord), Silizium é uma massa sónica versátil de verdadeira música electrónica inteligente, redimensionada a uma expressão quase orquestral. As vocalizações de Raz Ohara dão uma ajuda preciosa e o registo só sai penalizado pela presença no alinhamento de quatro remixes, além de cinco originais, que não atingem o brilhantismo dos temas de Ring.
(Shitkatapult, Fevereiro 2005)







Nitin Sawhney - Philtre (6/10)
Nitin Sawhney é um dos mais respeitados e talentosos produtores e compositores do Reino Unido e está de volta com um novo trabalho. Philtre mostra o habitual cruzamento de estilos, num registo de fusão que combina as batidas electrónicas, o trip-hop e o jazz vanguardista com instantes de inspiração asiática. Escutar este álbum é percorrer transversalmente a tradição indiana, a folk Bengali, o flamenco, os blues, a soul e o R&B, aqui esmeradamente misturados num som elegante. Às vozes convidadas de Vikter Duplaix, Reena Bhardwaj (estrela das bandas sonoras Bollywood), dos Ojos de Brujo, de Fink (dos Ninja Tunes) e Jason Singh, além das colaborações habituais, unem-se as vibrações únicas das cítaras, das flautas e do piano. A vibração emocional de Philtre é garantida mas o disco não acrescenta nada de inovador ao repertório de Sawhney e algumas composições parecem meras colagens de outros álbuns do músico. Fórmula esgotada?
(V2, Maio 2005)

Posto de escutaSítio Oficial