apARTES - Palavras Sobre Artes

2008-09-12T16:17:00.005+01:00

Depois de ponderar aturadamente sobre o assunto, creio ter chegado a altura de dar um repouso ao apARTES. A despedida dificilmente será definitiva e irreversível - a arte, e a música em particular nunca deixarão de merecer a minha devoção - mas, volvidos quase quatro anos de publicação, muitas centenas de horas de dedicação e mais de um milhar de resenhas escritas, com o inevitável (e gigantesco) prejuízo de outras esferas da minha vida, é agora o momento de repensar prioridades.

Agradeço humildemente a todos os que partilharam esta viagem comigo e que fizeram do apARTES um espaço reconhecido e lhe deram uma dimensão infinitamente superior à que imaginei quando o criei. A todos os visitantes e opinantes que por aqui passaram nestes quatro anos, o meu sincero tributo. A vossa paciência foi a minha recompensa.

Esta casa continuará a ser de todos.

A porta dos fundos fica aberta (acpinto@gmail.com).

E, talvez um dia, uma brisa sacuda o pó que há-de cair sobre os móveis.

The Bug - London Zoo

2008-08-30T12:20:00.004+01:00

8/10
Ninja Tune
2008
www.myspace.com/
thebuguk

O estampido mediático da geração dubstep acabou por entronizar o clã da Hyperdub, com Burial ou Kode9 à cabeça, na incumbência de porta-estandartes dos modernos resíduos sónicos do underground londrino, mas omitiu (injustamente) outros protagonistas que, na periferia do tropel, já haviam inscrito produtos seus no histórico da música urbana da capital inglesa. Kevin Martin, vulgo The Bug, deixara pistas temporãs no sólido (e proporcionalmente) ignorado Pressure, de 2003, num momento em que o dubstep era, ainda, um código pouco mais do que marginal. Desse trabalho peregrino, interpretativo e divulgador - e que serviu de trampolim para adiantar pressupostos do que viria a seguir -, resta hoje apenas uma memória distante. De então para cá, o dubstep propagou-se titanicamente para fora das selvas urbanas de Londres, mostrou-se pujante nos radares da novidade (que nem era) para, depois, lentamente esvaecer com o brilho tímido de um fogo-fátuo. Culpa da voragem editorial (e dos públicos) pelas coisas novas ou não, a hipnose colectiva do dubstep parece ter-se consumido na sua própria claustrofobia e na paranóica modorra que lhe servia de musa. Mas onde Burial ou Kode9 enxergaram as silhuetas de uma cidade deprimida e apática, cedente a narcoses múltiplas e à cata de outras catarsias e formas de expressão, o "insecto" Martin pressentiu energias em convulsão. Ao invés de se deixar seduzir pelo lado indolente (e simultaneamente ansioso) das depressões da era moderna, Martin - como já tinha destapado nos Techno Animal - encontrou refúgio no desassossego espasmódico.

Ele não se rende aos embaraços do urbanismo hodierno, faz-se a eles olhos nos olhos, é socado e agride; mas expurga essa experiência como um sobrevivente indomável, um homem-bomba saturado de dinamite e pronto para (começar) o apocalipse. Quem move os cordelinhos não é o lotado zoo londrino, tampouco as suas rasoiras sociais: o engenho explosivo é, aqui, a verve de Martin. London Zoo faz alarme bombástico sem ser alarmista, é hiper-concentrado de ideias e compinchas (Ricky Ranking, Flowdan, Warrior Queen, Spaceape, Roger Robinson e Tippa Irie fazem a trupe) e desvenda o semblante insano e inflamado da música delinquente de Londres. Esfumada a incógnita do dubstep, assentes as poeiras da primeira (e mais calma) rebelião, remexidos os escombros e escrutinados os sobreviventes, Kevin Martin tem, finalmente, espaço para fazer valer créditos. E, agora que passou a caravana do dubstep, é tempo de recuperar para as garagens de Londres a órbita do negro entusiasmo pelos sons caribenhos, pelo timbre ragga e pelo peso sincopado do grime. A produção tem proporções imaculadas, domando bem a atracção pelo excesso - que sempre foi regra na ética criativa de Martin - e posicionando os registos vocais com acuidade. O resto, com o mesmíssimo equilíbrio, é melodia, é tensão, é impaciência exuberante. Abramos o mundo à infestação do insecto, ele é a zagaia da segunda (e oportuníssima) revolução do submundo londrino.

Posto de escuta Amazon

Weezer - Red Album

2008-08-26T10:50:00.004+01:00

6/10
DGC
Interscope
2008
www.weezer.com

Apesar da idealização quase instantânea que mereceram junto da comunidade melómana desde os primeiros trabalhos editados, os californianos Weezer experimentaram a hesitação própria de uma banda pouco preparada para o êxito. Depois de um par de álbuns chegarem ao mercado (Weezer, de 1994, e Pinkerton, o auto-renegado disco de 1996) e os consagrarem como um dos valores emergentes do rock alternativo americano, Rivers Cuomo e seus pares cessaram actividades, não só pelos inúmeros episódios de cisão no interior da banda, mas sobretudo pela insatisfação com o rumo trilhado até esse momento. Pinkerton e o arrependimento público da banda em tê-lo feito - o que acabou por atribuir ao disco, mais tarde, um estatuto de culto -, foi a derradeira lesão num colectivo a mãos com o ónus do mediatismo. A falsa partida dos Weezer deixara, contudo, a semente de um fenómeno de culto que, além de não perecer com o termo anunciado da banda, acabou por motivar uma expressiva onda de expectativas quanto a um regresso. Ele aconteceria quatro anos mais tarde, trazendo a banda a um som mais voltado para grandes arenas, sem abandonar a genética geek de pós-grunge descomprometido que, tanto gráfica como musicalmente, fora substrato essencial dos primeiros discos. A escrita de Rivers Cuomo mostrava-se consistente e a sua trupe retomava, com uma passada mais firme, o percurso interrompido sem aviso. A Green Album (2001), tido como um dos registos mais sólidos da discografia Weezer, seguiu-se Maladroit (2002), um vibrante exercício de aproximação ao lado mais "pesado" do rock melódico. Canções pop, servidas a guitarra eléctrica volumosa e com refrões orelhudos, eis a fórmula da segunda pele dos Weezer.

Depois de um pouco inspirado Make Believe (2005), a banda retoma a estratégia dos álbuns homónimos - depois diferenciados por terceiros em função da cor dominante da capa - para reafirmar-se. O formalismo pop não está em questão, ele é a matéria de subsistência da banda, mas até visualmente - vide a capa do disco - os Weezer parecem levar-se menos a sério. No lugar do fidelíssimo aspecto nerd de outrora, aparecem agora, em manifesta imbecilização do estatuto de estrela, quatro figurões de universos contrastantes, do hippie de última geração (a lembrar Devendra Banhart), ao engravatado republicano, ao cowboy bigodado de meia-idade e ao descontraído rock star. Mas mais do que a aparente desordem na indumentária, o disco também revela confusões estéticas pouco habituais nos Weezer. Atrás da idiossincrática harmonia de Cuomo - que, também aqui, produz óptimos momentos ("Troublemaker" ou "Pork and Beans", por exemplo) -, mora alguma irresolução entre a majestade rock e registos mais intimistas. Nenhum mal em exibir um lado mais introspectivo (que nem é totalmente novo), mas ao fazê-lo os Weezer arriscam um quinhão significativo de si mesmos. E a caricatura final, transformada em música, pode ficar tão irrisória (e ambígua) quanto a capa do álbum. O que, inevitavelmente, ofusca as (poucas) boas ideias.

Posto de escuta Troublemaker Pork and Beans The Greatest Man That Ever Lived

Ry Cooder - I, Flathead

2008-08-25T11:00:00.004+01:00

6/10
Nonesuch
Warner
2008

Reconhecido como um guitarrista do escol americano contemporâneo e um dos compositores mais inventivos da Califórnia, Ryland Cooder é também um dos mais acérrimos defensores do tradicionalismo. Nesse sentido, ele é um dos icónicos intérpretes dos sons herdados da história da música americana, mormente das heranças magnas do country poeirento e da folk envelhecida de Johnny Cash, de Pete Seeger ou de Bob Dylan. É nessa ramada genealógica que, como outros trabalhos da discografia de Cooder, se inscreve este I, Flathead (deliciosa referência travestida ao universo de Isaac Asimov...), assinado pelo alter-ego Kash Buk. Ao lado dessa identidade manifestamente "americana", o californiano deu-nos alguns belíssimos exercícios isolados de difusão da música do mundo - que, entre outros, mostraram ao mundo o indiano VM Bhatt, o cubano Manuel Galbán ou o malogrado maliano Ali Farka Touré -, então revelando ânimos exploradores que, paulatinamente, se foram alastrando às suas criações mais tradicionais. A trilogia agora encerrada com este disco, dedicada à California, é uma evidência dessas contaminações estéticas e também de um activismo sócio-político vivo, sinónimo de uma mente musical desperta para o mundo além da música. Em todo o caso, a despeito da competência do costume, I, Flathead soma pouco à extensa discografia de Cooder. Com uma ou outra excepção pontual, as canções refugiam-se tecnicamente nas zonas de conforto que o músico domina, sugerindo, ainda assim, uma viagem imaginativa (e escrita no booklet) de Kash Buk - ao som de honky tonks e boogies -, pela multiplicidade étnica e marginal da California e seus símbolos, os nipo-americanos, os nativos, os latinos e um surrealista mecânico extra-terrestre. A música não acompanha a diversidade simbólica e o exotismo da narrativa escrita, mas não deixa de contemplar momentos de sabor fino, a situar definitivamente a música de Cooder no habitat natural. E isso é, em quaisquer circunstâncias, um facto bem-vindo.

Posto de escuta Steel Guitar Heaven|Pink-O Boogie |Filipino Dancehall Girl

Um peixe com asas para voar...

2008-08-21T09:51:00.003+01:00

Já a rodar com o devido destaque nas rádios nacionais mais atentas ao fenómeno da música menos comercial feita cá no burgo, o novo single dos bracarenses Peixe:Avião conhece agora manifestação em vídeo. Chama-se "O Arame é uma Espera" e é o cartão de visita da estreia em disco de uma das mais suculentas revelações das safras contemporâneas da criação musical nacional. O álbum chega aos escaparates a 15 de Setembro, com a chancela da Rastilho. Fica aí o vídeo...

Lindstrøm - Where You Go I Go Too

2008-08-20T11:16:00.003+01:00

7/10
Smalltown Supertown
2008
www.myspace.com/
feedelity

Nos tempos que correm, o produto musical é um activo de formas cada vez menos padronizadas. O advento da era digital criou não apenas outros mecanismos veiculares de divulgação (com o MySpace à cabeça), mas também suscitou, por arrastamento, um interesse renovado nos formatos mais curtos (os 12" ou o EP, por exemplo). No orbe electrónico, essa evolução - e a consequente depreciação do conceito de álbum - assume contornos paradigmáticos. A discografia do norueguês Hans-Peter Lindstrøm é espelho disso mesmo, com inúmeras edições avulsas nos tais formatos curtos e outros tantos remixes desde 2003. Volvidos três anos do início de percurso, e depois do impacto mediático do trabalho conjunto com Prins Thomas (esse sim, em formato CD e LP), a conterrânea Smalltown Supersound seleccionou e compilou alguns trechos do numeroso histórico de Lindstrøm, no aclamado It's a Feedelity Affair (2006). Na prática, o tomo, mesmo sendo uma colecção de composições já editadas, constituiu o primeiro "álbum" do músico escandinavo, então exibindo ao mundo a dimensão quase épica de uma electrónica espacial, erguida numa orgânica de sintetizadores astrais e subliminarmente distante das fragrâncias sonoras divididas com Prins Thomas. Daí para cá, além da inscrição do seu nome na colecção de DJ sets Late Night Tales e do segundo capítulo com Thomas, Lindstrøm prosseguiu a disseminação do seu trabalho em edições soltas e remixes, até chegar a este Where You Go I Go Too.

Naquele que é, de facto, o seu primeiro álbum autoral, a escolha de um escalonamento tríptico, em cinquenta e cinco minutos, não deixa de ser sintoma de que Lindstrøm não gosta de alinhamentos com muitas faixas. Seja isso uma deformação técnica oriunda da habituação ao formato EP ou uma mera opção conceptual (ou estética), não deixa de ser arriscado, para um músico habituado a trechos de curta duração, esticar as suas composições no tempo (o tema-título tem quase meia hora!). Em todo o caso, o novo opus de Lindstrøm desvenda uma curiosa mutação da space disco que lhe corre nas veias, destapando uma afinidade desconhecida por estruturas progressivas, onde as mudanças rítmicas e a reinvenção são premissas fundamentais para reter o interesse do ouvinte nas melodias repetitivas e extensas. Das três peças, a mais conforme com o património Lindstrøm é a primeira - que dá o nome ao álbum. Curiosamente, é também a mais plana e previsível do trio e, mesmo que bem construída numa compassada (e psicadélica) escalada disco, tem poucas variações para se manter apelativa por tanto tempo. Segue-se "Grand Ideas", revisão de uma composição conjunta com Prins Thomas que, sem esse nome, figurou no alinhamento de um mix feito pela dupla para a BBC. Mais colorida e objectiva, a composição é um produto dinâmico e consequente, entre melodia e especulação rítmica, minimalismo e euforia. O disco fecha com o seu momento mais alto, "The Long Way Home", uma preciosidade de execução a lembrar o kraut rock, a derivar para as contemplações da electrónica left field e para o lounge, com o indispensável devaneio cósmico próprio de Lindstrøm. Não é um álbum de consumo imediato, nem de aceitação genérica; não se resume sequer à tipificação habitual de Lindstrøm. Mas, atrás do aparente excesso na extensão das faixas, mora afinal um disco suculento e, mesmo que de uma forma mais abstracta do que é costume em Lindstrøm, verdadeiramente gratificante.

Posto de escuta Where You Go I Go Too|Grand Ideas |The Long Way Home

Daedelus - Love To Make Music To

2008-08-13T10:58:00.002+01:00

7/10
Ninja Tune
2008
www.ninjatune.net

O californiano Alfred Darlington é um académico da música que, depois do adestramento nas liberdades estéticas do jazz, se perdeu de amores pela descoberta da miríade de possibilidades criativas da electrónica e dos samplers. Como produtor ou como autor (com a assinatura Daedelus, desde 2001), em inúmeros selos e projectos musicais e colaborações com terceiros, foi paulatinamente erguendo um património musical conotado, na essência, com o orbe IDM, mas igualmente versado em padrões mais dançáveis da electrónica e, sobretudo, fiéis a uma verve cultora de várias influências da música negra (leia-se soul, funk ou hip hop). Esse traço pouco convencional (e de raro eclectismo) da música de Daedelus é uma das regras deste Love To Make Music To, o primeiro do músico pela Ninja Tune e, como noutros inquilinos do selo londrino, desvenda uma abordagem atípica, quase subversiva e sempre a extrapolar, os códigos sonoros do hip hop. Contudo, a atmosfera do disco não se fecha aí, antes usa essa referência como ponto cardeal de arranque e orientação da construção (ou sobreposição, ou colagem) de texturas muito concentradas, por vezes em eufórica proximidade do caos, e em que o garbo dos Coldcut vem constantemente à memória. E entre flutuações rítmicas, vozes convidadas, variações de beats e mudanças de estilo, Love To Make Music To revela-se uma obra com raro sentido de oportunidade, mormente na exploração de convergências entre a música electrónica e numerosos universos colaterais. A sugestão resulta numa linguagem que, tropeçando pontualmente na previsibilidade das estéticas nocturnas, dela se distancia pelo recurso equilibradíssimo a mutações nos ritmos e melodias. Se pecadilho houver de apontar-se a Love To Make Music To, ele reside na extensão do disco: cinquenta e cinco minutos. É muito tempo para mostrar música que, por ser tão densa em pormenores e, portanto, por implicar visitas concentradas, ganharia com um alinhamento mais contido. Em todo o caso, o novo Daedelus é, sem reservas, um dos mais refrescantes exercícios que a electrónica de colagens teve nos últimos tempos.

Posto de escuta MySpace

Oneida - Preteen Weaponry

2008-08-11T11:37:00.003+01:00

7/10
Jagjaguwar
2008
www.enemyhogs.com

Embora mais intuída do que ostensivamente manipulada nas composições ou assumida como fogo dominante, a afinidade do trio nova-iorquino Oneida pelas flamas utopistas do rock progressivo foi sempre uma matéria presente na sua discografia, ao lado do impressivo espírito de transgressão que atravessa uma identidade musical pautada pela liberdade estética. Depois de um octeto de álbuns em que apontaram propósitos estilísticos para a especulação noise em volta de um bizarro ideário de canção - o que lhes valeu, com onerosa responsabilidade, a entronização como anarquistas maiores das novas (e injustamente ignotas) safras americanas -, é chegado o momento de nova centragem, de pesar prós e contras de um percurso de consciente evolução, do primitivismo tímido da garagem para a esquizofrénica deflagração em palco. Não é estranho, portanto, que num introspectivo exercício de escrutínio das forças vivas (na criatividade) no seio do trio de Brooklyn, Kid Millions, Bobby Matador e Baby Hanoi Jane tenham encontrado um original prazer na musicalidade menos formal. Afinal, as energias improvisadas são um amor antigo que, por força das circunstâncias editoriais ou dos gostos do momento, foi sendo castrado (ou limado) em disco, mas nunca deixou de alimentar-lhes o ego nas actuações ao vivo. O registo dessa facção libertária da música dos Oneida impunha-se e, para esse efeito, nada melhor que um tríptico conceptual de discos sem qualquer tipo de atilho estrutural ou formatação predefinida. A série, sugestivamente baptizada "Thank Your Parents", conhece agora o momento inaugural - será continuada em Janeiro de 2009, com Rated O - com este Preteen Weaponry, álbum essencialmente instrumental, também ele dividido em três partes.

A tríade abre com um trecho de pura inventividade rítmica, substancialmente notada na (brilhante) incontinência da percussão de Kid Millions. Com um hipnótico e perturbador tecido sónico de fundo, algures entre o noise, o mantra instrumental de feitiçaria negra e a perversão melódica (chega a lembrar os Doors), é a bateria de Kid Millions - nervosa, derivativa, sempre consequente - que dita regras. Na segunda faixa, descansa a bateria em cadências mais "pacíficas" e crescem os efeitos sujos da guitarra, num fantasmático (e repetitivo) bailado de espectros, com o efeito atmosférico digno de uma peça progressiva, mas aquém da exigível inventividade. A dialéctica fecha-se, na terceira parte, num discurso agitado de ritmos espasmódicos, bem ao jeito de um número de improviso, misturando fantasias de guitarras e teclas; coisa para soltar, com a incerteza devida, o acto não premeditado de criação musical. E Preteen Weaponry, com as incongruências e falhas próprias de uma cerimónia repentista, é isso: um produto sem preconceito e sem regime. Como os Oneida, de resto.

Posto de escuta Sítio da Jagjaguwar

Buffalo Killers - Let it Ride

2008-08-07T11:13:00.002+01:00

7/10
Alive Records
2008
www.buffalokillers.com

De cada vez que surge um projecto musical alinhado com uma determinada corrente estética de revivalismo, se percebe com mais propriedade que arte e nostalgia são conceitos que, quando convergem, nos dão, com o reacendimento de memórias, a dimensão mais precisa do conceito de "clássico". O segundo disco do trio Buffalo Killers, de Cincinatti, é uma achega preciosa para essa discussão, por reportar reverencialmente à luminária do rock psicadélico dos 70's, num derivado mais contido (e por isso mais preciso) daquilo que, por exemplo, os Wolfmother fizeram recentemente. Se os australianos pecaram, nesse processo de revigoração, pelo excesso de pastiche do ideário Led Zeppelin, assim se expondo à não concretização de uma identidade própria, os Buffalo Killers fazem mais do que um mero tributo e, movendo-se no mesmo padrão estético, mostram competência para se emanciparam de um plano de referências que vai de Neil Young a David Bowie, de Rolling Stones a Allman Brothers, de Greenhornes a Black Sabbath, de Lynyrd Skynyrd a Peter Frampton. E, nesse ilustre novelo, cabe ainda uma ponta - a mais relevante - para a escrita descontraída e versátil dos BK, assente sobretudo nos riffs de guitarras (ora inflamadas, ora plácidas), na gravidade do baixo, na diligência da percussão e na expressividade vocal. Podem não ser a next big thing, nem sequer um facto absolutamente original, mas os Buffalo Killers certamente são parte da elite revivalista do rock "clássico". E Let it Ride é um bom apontamento para reescrever a história.

Posto de escuta MySpace

Brazilian Girls - NYC

2008-08-06T11:19:00.003+01:00

7/10
Verve
2008
www.braziliangirls.info

Embora este seja já o terceiro registo dos Brazilian Girls, são poucos os que tiveram oportunidade de saborear devidamente um dos melhores conceitos de música de fusão da corrente cena nova-iorquina. Os argumentos do agora trio americano - depois da saída de Jesse Murphy - fazem, sobre uma base estrutural de cariz electrónico, uma equilibradíssima reprodução do mosaico cultural e da amálgama sonora que é, hoje, a Grande Maçã, com derivações estéticas entre a pop, o jazz, a bossa nova (num prisma vanguardista) e quaisquer devaneios rítmicos mais dançantes. A essa mescla junta-se uma das vozes de maior carisma (e elasticidade) da actualidade, a da italiana Sabina Sciubba, a desdobrar-se em diferentes tons e idiomas - a moça desembaraça-se muito bem em inglês, francês, espanhol, italiano e alemão. Como os antecessores, NYC presta tributo a uma curiosíssima experimentação textural, num código musical que fica no limite da subversão melódica e que, não fossem as harmonias vocais de Sciubba, impeliria o ouvinte para os domínios da música de decifração custosa. E, embora o pareça, não é esse o caso aqui. Atrás do volumoso arsenal de percussões pouco "pacíficas", mesmo das alucinantes misturas químicas da electrónica, mora um romantismo subtil, um intimismo pouco comum neste tipo de produtos e um conceito firme de canção pop. Dir-se-ia, em abono da verdade, que o novo disco dos Brazilian Girls é um filho do cosmopolitismo contemporâneo e da transversalidade cultural cada vez mais em voga. E isso faz-se pesando, com a mesma respeitosa obediência, paladares de sofisticação retrógrada, um gosto ecléctico e uma verve voltada para a especulação vanguardista. É por isso que NYC, com evidente crescimento no capítulo da composição, mostra música de identidade ambivalente, de muitas eras e modas, de muitas escolas e ensinamentos mas, acima de tudo, entusiástica e moderna. E sem poiso estético (ou geográfico) fixo. O que é o mesmo que dizer que os Brazilian Girls, sendo genuinamente contaminados pelas miscelâneas sonoras de Nova Iorque, podiam inscrever-se nas novas turbas da world music. O título nem lhes ficaria nada mal...

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Conor Oberst - Conor Oberst

2008-08-04T10:55:00.003+01:00

7/10
Merge Records
PopStock
2008
www.conoroberst.com

A ideia de assinar este disco com o nome de baptismo, ao invés do mais costumeiro e mediático epíteto de Bright Eyes, tem uma razão. O conceito Bright Eyes, uma das marcas mais significativas da moderna folk americana, assentou, nos últimos anos, em dois pilares fundamentais: o próprio Oberst e Mike Mogis, o instrumentista/produtor braço direito do músico/compositor do Nebraska na caminhada pelo orbe da música. E este, além de ser o primeiro registo sem Mogis, em cerca de uma década - pelo que faria menos sentido integrá-lo na discografia Bright Eyes -, é também o contributo mais pessoal de Oberst para o cancioneiro americano. Nesse sentido, pode presumir-se que, além da evidência do afastamento do parceiro de longa data, reside nestas canções a definitiva imposição de Oberst contra o incómodo (e injusto) rótulo de prodígio adolescente que lhe colam desde os doze anos. Atrás do enfatizado (pelos media do seu país) despautério de algumas aparições provocatórias em festivais americanos, inclusivamente marcadas por algum pretensiosismo ideológico pouco tragável, Oberst sempre foi um músico prolífico, talentoso e de verve genuína. Foi assim que, sem brusquidão, ergueu os Bright Eyes a um lugar raro na folk moderna, com uma identidade perdida entre a melancolia e a ansiedade ou o místico e a crítica. Ao mesmo tempo, aceitando o sustento das mais ancestrais raízes da música do seu país, Oberst foi capaz de construir um património musical carismático como poucos. E é neste Conor Oberst que a sua personalidade musical se mostra mais crua (leia-se "acústica"), apartada das cosméticas sinfónicas dos Bright Eyes.

O investimento nos arranjos é mais comedido, o que ajuda a situar as canções de Oberst num plano entre o protesto iluminado de um Dylan (outro dos rótulos com que Oberst tem lidado) e o melodismo rock de alguns momentos de Elvis Costello, além das inevitáveis referências a Neil Young, Tom Petty ou Ryan Adams. E claramente distante dos desmandos instrumentais do pseudo-orquestral Cassadaga. Aqui, as canções respiram a mais confortável das intimidades - ou intimismo melódico - e são servidas por uma lírica mais consciente do que antes, em volta de assuntos tão concretos quanto a inevitabilidade da morte, a escapatória das drogas e, claro, as paixões feitas desamores. E nenhum outro opus de Oberst tem este charme e credulidade, esta maturidade no acto de criação e esta consistência; e estes, por serem factos inesperados, tornam-se tanto mais interessantes.

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Shearwater - Rook

2008-07-29T11:07:00.002+01:00

8/10
Matador
PopStock
2008
www.shearwatermusic.com

Embora as suas fundações estejam, desde 2001, na sombra do colectivo Okkervil River, hoje por hoje um dos ícones mais sonantes da folk alternativa americana, o conceito Shearwater acabou por emancipar-se do mero estatuto do projecto paralelo onde Will Sheff e Jonathan Meiburg depositavam as canções que não cabiam no ideário da banda-mãe. A aparente divergência de opiniões ou prismas estéticos entre os dois músicos (ou o curto espaço de manobra para as composições de Meiburg nos OR) levou à divisão de águas, mormente depois do aclamado Palo Santo (2006): Meiburg desertou e fez dos Shearwater o seu poiso único, Shef chamou a si os Okkervil River. Se já no opus prévio, ainda com Will Sheff nos créditos, Meiburg assumira na íntegra a composição, Rook é o primeiro disco da marca Shearwater sem Sheff e, também por isso, se torna o documento da derradeira exposição e afirmação do conceito. E o disco é fiel ao cancioneiro da banda: estão cá o subtil cuidado no detalhe, a placidez melódica de Meiburg, a orquestralidade dos arranjos e uma finíssima discrição pastoral. A tudo isso, somam-se as certezas da voz carismática de Meiburg, sempre seguríssima e fluente entre a grandiosidade e o recato, o romantismo e a meditação. E Rook é isso mesmo, um genuíno exercício musical de leitura de almas, a olhar para dentro e a purgar gerações infinitas de inquietações colectivas e a repassá-las nos mais redentores ambientes musicais. Se estruturalmente se trata de um documento de folk de cariz acústico, aqui e ali espreitando atrevimentos rock com projecção orquestral, Rook encerra outras dimensões que vão muito além da simples declaração musical. Seja pelos enunciados fantasiosos das letras, pelo cicerone invulgar da voz de Meiburg ou pela linguagem puramente emocional dos instrumentos (ou pelos três em simultâneo), a verdade é que Rook tem o raríssimo condão de fazer o ouvinte "sentir" a música além daquilo que ouve. Nestas canções, intersectam-se, na ímpar forma de um baile de espíritos, a majestade do drama (quase sempre servido em cortante minimalismo acústico), o sonho vacilante, a fria melancolia, a paisagem invisível (e imaginada) e a redenção luminosa. E a mescla é tão humana e credível, tão musicalmente coesa e coerente, que é impossível não se ficar rendido à imponente epopeia de bolso que Meiburg escreveu.

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CSS - Donkey

2008-07-26T11:34:00.003+01:00

5/10
Trama
2008
www.csshurts.com

A instantânea entronização do colectivo Cansei de Ser Sexy como projecto mais mediático da moderna música brasileira foi um exercício de confirmação da improbabilidade. Corria o ano de 2003 (e os seguintes) e, atrás de um crescente burburinho, primeiro nas ondas cibernéticas e, depois, no seguimento de actuações nos palcos e festivais mais frequentados do Brasil (e além-fronteiras), paulatinamente se ergueu uma vaga sacralizadora de uma trupe de músicos tecnicamente pouco talentosos e cujas composições encerravam, em tosca simplicidade, um conjunto de sabores incomuns no cenário musical brasileiro. A afirmação da originalidade - se quisermos, de uma transversalidade estética com um único denominador comum: o substrato electrónico - prevalecia sobre a presumivelmente imprescindível valoração da técnica, como se, para ser-se reconhecido no orbe musical, nem fosse necessário ir além da fasquia mínima da execução instrumental. Aliás, seria exactamente essa rudimentar lapidação dos trechos, em último caso, a motivar amores/ódios à volta do sexteto (agora quinteto) paulista e a torná-lo um fenómeno ímpar na música urbana e um dos mais mediáticos descendentes da geração net fora da Europa.

Com a agenda absolutamente atestada nos últimos anos e o inevitável aprimoramento da execução instrumental dos elementos do grupo, é um facto que dificilmente podia esperar-se que Donkey repetisse a incipiência técnica do antecessor. A audição do álbum confirma essa premissa perigosa para os CSS: ao sumir-se a inocência técnica, ficaria hipotecado um quinhão decisivo dos factores de sucesso do primeiro disco. No caso das CSS, o refinamento técnico envolve ironicamente um desinvestimento no ingénuo diletantismo com que fizeram as canções que os trouxeram ao topo da música brasileira. Donkey é notoriamente um produto mais evoluído do ponto de vista instrumental, não restam dúvidas de que regista música feita com uma ciência mais apurada e longe da pubescente ética do primeiro disco. E é aí que muda o prisma de avaliação do trabalho das CSS. Se, antes, gostando ou não, se perdoava a impolidez e um certo atabalhoamento técnico dos trechos, em nome da atitude desconcertante e enérgica de "músicos" inexperientes (mas criativos) em demanda do seu espaço, com a maturação técnica é incontornável redobrar a exigência sobre as canções enquanto produto artístico. Nesse particular, por ter-se dissipado o elemento nuclear de singeleza que interessava na música das CSS, Donkey torna-se um disco redondo, previsível e inconsequente. Perdida a magia da descoberta quase juvenil da música e do rudimentar experimentalismo que escondia as fragilidades da composição, as canções expõem uma confrangedora efemeridade. Sair da puberdade é uma chatice.

Posto de escuta MySpace

Radioheadphone...?

2008-07-25T12:33:00.006+01:00

Com a chegada recente aos escaparates discográficos do álbum Ghostwriter, com chancela da PIAS, os Headphone prometem fazer transbordar o burburinho dos melómanos locais à sua volta para espaços fora das fronteiras do seu país. Recorrentemente conotados como descendentes da ética criativa dos Radiohead, os belgas têm no disco um documento de coesos paralelismos com Thom Yorke e companhia, bem além do mero pastiche e, sobretudo, pautados por prismas maturados e evoluídos do que deve ser uma canção pop independente. "She is Electric" é uma enigmática exploração do minimalismo melódico e vem servido por uma interessantíssima animação, a dar continuidade ao que já haviam sugerido no outro single, a canção-título do álbum. Um projecto a seguir com atenção, sem dúvida...

Uma canção do diabo...

2008-07-24T16:13:00.000+01:00

Juntamente com a crítica ao disco (ver abaixo), deixo-vos o vídeo de promoção de "The Devil's Crayon", magnífica peça do primeiro disco dos ingleses Wild Beasts, onde ficam expostas algumas das virtudes únicas do quarteto e a pertinência da combinação da voz de Tom Fleming com o falseto do vocalista principal, Hayden Thorpe. Uma das grandes canções da colheita de 2008, sem dúvida...

Wild Beasts - Limbo, Panto

2008-07-24T15:57:00.002+01:00

8/10
Domino
Edel
2008
www.wild-beasts.co.uk

Não é todos os dias que a descoberta de um disco proporciona a excitação de privar com um produto de originalidade. No caso dos Wild Beasts, quarteto de caloiros-revelação do setentrião inglês, a erupção da surpresa sobrevém em duas formas. A primeira - que por ser "superficial" é uma saliência notória nas primeiras audições - deriva directamente da insistência no dramático falsetto de Hayden Thorpe (excelente voz, sem dúvida!), a fazer lembrar, como num sucedâneo em moldes pop, o trejeito canoro de uma opereta. Atrás dessa admirável sugestão da voz de Thorpe (que será, decerto, um dos factores decisivos para definir afinidades com o disco), desfilam as outras faces da surpresa, as pormenorizadas, faustosas e muito conscientes texturas instrumentais, algures entre a elevação barroca que celebrizou Rufus Wainwright, a ciência dos cânones do moderno psicadelismo (leia-se volubilidade estética entre o tribalismo, os meneios vaudeville, a dança de cabaret, o melodismo jazz ou a arquitectura "clássica" da ópera-rock) e, também, a doçura rústica das gerações hodiernas da folk e os cenários da pop etérea dos 80's.

Em concreto, o verdadeiro mérito da massa musical dos Wild Beasts nem sequer é a inovação - as coisas de que é feito Limbo, Panto não são propriamente inauditas. É, ao invés disso, o admirável engenho de erguer monumentos pop com o melhor de cada um dos mundos estéticos de referência e dar-lhes um cunho pessoal único e orgulhoso que os distingue. O que se escuta no álbum é de uma autenticidade rara, por mais que tentem encontrar, nas entrelinhas da música dos Wild Beasts, pedaços dos Smiths, de Sparks, dos Orange Juice, dos Triffids, dos Shins ou de Antony Hegarty. Teatral, subtil, eufórico, ambicioso e orquestralmente sumptuoso, Limbo, Panto não será um disco consensual, como nunca o seria um produto de quatro jovens nos primórdios dos vintes, amantes de Dickens, do bizarro, do melodrama cénico e do fauvismo (o nome da banda é uma importação da escola de arte francesa), mas tem tudo para dar aos Wild Beasts o heróico epíteto de revelação do ano. E pérolas como "The Devil's Crayon" (um dos indiscutíveis momentos magnos do ano) afastam qualquer preconceito de intelectualismo que queiram colar-lhes.

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Leila - Blood, Looms and Blooms

2008-07-23T16:01:00.006+01:00

7/10
Warp
2008
www.leilamusic.co.uk

O percurso artístico de Leila Arab é indissociável do nome de Björk. Primeiro como teclista de suporte da mediática islandesa, depois assistindo-a na função de co-autora de algumas composições, a iraniana Leila foi ganhando visibilidade no povoado orbe da música electrónica, a ponto de estrear-se, como compositora em título próprio (e uma das raras autoras femininas do género a não usar a sua voz em gravação), há uma década, com Like Weather. Então apadrinhado pelo selo de Richard D. James (Aphex Twin), a Rephlex, o disco desvendava uma curiosa mescla entre orgânicas left-field - muito próximas das estirpes "intelectuais" e mais elaboradas da música electrónica - e um transversal eclectismo estético, mormente na construção das melodias. Com efeito, embora não se tratando, à época, de um facto pioneiro, podia falar-se de um processo pouco convencional (mas razoavelmente bem conseguido) de encontrar convergências entre as sempre especulativas (e densas) manobras de manipulação digital e a contingência de as arrumar numa estrutura de canção com voz. Ao segundo capítulo (Courtesy of Choice, 2000, XL), Leila arriscou alargar o espaço de experiências de pop vanguardista e diminuir-lhes a tensão introspectiva, mas a crítica não se rendeu à troca da técnica pela forma.

Blood, Looms and Blooms chega-nos oito anos depois desse passo em falso, também depois de intensa actividade junto de Björk, tanto em palco (grande parte dos concertos da tournée de Volta tiveram Leila na abertura) como em disco. E a mudança para o catálogo da Warp, domicílio editorial de gente como Flying Lotus, Jamie Lidell, Plaid, Autechre ou Battles, parece ter funcionado como um estímulo oportuníssimo para Leila. É justo dizer-se: o selo inglês é, entre outras coisas, um seguro baluarte para algumas das mentes mais transgressoras (ou imaginativas) da electrónica contemporânea e o passado (e sobretudo o background) de Leila, não obstante as contingências de ter uma discografia curta, era uma premissa abonatória da sua adesão à família Warp. E se dúvidas existissem ainda, Blood, Looms and Blooms está aí para as dissipar. O terceiro registo de Leila é o mais lúcido (e transparente) da sua carreira. Tecnicamente muito bem urdido e detalhado, a puxar à sedução pelo efeito-surpresa e pela profanação das convenções instituídas, o disco é formalmente desprendido (deixou de ser importante falar-se em "canções") e mostra uma verve capaz de soltar a rédea em padrões estéticos vários, de tocar tangencialmente outros tantos e não perder o sentido de coesão. Afinal, a linguagem musical é a de Leila (com as presenças vocais da irmã, Roya, de Luca Santucci, de Terry Hall e Martina Topley-Bird), tão intrigante e complexa como antes, tão fértil e cativante como sempre a conhecemos. E mesmo que, aqui e ali, Blood, Looms and Blooms se desvie da rota e cometa o pecadilho de ser extenso demais, não deixa de ser um enunciado das virtudes de Leila e uma boa forma de lhe dar a merecida notabilidade.

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Lykke Li - Youth Novels

2008-07-21T11:13:00.006+01:00

7/10
LL Recordings
2008
www.lykkeli.com

Quanto mais se generaliza a fatalista (e necessariamente redutora) perspectiva de que o orbe pop é um mundo saturado e crescentemente insípido, mais se manifestam protagonistas capazes de a contradizer. A revelação mais recente chega-nos da distante Suécia (embora tenha vivido uma parte da infância em Lisboa), tem a frescura e a jovialidade de alguém com vinte e dois anos e a timidez de uma estrela anunciada com medo da fama, é cultora de gostos mutantes - que vão de Kate Bush, a Velvet Underground, a Amy Winehouse, ao hip hop de última geração (leia-se Clipse e Dizzee Rascal), aos Suicide e ESG - chama-se Lykke Li (diz-se Lica-Li) e assina um disco de estreia de pop simples, açucarada e com substrato electrónico. Gravado em Nova Iorque com a ajuda de Björn Yttling (dos conterrâneos Peter, Björn and John), Youth Novels é, atrás da copiosa panóplia de instrumentos convocados, um disco de princípios estruturalmente minimalistas. O diapasão das melodias é a voz melíflua de Lykke Li que, mesmo com espectro estreito e pouco dada a aventuras de tom, transmite harmonia e suavidade às magníficas texturas que a servem. Trata-se, sobretudo, de uma visão pragmática (e certeira) da proporção do binómio voz/arranjos - ainda passível de afinações, é certo - mas que se confunde com um saudável princípio de sobriedade estética. Depois, as canções derivam pontualmente do curso temático natural da ambivalência romântica (as luzes e sombras do amor) e, aí, mostram outras caras não menos sedutoras de Lykke Li, mais dançantes ou mais introspectivas (até cabem duas despropositadas faixas em spoken word), mais folk ou mais electro.

Em suma, Lykke Li é uma adição oportuníssima às safras recentes da música escandinava (Peter, Björn and John, El Perro del Mar, Taken By Trees ou Robyn), mas tem leituras dúbias: a economia orgânica, ao depositar nos méritos canoros de Li o vigor das composições, se resulta esplendidamente em alguns trechos ("Little Bit" ou "Breaking Up"), acaba por jogar em manifesto desfavor de outros. E, ao mesmo tempo, o entusiasmo de alguns momentos mais preenchidos (como a mediática "I'm Good. I'm Gone"), faz crer que na filosofia musical de Lykke Li também devem caber substâncias mais venturosas do que o minimalismo. Em todo o caso, Youth Novels é um debute muito promissor.

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Wire - Object 47

2008-07-20T12:00:00.003+01:00

7/10
Cargo
Compact Records
2008
www.pinkflag.com

Os londrinos Wire constituem um dos poucos exemplos da música europeia em que a longevidade - a fundação do colectivo data de 1976 - se confunde com evolução e relevância artística. Tendo partido das heranças mais rústicas do punk do final da década em que se formaram, os Wire desde cedo se demarcaram dos pares geracionais e do simplismo estético do género, ao optarem por feições mais criativas e arty e , em simultâneo, por subscreverem conceitos elaborados de melodia e canção. Foi, de resto, a especificidade dessa tendência, e, em consequência, a aparente impenetrabilidade da sua música, a empurrá-los para um pejorativo estigma de "intelectualismo" de que não se livraram, senão em momentos pontuais do percurso discográfico. O fôlego experimentalista em volta das linguagens mais directas do rock tornou-se o centro da verve de Colin Newman e companheiros e a fonte de algumas mutações de processos e identidade estética - a que, por norma, vieram a corresponder cisões no seio do grupo. Depois de um estupendo trio de discos, de 1977 a 1979, a inaugurar uma carnalidade minimalista e um conceito vanguardista e geométrico de rock tirado das algazarras do punk, o grupo conheceu o primeiro (e abrupto) termo de actividades, em 1980. Voltariam, cinco anos mais tarde, depois de avulsas edições a solo de Colin Newman, Bruce Gilbert e Graham Lewis, superficialmente contaminados pelo advento da música electrónica, para editar um quinteto de álbuns, até nova dissolução em 1992. Seguiu-se um longuíssimo interregno de sete anos, parado pelo lançamento de alguns EPs e novo álbum de originais, em 2003, o nervoso e cifrado Send. Outra pausa no ano seguinte, formalmente interrompida pela reedição dos três documentos de início de percurso, também pela chegada aos escaparates, já em 2007, do terceiro capítulo da colecção de EPs Read & Burn.

Agora chega-nos Object 47, 11.º álbum dos londrinos - embora seja a quadragésima sétima manifestação editorial (daí o título), entre singles, EPs, álbuns e compilações. Com os Wire espera-se sempre o inesperado e, à rigidez textural, à dureza e ansiedade do antecessor, o novo opus opõe detalhismo estrutural, maior acuidade melódica, fulgor (dentro dos limites de luminosidade dos Wire) e espaço para a electrónica. Mesmo sendo esta a primeira gravação dos Wire sem a guitarra de Bruce Gilbert (abandonou, com acrimónia, o projecto em 2004), Object 47 traz um punhado de canções de grande vitalidade e com as certezas de um código sonoro apurado ao sabor dos cenários conjunturais, mas sempre fiel a uma aura própria. É art-punk venturoso, é rock ligeiro, é pop sinistra e deadpan. E, de uma penada, sem soar anacrónico ou revisionista, Object 47 conforta-nos com a familiaridade de um som que é, afinal, a mais cabal síntese das aptidões "históricas" do grupo, sem invocar qualquer momento pontual do passado e, sobretudo, sem perder de vista o arrojo vanguardista e o gosto pela experiência dos Wire.

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Tiago Guillul - IV

2008-07-17T10:22:00.005+01:00

7/10
Flor Caveira
Mbari
2008
www.florcaveira.com

Indicados nos últimos tempos por outros ou assumidos pelo próprio, têm-se multiplicado os comentários sobre Tiago Cavaco (Guillul, em hebraico) e os exercícios de rotulagem da sua música. Se até há bem pouco tempo, mesmo depois da edição em CD-R deste trabalho, em finais de 2007, o músico lisboeta gozava de um anonimato quase total e das pacatas condições de pastor baptista em S. Domingos de Benfica e blogger do "clássico" Voz do Deserto, a afirmação dos Pontos Negros - que haviam sido "descobertos" por Tiago - atraiu atenções para as propostas libertárias do selo "underground" Flor Caveira (que ele fundou) e, por arrastamento, para a música do seu fundador. A reedição de IV em formato CD, com um punhado de composições extra, é o corolário assumido de alguns lançamentos avulsos dos últimos anos e apresenta definitivamente ao mundo musical português um protagonista a merecer sair do "buraco" do desconhecimento. Há na música de Tiago Guillul mais substância do que a do natural objecto de culto em que se transformou. Construídas com a segurança de quem acumula alguns anos de experimentação e depois de ultrapassado o teor panfletário baptista dos primeiros ensaios musicais, as canções de Tiago Guillul são, hoje, produtos amadurecidos pelo tempo, certeiros na conjugação de sabores retro (a música punk e o romantismo rock dos oitentas são heranças mais ou menos assumidas) e de um certo folclore estético que lhes empresta imprevisibilidade e fantasia. A isso junta-se a utilização hábil da língua portuguesa e do escárnio como veículo de uma mensagem sempre perspicaz e bem dirigida. É aí, no virtuoso uso do português, que IV marca mais pontos, ao actualizar a relação entre música e remoque social, trazendo-a a fasquias pouco comuns cá no burgo. E desenganem-se aqueles que, trazidos à música de Guillul pelo epíteto de "pastor do novo rock cristão", pensam encontrar aqui um opúsculo do protestantismo. O que vale é a música, da religião sobram brevíssimas insinuações. E a música tem todos os condimentos de um clássico: é bizarra, fresca, inteligente, sarcástica e tem muita personalidade. Ainda vai converter umas quantas almas tresmalhadas dos ofícios do espírito...

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Beck - Modern Guilt

2008-07-14T15:06:00.002+01:00

8/10
Interscope
XL Recordings
2008
www.modernguilt.com

Com um percurso marcado pela vontade de percorrer as várias etapas de uma metamorfose artística sem destino estético definido, Beck é um dos sujeitos menos conformistas e um dos ícones principais da nação pop contemporânea, mormente pela acuidade com que vem insistindo na redefinição dos paradigmas de canção. É graças a ele, sobretudo na década de noventa, que as arraigadas visões tradicionais do cancioneiro pop são expostas a contaminações exteriores ao seu cânone e a uma criatividade revisionista que acabou por lhes somar influências de outras órbitas estéticas. Foi assim que, paulatinamente, a identidade musical de Beck se impôs como um produto híbrido e virtualmente inclassificável, ainda que subjacente às estruturas populares de canção. Com influências importadas do psicadelismo, da electrónica, dos blues ou até dos costumes folk, a música do multi-instrumentalista americano foi, em alguns casos com reflexos figurativos evidentes nas capas dos álbuns, um produto musicalmente equivalente do neo-expressionismo (ou da sua hiperbolização, o movimento cinquentista da art pop). Essa definição, volvidos quatorze anos da impressiva estreia discográfica, continua a ser um dos poucos rótulos justos que se podem colar a Beck e, com especial propriedade, a este Modern Guilt.

O mais curioso é que, mesmo sendo este o décimo álbum de Beck, o disco finta habilmente a familiaridade dos ouvintes face aos ingredientes idiossincráticos do americano, moldando-os numa massa sonora surpreendentemente capaz de insinuar novidade e imprevisto numa linguagem sobejamente conhecida e sem segredos. E esse é o melhor encómio que pode escrever-se sobre Modern Guilt, o de revalidar a efectividade do nomadismo estético de Beck que, mesmo travestido de ressaca festiva, psicadélica e espiritual (cortesia da co-produção do ubíquo Danger Mouse) é capaz de construções melódicas niveladas com o escol de Beck ("Gamma Ray", "Chemtrails", "Youthless" ou "Soul of Man" são o quarteto altivo). Não obstante um substrato mais melancólico do que os seus antecessores recentes, Modern Guilt é penetrante e vigoroso, cheio de truques sonoros apetitosos e, porque vem resumido em trinta e quatro lacónicos minutos de música, torna-se uma experiência rápida e intensa. Quando cessa o último acorde, fica o suspiro para voltar ao ponto de partida e gozar voluptuosamente o melhor Beck desde Sea Change.

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Um português pouco suave...

2008-07-08T15:06:00.004+01:00

Há momentos televisivos que fazem mais, do ponto de vista retratual do português de gema, do que estudos sociológicos apurados em décadas nas cátedras da ciência. O instante que o vídeo abaixo captura foi retirado do último capítulo d' "Os Contemporâneos" e reporta um diálogo casual de esplanada. Em dois minutos e meio de conversa sobre o aumento da criminalidade, duas caricaturas bem lusas: Nuno Markl é o plácido leitor de jornal, a alegoria da complacência, dos "brandos costumes" e da indignação apática e silenciosa; Eduardo Madeira é o cidadão revoltado contra a "rebaldaria" no país, o idealista e defensor acérrimo "do Irão" e das virtudes justiceiras de uma realidade que conhece apenas através de "um primo" e que defende energicamente. Numa penada, fica feita a fotografia da incongruência do espírito crítico do português comum e da argumentação inculta e desabrida que normalmente é o seu altor e que, afinal, tem tanto de impetuosa como de leviana.

Tricky - Knowle West Boy

2008-07-08T10:44:00.002+01:00

6/10
Domino
2008
www.trickyonline.com

Os últimos anos de Adrian Thaws têm invariavelmente assinalado a demanda do músico inglês para se libertar do oneroso peso de um rótulo. Desde sempre conotado, mesmo contra a sua própria vontade, com as esferas do trip hop, o reconhecimento de Tricky junto das massas críticas acompanhou a evolução desse movimento estético, erguendo-o à instantânea sacralização no início do percurso a solo (depois da ambígua relação com os Massive Attack), em época de êxito conjuntural do trip hop, para depois, com a visibilidade menor do género, o empurrar para o quase esquecimento que os sucessivos débâcles discográficos ajudaram a confirmar. É nesse torpor mediático que Knowle West Boy experimenta nova terapia de ressuscitação daquele que, em tempos idos, foi um dos provocadores de excelência dos anos 90. O disco põe termo a um cauteloso silencioso de cinco anos e, como os seus antecessores mais recentes, é um alvoroço de tensões interiores próprias de um espírito turbulento que, chegado aos quarenta, já não esconjura os demónios do caos urbano, antes os aceita e tenta refrear. Da ansiedade hipnótica e do nervo negro e angustiado de outros tempos, restam aqui meras sombras ("Past Mistake" é o descendente mais próximo). Tricky (e a sua música) é, hoje, um agente menos de causas e mais de efeitos; continua a ser um insurgente atento, mas está menos agudo. Ao invés de assumir-se, na sua improbabilidade criativa, como um líder de rebeliões, converteu-se num seguidor das tribos urbanas globalizadas da nova década, onde as mesclas sonoras que ele próprio inaugurou a contento de uma geração são uma vulgaridade e um discurso comum. E, perante o adensamento de propostas desse género e a ascensão de outras linguagens narradoras das crises metropolitanas desta era, sobram menos espaços úteis para os exorcismos de Tricky. Ainda assim, Knowle West Boy é a mais competente (e esquizofrénica) declaração de vitalidade de Adrian Thaws desde os "dourados" anos 90. Mas não parece ainda bastante para reatar uma chama conservada a meio-gás nos últimos anos.

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António Pinho Vargas - Solo

2008-07-07T15:20:00.003+01:00

8/10
David Ferreira Investidas Editoriais
2008
www.antoniopinhovargas.com

Nas palavras do próprio António Pinho Vargas, Solo não é um produto jazz. Exposto assim tão cruamente e um pouco em contraponto com as essências antigas de um percurso de muitos anos, o novo disco do compositor português é, num registo individualizado na intimidade do piano, de facto, uma obra menos jazzística e mais "clássica". Trata-se, afinal, de redescobrir o passado trilhado nos caminhos do jazz e não só, de nele recolher uma colecção de composições, de lhes juntar dois inéditos e, com isso, dar um sentido de coesão e congruência ética a alguns dos episódios avulsos mais marcantes de um trajecto de fina liberdade estética. Ao mesmo tempo, as gravações de Solo proporcionaram ao músico/compositor gaiense um saudado regresso aos palcos, depois de anos de ausência, por força da dedicação a outras causas, sendo o episódio mais recente a edição da ópera Os Dias Levantados - que fora originalmente uma comissão do Festival dos Cem Dias, integrado na EXPO98. À luz desta recente centragem de esforços na música erudita, Solo ganha sentido adicional enquanto exercício de retorno e revivificação de uma obra consistente e muitas vezes esquecida ou subvalorizada pelas pressões mediáticas dos mercados discográficos. O duplo-álbum tem, então, mais do que a mera dimensão da circunstância editorial, a importância de conduzir o ouvinte a um maravilhoso e plácido promenade à inventividade e às múltiplas identidades musicais de António Pinho Vargas. E ao mostrar as composições sem artifício e despidas de arranjos, ao oferecê-las no mínimo revestimento, Solo tem não só o condão de converter-se no opus mais pessoal e íntimo da discografia de APV, mas sobretudo tem a versatilidade de se desviar da mera compilação nostálgica, emprestando a trechos isolados uma "segunda pele", um senso de novidade - até de improviso - que lhes oferece harmonia e sentido de conjunto. Revisitadas assim nesta despida metamorfose, nas transparências e na singeleza melódica do piano solo, as composições de APV alcançam a rara e genuína tangibilidade das coisas humanas livres. E essa tocante delicadeza do músico ao piano, essa predilecção por mostrar o imo da música, essa imperfeição tão mundana é a mesma que serve de subtítulo a um disco imprescindível. Porque a imperfeição pode ter uma beleza esplêndida.

Posto de escuta CD1Tom Waits|Dança dos Pássaros |General Complex

Posto de escuta CD2June|As Mãos |Lindo Ramo, Verde Escuro

The Presets - Apocalypso

2008-07-05T12:16:00.004+01:00

7/10
Modular
2008
www.thepresets.com

Julian Hamilton e Kim Moyes tornaram-se, nos últimos três anos, um dos vértices mais imponentes da música australiana no mundo. O debute discográfico enquanto The Presets - com o aclamado Beams (2005) - atirou-os para a ribalta do orbe da electrónica pop, abrindo portas para alguns dos festivais mais importantes do género, ao mesmo tempo que desvendava uma identidade musical substancialmente distante das abordagens generalistas dessa estética. A par do indispensável culto das praxes techno geneticamente ligadas ao anos oitenta - afinal, a confessada luminária dos Presets - Hamilton e Moye subscreviam, aí, um certo desinvestimento nos coloridos da melodia, em favor de afinidades com tensões, sombras e alguma negrura emocional. Nesse particular, Apocalypso reinventa os conceitos algo rústicos do antecessor, repisando os propósitos de uma electrónica marginal e que excita mais pela provocação cáustica do que propriamente pela brandura melódica. Ao mesmo tempo, debaixo das tensões que coordenam a relação da música com o espaço, há uma escrita afinada e capaz de emprestar elasticidade ao estilo do disco, bem ao jeito dos produtos mais "negros" dos Depeche Mode. O resto, o que os distingue do mero seguidismo de referências, é a apurada mistura de zumbidos e concentrados electrónicos para fazer mosh, os devaneios industriais, os climas ambivalentes entre a letargia gótica e o cataclismo dançante, os sintetizadores e maquinaria saturados, a atitude de resvalo rock e o hedonismo elegantíssimo. Corrosivo, mas viciante.

Posto de escuta This Boy's in Love Talk Like That If I Know You

Fleet Foxes - Fleet Foxes

2008-07-02T11:48:00.002+01:00

8/10
Sub Pop
Popstock
2008
www.myspace.com/
fleetfoxes

O debute discográfico dos Fleet Foxes chega aos escaparates nacionais envolto numa aura curiosa. Depois de duas curtas demonstrações das linhas com que se cose, em EP's convertidos em objectos de culto junto das franjas mais alternativas da comunidade melómana, o quinteto de Seattle mostra-se num registo que mereceu rara sacralização de algumas das mais solenes publicações especializadas de música a nível internacional, sobretudo por se tratar um produto estreante. Mediatizados em larga escala, pelo menos em território americano, como um dos mais estimulantes projectos da folk corrente, em alguns casos até visados (justamente, diga-se) como herdeiros contemporâneos de um certo barroquismo "clássico", os Fleet Foxes souberam integrar-se nessa corrente musical algo órfã de descendências modernas, recuperando-a para o primeiro plano da música americana e dos gostos dos melómanos. Fleet Foxes é, como podia esperar quem conheceu os EP's prévios, um exercício colector (e nostálgico) de influências de vários quadrantes dos anais do rock clássico e da folk tradicional. A pureza melódica é uma trave-mestra, sobretudo nos esplendorosos jogos vocais do álbum e na ambição das construções instrumentais e dos arranjos. Nas memórias invocadas pelo disco, e são muitas, cabem cerimoniosos fragmentos dos "inventores" da folk emocional - leia-se Neil Young, Bert Jansch, mesmo Donovan ou o incontornável quarteto de mestres Crosby, Stills, Nash & Young - e do melodismo sessentista dos Beatles ou dos Zombies; cabem também preitos à alma Motown, ao proto-psicadelismo dos Love, aos enleios vocais dos Beach Boys, ao esoterismo da Incredible String Band e às fantasias progressivas dos Jethro Tull. A surpresa mora na sublime junção de semelhante família de sons que, mais do que meramente adir partes num concentrado denso de neoclassicismo, produz uma colecção de canções genuínas numa identidade própria feita de simplicidade, de beleza pastoral e barroca, de orgulho na tradição, mas capazes de respirar ares actuais e intemporais. E isso é muito mais do que subir ao sótão e tirar o pó ao baú de recordações.

Posto de escuta White Winter Hymnal Ragged Wood Ragged Wood

Deolinda - Canção ao Lado

2008-06-27T14:36:00.002+01:00

8/10
iPlay
2008
www.deolinda.com.pt

Desencontrado das correntes artísticas que vêem o fado como uma inspiração fatalmente eivada de taciturnidade e do peso emocionalmente denso da saudade, o projecto Deolinda reconhece-se na canção tradicional portuguesa, pelo menos enquanto referência estética, mas inunda-a de luminosidade, de júbilo e de energias positivas. O que propõe Canção ao Lado, exercício de debute do quarteto lisboeta, é uma saudável desmistificação de uma das mais finas tradições musicais lusas, a fazer lembrar as especulações pioneiras dos Madredeus, de há uns anos atrás. Aqui, escuta-se fado feito de melodias alegres e de cantares soltos, com letras revestidas pela leve comicidade de uma ou outra caricatura social de um Portugal de qualquer tempo. Em termos instrumentais, no minimalismo textural do disco, não deixa de ser curioso perceber como se produz fado sem recorrer à guitarra portuguesa, "falsificando-lhe" os trejeitos em duas guitarras clássicas, a que se une o contrabaixo. Depois, há Ana Bacalhau. Apartada dos caprichos psicóticos que deliciosamente mostrara nos Lupanar, ao jeito da saudosa Anabela Duarte e dos Mler If Dada, encontra agora na Deolinda o respaldo de placidez e doçura melódica que lhe permite explorar a imponência dos registos mais harmónicos do seu versátil espectro vocal. No mais, Canção ao Lado é um pequeno prodígio: canções brilhantes ("Fado Toninho", "Movimento Perpétuo Associativo" e "Fon-Fon-Fon" são um trio que apetece repetir), uma lógica de subversão do fado tradicional que soma mais do que subtrai e, last but not least, um humorismo disfarçado de arrazoado panfletário que é raro ver-se por estas bandas. Belíssima estreia, sem dúvida.

Posto de escuta MySpace

The Great Lesbian Show - You're Not Human Tonight

2008-06-25T16:24:00.004+01:00

7/10
Zounds
Sabotage
2008
www.lesboscorp.com

A inconstância parece ser um conceito caro aos lisboetas Great Lesbian Show. O alinhamento do ensemble foi alvo de inúmeros ajustes desde a formação no longínquo ano de 1992, emprestando uma dose significativa de incerteza à sua sobrevivência - facto confirmado com a cessação de actividades, seis anos depois da fundação e ainda sem um registo discográfico para a posteridade, e a ulterior transição para um novo arranque em 2001. Além disso, as contingências do estrito mercado editorial adiaram sucessivamente um debute discográfico anunciado, amputando a banda da amplitude comercial de uma afirmação paulatinamente conseguida em palco. Apenas em 2004 os escaparates mostraram Psykitsch Kaleidoscope, primeiro registo dos GLS que, após de três anos de penosa suspensão e indiferença das editoras, veio dar a conhecer o dissonante e insano cocktail de experiências rock de Ondina Pires (ex-Pop Dell'Arte) e seus pares. You're Not Human Tonight, embora gravado sem a urgência do antecessor e contando com uma produção mais "profissional" (de Jorge Ferraz), é um idêntico manifesto de libertinagem rock. É difícil encontrar, no panorama actual da música lusa, um disco mais diletante e despretensioso do que este, não só por convocar referências estéticas de vários quadrantes (aparentemente imiscíveis) mas, sobretudo, por ser fiel a uma ética compositiva faça-você-mesmo rara cá no burgo. A experimentação, muitas vezes disfarçada de improviso incontinente, continua ser o combustível da surreal irreverência do quinteto e de uma identidade mutante que vai do rock fumoso à electrónica sorumbática, do ruído casual à dissonância, da garagem ao clube nocturno, da charanga profana ao pecado punk. Mesmo faltando "a" grande canção a este You're Not Human Tonight - o que continuará a ser um óbice para a chegada dos GLS a outros públicos - são notórios a maturação e o crescimento artístico da banda, bem como a gestão mais apurada do desconcertante turbilhão de energias criativas que mora no quinteto lisboeta. E, se prescindirmos de qualquer requisito de congruência na apreciação do disco - coisa despropositada quando se aprecia um trabalho dos GLS porque não é essa a identidade deles - o disco ganha formas de experiência auditiva mais compensadora do que parece à primeira escuta.

Posto de escuta MySpace

The Ruby Suns - Sea Lion

2008-06-25T10:28:00.003+01:00

8/10
SubPop
Popstock
2008
www.myspace.com/
therubysuns

A prontidão da comunidade melómana a arrumar qualquer agente artístico sob um rótulo que o identifique com um determinado padrão estético, tem vindo a acolher os neo-zelandeses The Ruby Suns com a designação de "mini Polyphonic Spree". Se, muitas vezes, esse tipo de considerações apressadas tendem a desvirtuar a identidade musical dos visados, com que os reduzindo a um mero pastiche ou seguidismo estético, neste caso a comparação não vem totalmente a despropósito. Os Ruby Suns partilham, na essência, o paradigma estilístico do colectivo de Tim DeLaughter, pelo menos na evocação ecléctica de uma miríade de referências e, mais ainda, na experimentação com o som e as texturas e numa certa especulação psicadélica importada dos 70's. Destas premissas deriva um curioso conceito de canção - ela é a meta aqui - que, não deixando de ser fiel ao cânon da pop colorida contemporânea (leia-se Arcade Fire, Beirut, The Shins ou New Pornographers), revela também entusiasmo pelo desafio às formas mais consensuais. Ao mesmo tempo, atrás das inúmeras casualidades sonoras, das vibrações e da amálgama de estilos e culturas que enchem os trechos, há lugar para uma invulgar espiritualidade, dir-se-ia que própria de boémios utopistas. E é precisamente nessa porção onírica que a iconoclastia dos Ruby Suns ganha sentido e formosura, ao subverter conceitos e fórmulas, sem forçar a mescla dos ingredientes, assim desvendando canções harmoniosas e surpreendentes, quase naïf nos concentrados cénicos que insinuam e mágicas no deleite escapista de experimentar. Sea Lion é, por isso, uma excursão a um universo musical aberto a mestiçagens e encenações várias e à consequência da transculturalidade e, sobretudo, onde acontece uma família de canções de fino recorte. Verve indie à descoberta do mundo.

Posto de escuta Oh, MojaveITane Mahuta IKenya Dig It?

Sigur Rós - Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust

2008-06-24T15:14:00.002+01:00

8/10
Beggars XL
2008
www.sigurros.com

O crescimento mediático do colectivo islandês Sigur Rós é imagem representativa das duas faces de um percurso fiel a uma estética singular (e, por isso, marginal aos discursos dominantes). Se, por um lado, a recorrência (e consequente depuração) de uma linguagem musical própria foi factor de angariação de fãs aderentes a esse microcosmo estético particular (forjado no lado "ambiental" da melancolia), assim se fundando a identidade inconfundível da banda, não é menos verdade que, depois de um quarteto de álbuns estruturalmente muito semelhantes, o risco de cristalização do conceito estaria presente. Antecipando a proximidade da estagnação, os Sigur Rós perceberam a necessidade de reinventar-se e da oportunidade de somar outras valências à fórmula musical que inventaram. Hvarf-Heim, prenda acústica do Natal do ano transacto, constituíra primeiro momento do fôlego revisor que, tranquilamente, trouxe o quarteto nórdico ao exercício de transição que é Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust. Não se trata de fazer um motim contra o passado, tampouco de dispensar os ensinamentos do sucesso armazenado, mas há no quinto opus de estúdio dos Sigur Rós uma vontade de atalhar por outros caminhos. A esse desejo de romper o saudável hermetismo de discos anteriores, não são estranhas a produção de Flood (dos Nine Inch Nails) que, sem beliscar a toada minimalista e ambiental da banda, lhe confere expansão, e a escrita mais transgressora da banda - os corolários moram na pseudo-psicadélica na "Gobbledigook" (foi você que pediu Arcade Fire?), na luminosa "Inní mér syngur vitleysingur", ou na primeira aventura em língua inglesa ("All Alright"). Em tudo o resto, a substância maior é aquele imo de dolência deprimida que os Sigur Rós musicam como ninguém e que faz deles verdadeiramente especiais. E música como a que se escuta no impronunciável Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust (a tradução livre seria: "com um zumbido nos ouvidos, tocamos sem fim") não só guarda a essência quase épica do universo Sigur Rós, como lhe abre o espírito a outras luzes. A lágrima escorre sobre um sorriso.

Posto de escuta GobbledigookIInní Mér Syngur Vitleysingur IIllgresi

Coldplay - Viva La Vida or Death And All His Friends

2008-06-17T12:00:00.005+01:00

8/10
EMI
2008
www.coldplay.com

Com mais de trinta milhões de discos vendidos e a consequentemente sólida afirmação no panorama editorial como um dos activos mais relevantes da pop contemporânea, os Coldplay tinham, à partida para a tarefa de conceber um quarto álbum, duas vias alternativas: ou seguiam o caminho mais conformista (que, neste caso, é sinónimo de generalista) e limitavam-se a repisar os códigos musicais dos registos anteriores, ou ousavam investir em causas menos divulgadas antes e mais experimentais, assim se expondo ao risco de desagradar o extenso bando de séquitos mais incondicionais do melodismo simples e, ao mesmo tempo, revigorar a maturidade artística da banda. Ao escutar Viva La Vida or Death and All His Friends é notório o desinvestimento nos refrões faustosos que fizeram a imagem da marca do quarteto britânico e a aposta firme numa toada de subliminar experimentalismo nos instrumentais e, sobretudo, na forma como as melodias se definem. O novo opus é, afinal, o testemunho da integridade artística de Chris Martin e seus pares e da emancipação das suas artes face à pressão de uma editora em crise (EMI), num mundo cada vez mais orientado pelo pastiche das fórmulas bem sucedidas e pela plutocracia dos resultados comerciais e menos remunerador da reinvenção, da criatividade e da ousadia. Pode dizer-se que Viva La Vida or Death and All His Friends tem a natureza de um exercício objector (não chega a ser revolucionário), no sentido de caminhar no sentido oposto àquele que poderia esperar-se de uma banda sabedora do preço (e peso) que tem no mercado pelo simples facto de existir e se mostrar, mas claramente à procura de evitar os vícios da comodidade e da habituação ao sucesso. Assim se percebe porque disseram os músicos, em entrevista recente, que este disco não é para fãs de Coldplay. Não só a escrita baralha aqui a herança melódica do grupo com o risco da experiência, como a produção de Brian Eno e Markus Dravs (o obreiro da magia alquímica dos Arcade Fire) empresta um equilíbrio sem mácula à mistura, expondo as composições a especificidades técnicas menos comuns no cardápio Coldplay, como sons orquestrais e electrónicas do espaço. A cosmética não enfraquece as virtudes que se conheciam nos londrinos, antes as agita e descentra, aprofundando a feição meditativa e "adulta" que a banda sempre teve, atrás dos êxitos mainstream mais ligeiros. E em Viva La Vida or Death and All His Friends a superficialidade é coisa rara numa colecção de canções que demonstra inequivocamente que melodia pop e essência artística não são mundos inconciliáveis.

Posto de escuta Lost!IViva La VidaIStrawberry Swing

Foge Foge Bandido - O Amor Dá-me Tesão/Não Fui Eu Que Estraguei

2008-06-15T12:50:00.003+01:00

7/10
Turbina
2008
www.fogefogebandido.com

Por detrás do projecto Foge Foge Bandido está quase uma década de acidentais encontros de Manel Cruz com a sua própria verve. Não é segredo para ninguém que o antigo vocalista dos Ornatos Violeta e mentor dos subsequentes (e já extintos) Pluto, é um dos mais fecundos inventores de música que o panorama artístico nacional conheceu nos últimos anos e esta edição é testemunho de uma identidade criativa que vai bem além daquilo que publicamente mostrou. Recolhendo, no desregrado baú dos esboços inacabados e das ideias preteridas de outros tempos e de agora, a matéria para encher um duplo álbum com 80 (!) trechos, entre canções com estrutura e verbetes casuais (aqui chamados de "separadores"), Manel Cruz oferece-nos uma extensa síntese, não só dos caminhos incertos (e até experimentais) que o levam ao acto de criação de música, mas também dos desvarios deixados de lado pelo critério de escolha das melhores ideias. O Amor Dá-me Tesão/Não Fui Eu Que Estraguei tem, assim, o pendor de uma compilação atípica, porque não deriva do catálogo editado do músico. O que aqui se reúne, além de canções inteiras, são esquissos guardados na gaveta, experiências e sons casuais. Nesse sentido, embora servidas em conjunto com um livro de 140 páginas que lhes empresta dimensão física e conceito, as propostas do duplo álbum nada têm de "conceptual" e menos ainda de estrutura narrativa. Aquilo que aqui se escuta é, partindo do legado incontornável que Manel Cruz inscreveu nos Ornatos Violeta, o prazer do compositor ao inventar outras sugestões nas texturas, subliminarmente mais especulativas e sem preconceitos formais e estéticos. Aí, nesse deleite transformista, aquilo que uma colecção tão vasta de pedaços musicais perde em harmonia ou sentido estético - coisas para as quais não terá sido sequer pensada/destinada - lucra em surpresa. E é esplêndido redescobrir Manel Cruz e, mais do que isso, visitar algumas das faces menos divulgadas de um músico cujo talento inquestionável se encontra aqui (e se expõe) num fôlego mais diletante.

Posto de escuta MySpace

N.E.R.D. - Seeing Sounds

2008-06-13T14:45:00.004+01:00

6/10
Star Trak
Universal
2008
www.n-e-r-d.com

Embora o contributo de Pharrell Williams e Chad Hugo para a notória revivificação do universo hip hop e a consequente caminhada para o mainstream, a partir da segunda metade da década de noventa, não seja facilmente quantificável, certamente a história virá a fazer justiça ao par de produtores americanos enquanto forças motrizes da primeira linha desse movimento. Ao emprestar originalmente alguma excentricidade estética às austeras premissas estruturais do cânon hip hop, então somando-lhe o colorido exótico de sons espaciais e futuristas e a irreverência de percussões novas, o par Williams/Hugo ergueu, sob a alcunha The Neptunes, um conjunto de novos postulados texturais para o hip hop. A notoriedade do duo nesse orbe foi crescendo paulatinamente, à medida que os Neptunes produziram gente com o peso simbólico de N.O.R.E. (ex-Noreaga), Kelis, Ol'Dirty Bastard, Jay-Z, Snoop Dogg, Mystikal, P. Diddy, Busta Rhymes ou Usher. A latente consagração do "som Neptunes" criou motivos para a curiosidade do mundo melómano face à possibilidade da dupla saltar para a frente da mesa de misturas e, mais do que dar a conhecer uma química de arrumação de sons original, mostrar composições próprias. Com Shay Haley, Williams e Hugo formariam os N.E.R.D., aí encontrando o espaço criativo para, não só aproveitar as inovações técnicas entretanto consagradas, mas levá-las a outros níveis de emancipação e ambição, nomeadamente à conjugação de um código sonoro a apalpar convergências entre o hip hop, o funk, a música soul e o rock.

E depois de um primeiro disco algo discreto (In Search Of..., de 2001) e de um sucessor mais consistente (Fly Or Die, de 2003), e do hiato para aventuras a solo de Pharrel Williams e algumas colaborações e produções pontuais em trabalhos de terceiros, os três voltam a juntar-se para recuperar o fôlego da experiência e retomar o caminho sugerido pelo par de registos anteriores. Uma vez mais, a meta chama-se canção pop e as luzes e cores de inspiração misturam influências de origens várias, como é timbre dos N.E.R.D. e das linguagens que subscrevem. A nota dominante, além do eclectismo de Seeing Sounds, é um irrepreensível equilíbrio entre as anotações verdadeiramente retro que se espalham pelo disco e o complemento vanguardista que brota dos instrumentais. Todavia, ao contrário da inventividade que habitualmente sai das mentes de Williams, Hugo e Haley, as canções ficam longe do triunfalismo da produção de cátedra e resvalam, com excepções pontuais ("Everyone Nose", "Spaz" e "Yeah You" são os pontos altos), para uma mediania que embacia os méritos dos N.E.R.D..

Posto de escuta Everyone NoseISpazIYeah You

Matmos - Supreme Balloon

2008-06-11T15:48:00.003+01:00

7/10
Matador
PopStock
2008
www.myspace.com/
matmos1

Adeptos de travessuras surrealistas da era digital, Martin Schmidt e Drew Daniel fazem do conceito Matmos um dos expoentes mais originais do concentrado universo da electrónica left field corrente, sobretudo no tocante à investigação das virtudes ambientais e melódicas, se quisermos o lado mais ligeiro e "populista", de um género musical cuja complexidade estrutural normalmente afasta as massas. Foi no berço IDM (e no nicho da musique concrète) que Schmidt e Daniel encontraram embalo para um percurso de rara congruência estética, fazendo das raízes minimalistas um substrato sempre presente, e, partindo desse esteio estruturante, evolver para um registo sonoro de impressivos coloridos sintéticos, com traço melódico e fôlego experimentalista. O processo de crescimento produziu dois momentos magnos, um de minimalismo, construído apenas a partir da acústica de uma sala de operações, A Chance to Cut is a Chance to Cure, de 2001, e, outro, um manifesto de música concreta em The Rose Has Teeth in the Mouth of a Beast, o penúltimo e sétimo disco, de 2006.

A proposta orgânica de Supreme Balloon é comprimida em regra única: a orgânica do disco é construída exclusivamente com sintetizadores, sejam eles de qualquer era ou origem. Esse purismo analógico da obra tem uma leitura imediata, ao definir um legítimo (e nostálgico) recuo dos Matmos ao quinhão mais significativo das suas fundações, desligando o duo de San Francisco das recentes derivas pelo "concretismo musical", assim emprestando às especulações e obliquidades harmónicas das composições um pendor mais maquinal e, sobretudo, o exotismo de desvendar curiosos fetiches entre os prazeres antigos das "velhinhas" teclas de um Roland ou de um Korg, tão em voga nos 70's e 80's, e os computadores e tendências modernas. Atrás disso, vêm alguns harpejos encantadores, pontuais delírios 8-bits, insinuações cósmico-espaciais e um ou outro rifão mais "cerebral". Ao escutar Supreme Balloon percebe-se que a mudança formal, não só não contaminou a criatividade da dupla, como lhe acrescenta outros ângulos e dimensões, abrindo espaço para ocasionais instantes de nostalgia dos primeiros passos da electrónica (leia-se Kraftwerk, Jean-Michel Jarre, Vangelis) ou, em referências mais desfocadas, aos cosmos bizarros de Terry Riley e Keith Fullerton Whitman (o artífice da música concreta também aparece nos créditos do disco). Nesse sentido, o novo trabalho dos Matmos tem mais de memória do que de invenção pura e, a despeito da excelência do corte de alguns momentos ("Rainbow Flag" ou "Polychords" dão nota disso) e da limpidez e coerência dos ambientes, paira no ar uma sensação de breve discrepância entre a assinatura esdrúxula da dupla americana e o necessário ascetismo (ou limitação técnica) da electrónica clássica. A passada analógica parece curta para a ousadia da verve de Schmidt e Daniel. Em todo o caso, Supreme Balloon é um documento recomendado a espíritos curiosos e antiquários da electrónica.

Posto de escuta Rainbow FlagILes Folies FrançaisesISupreme Balloon

Sparks - Exotic Creatures of the Deep

2008-06-09T14:50:00.003+01:00

7/10
Lil'Beethoven
2008
www.allsparks.com

Embora só tenham conhecido verdadeira atenção mediática há seis anos, com o superlativo exercício de pop sinfónica que foi Lil' Beethoven, a verdade é que os californianos Sparks somam já mais de três décadas "esquecidas" de intensa actividade discográfica. A distracção dos públicos que deixou numa injusta periferia uma banda com uma discografia tão consistente e consequente quanto a dos Sparks, é apenas desculpável pelo facto de os irmãos Mael, Ron e Russell, terem uma das mais originais e mutantes linguagens da música pop contemporânea, coisa identitária de um tal dinamismo e volatilidade que os distancia de uma definição estética que fidelize séquitos. É, de resto, essa inesgotável capacidade da banda se reinventar - que, em certos momentos do percurso, se pode confundir com eruditismo - e, sobretudo, a imunidade aos códigos mais ligeiros e condescendentes da pop de grande escala, a causa para o distanciamento entre públicos e a música dos Mael e para, ao mesmo tempo, a sua sacralização enquanto objecto de culto de um nicho estrito de melómanos.

Não espanta, portanto, que ao vigésimo primeiro registo eles continuem a ser uma incógnita para as massas e a sua música uma causa com poucos aderentes. Exotic Creatures of the Deep não mudará essa ordem de coisas, pois recalca os argumentos técnicos mais recentes da discografia dos Sparks, mormente a visão "classicista" da canção pop - numa curiosa convergência entre tecidos electrónicos e condimentos próprios da música de câmara (o piano em staccato, por exemplo) - um certo minimalismo sinfónico e vocais em coro. Em todo o caso, o novo opus mostra maior diversidade instrumental do que o antecessor, ao juntar amiúde a electricidade das guitarras à mistura de opereta. O resto é, como é timbre dos Sparks, a pura ironia de erguer genuínos monumentos de musicalidade, partindo de ideias que, por vezes, chegam a roçar o absurdo. O dislate excêntrico é, para os manos Mael, uma matéria inspiradora, o pilar humorado de peças maduras e construídas com inteligência (também com o suporte lírico mais certo), de genuíno barroco modernista, de afectação "intelectualista", é certo, mas pejadas de motivos de interesse. Exotic Creatures of the Deep é, portanto, um puro Sparks em tudo, mesmo nos desvios, nas bizarrias, nos motejos e (até) nas incongruências de estilo de que, afinal, eles fizeram imagem de marca.

Posto de escuta MySpace

Man Man - Rabbit Habits

2008-06-04T11:13:00.003+01:00

8/10
Anti
2008
www.wearemanman.com

Não parece haver uma explicação aceitável para o facto de o quinteto Man Man ainda se manter na obscuridade da cena musical americana, sendo uma das suas mais inventivas, entusiasmantes e bizarras trupes. Para Honus Honus, Sergi Sogay, Critter Crat, Pow Pow e Chang Wang (há no universo conhecido melhor combinação de pseudónimos que esta?) a música é um inacreditável manifesto hedonista, sem quaisquer preconceitos formais e técnicos e, sobretudo, sem receio de transgredir descaradamente os postulados estéticos dos cânones. Aliás, a relação dos Man Man com a prudência ou o formalismo é manifestamente antipodal, ou não representassem eles uma das mais fidedignas acepções do psicadelismo, tão bem ilustrado na imaginativa prosápia com que se situam no espectro musical, algures entre o impacto cénico de um hipotético vaudeville da era viking e as andanças de um jazz cigano tresloucado. E a música deles, tão absurda e fantasista quanto esses rótulos, é pejada de instrumentos (pianos, saxofones, trompetes, clarinetes, flautas, baixos Fender, xilofones, marimbas, percussões) e delírios circenses e especula com as retorsões "clássicas" dos Captain Beefheart - talvez a referência mais pacífica - ou dos momentos menos convencionais dos mestres Tom Waits ou Frank Zappa.

Há dois anos, o inusitado (e precioso segundo álbum) Six Demon Bag (2006) subira os argumentos de musicalidade da banda a níveis quase surreais, ao conciliar causas de arroubamento rock, transcrições mais ou menos rabiscadas da festividade balcânica, improváveis charamelas de metais, entusiasmos vanguardistas pelo jazz psicadélico e, claro, os mais diversos pigmentos experimentalistas. O quadro não é menos colorido neste Rabbit Habits mas, em contraponto da descentração imoderada e da tensão do antecessor, o novo opus revela uma escrita mais fluida e focada na canção. O próprio Honus Honus acautelou, em entrevista recente e anterior à edição, a reacção dos fãs para aquilo a que chamou o "disco mais pop" do catálogo da banda, sublinhando então a identidade menos desenfreada que poderiam encontrar no álbum. Mas, depois de o escutar atentamente, a apreensão que sobreveio dessa entrevista, afinal, não encontra correspondência na música de Rabbit Habits. Mesmo com canções mais "organizadas" e racionais (dois adjectivos perigosos para a química dos Man Man), a verdade é que continua a haver lugar para o desvario, a paródia e inconformismo e isso é sinónimo de que a charanga de Honus Honus é tão brilhante como antes. Mesmo reduzindo a dose de alcalóides.

Posto de escuta The Ballad of Butter BeansITop DrawerIMister Jung Stuffed

Spiritualized - Songs in A & E

2008-06-03T11:18:00.003+01:00

7/10
Castle
Fontana Universal
2008
www.spiritualized.com

Quando Jason Pierce fundou os Spiritualized, em 1990, depois da falência dos icónicos (e esdrúxulos) Spacemen 3, colocando então um decisivo ponto final num dos mais incompreendidos projectos musicais da vanguarda da música britânica dos anos 80, poucos acreditariam que, na forja, pudesse estar a desvinculação do minimalismo psicadélico com que fez escola e se apresentou ao mundo melómano. E, em substância, os Spiritualized acabaram por afirmar-se como um sucedâneo improvável e mais refinado dos Spacemen 3, derivando de uma ética de especulações alucinogénias e informes, para a paulatina afirmação de uma discografia menos incontinente no "intelectualismo" e, no oposto, mais vocacionada para ver a meta na canção enquanto produto estruturado. Essa demarcação pelo cuidado na forma e, sobretudo, pelo investimento em causas mais consensuais (em certos casos até sinfonistas) da escrita de música, sem contudo perder o fôlego experimentalista e a vontade de desafiar limites, deu aos Spiritualized uma aura, porventura redutora (porque deixa "de fora" a espiritualidade e a empatia com o ruído, por exemplo), de banda dream pop. Não obstante a evidência da menor arbitrariedade do cancioneiro Spiritualized (quando comparado com o dos Spacemen 3), o rótulo é, neste Songs in A&E menos desajustado do que noutros registos. A música que aqui se inscreve é feita de embalos melódicos, de afinidade das texturas com sons orquestrais e das virtudes atmosféricas de misturar uma coisa com a outra, com uma ou outra peça a fugir a essa matriz.

Pondo termo a um silêncio de cinco anos sem gravações e marcado por um internamento hospitalar (daí o A&E do título) anterior às gravações, Songs in A&E é o sexto registo dos Spiritualized e demonstra, como outros tomos antes deste, que Jason Pierce reproduz na música a solução catártica para os ecos das angústias emocionais. Em todo o caso, a inspiração do álbum não se resumiu ao desconforto do infortúnio, ou não fosse verdade que grande parte do repertório já estava escrito antes da doença. Os sinais dessa catarse parecem esgotar-se nos breves interlúdios instrumentais, esses sim imaginados no hospital, ao passo que as canções são convictas e positivas, chegam a ser luminosas, e centram-se, como imporiam as idiossincrasias dos Spiritualized, na reflexão existencialista e na fragilidade da condição humana. O resto é uma experiência musical interessante, com a pompa nos arranjos e a fluidez de escrita que melhor servem uma colecção de canções íntimas e profundamente pessoais.

Posto de escuta MySpace

Tricky indeed...

2008-06-02T12:03:00.004+01:00

O esperado regresso de Tricky aos discos está perto - a edição londrina está anunciada para 7 de Julho - e o single de avanço é uma amostra de trip hop musculado e nervoso e desvenda um investimento vocal nunca antes escutado no músico britânico. "Council Estate" mostra-nos duas notícias numa só: exclusividade de Tricky nos vocais e um dos registos mais inflamados do seu percurso. Ficam abertos os apetites para Knowle West Boy...

Aimee Mann - @#%&*! Smilers

2008-06-02T10:59:00.002+01:00

7/10
SuperEgo
2008
www.aimeemann.com

Já lá vão mais de oito anos desde que o soberbo documento de contrastes humanos que é Magnolia somou ao intimismo e despojo da música de Aimee Mann um valiosíssimo complemento cénico. Mais do que meramente oferecer às canções da americana o protagonismo de levarem o filme pela mão, embalando-o no equivalente musical da triste redenção das personagens da narrativa, Paul Thomas Anderson soube inteligentemente encontrar enlaces emocionais certeiros entre história filmada e canção, sem se perceberem hierarquias de causa e efeito. Assim aconteceu a Aimee Mann, depois de um quarteto de álbuns nos discretos 'Til Tuesday, o raro privilégio de afirmar-se, não só pela singeleza da música, mas sobretudo pela fortíssima impressão de ver as canções projectadas na tela e, assim, assumirem-se como metáfora com dimensão "física" e realismo. São, aliás, o realismo, o espírito crítico e o resvalo do bicho humano para os abismos da emoção as substâncias que inspiram a sagacidade de Aimee Mann, como volta a acontecer neste @#%&*! Smilers, o séptimo capítulo do percurso individual.

Abandonadas as equívocas premissas conceptuais do antecessor The Forgotten Arm (se deixarmos de lado o disco de Natal que foi One More Drifter in the Snow), o novo álbum não monopoliza o espaço narrativo do disco num enredo único, antes se subdivide - como de resto aconteceu nos melhores momentos da carreira de Mann - em lacónicos retratos das frestas do espírito humano, como nos amores descrentes de "Phoenix", no desalento de "Freeway", nos lamentos "trintões" de "31 Today", nas confissões de "Medicine Wheel" e nas onerosas despedidas de "It's Over". É precisamente aí, nos motins da emoção, que Aimee Mann tão bem passa à forma de música, que as canções de @#%&*! Smilers herdam com mais propriedade a tangibilidade da banda sonora de Magnolia. Em rigor, embora merecendo pontualmente uma produção mais expansiva e com detalhes mais rebuscados do que as que musicaram o filme, estas canções convocam o mesmo imaginário e juntam-se para o momento mais inspirado de Aimee Mann desde Bachelor N.º 2. E isso são boas notícias, mesmo que alguns trechos puxem o registo para baixo, ao acusarem subliminarmente o estafamento de uma fórmula que Aimee Mann vem tentando regenerar a cada capítulo.

Posto de escuta FreewayIIt's OverILittle Tornado

Ladytron - Velocifero

2008-05-31T11:29:00.003+01:00

7/10
Nettwerk
2008
www.ladytron.nettwerk.com

A electrónica do novo século, se alguma coisa somou à sua própria renovação geracional, foi o alastramento de uma vaga de convicções que apontam sobretudo para o transbordo de fronteiras estéticas, quer "internas" (entre os seus diversos estilos rítmicos e orgânicas), quer exteriores, ao acolher ensinamentos doutrinários de outros estilos. Os britânicos Ladytron são, nas suas maneiras esdrúxulas, um dos vértices europeus desse entusiasmo pela redescoberta das valências da música electrónica e da mestiçagem com outros géneros. Arrumado num curiosíssimo plano estético algures entre o capricho do glam rock, as sombras do industrial, a electrónica independente e o melodismo onírico do synth pop, o quarteto chega ao quarto registo do seu percurso com o discernimento e os passos seguros de quem encontrou uma cunhagem própria. Velocifero mostra-nos a habitual propensão melódica dos Ladytron - nisso eles já não têm segredos - e os não menos idiossincráticos desassossego e excentricidade orgânica das composições. A música não deixa de ser pop, é directa e contém refrões de assimilação rápida, mas é também uma multiplicação esquizofrénica (muitas vezes ambivalente) de dimensões emocionais, capazes de soar, no mesmo trecho, a sonho atmosférico, a embevecimento, a claustrofobia e a inquietude. Assim se entendem melhor as permutas entre o fio melódico das vozes (Mira Aroyo e Helen Marnie parecem, cada vez mais, as duas metades de uma entidade una superior a elas) e a miríade de interferências nas texturas, ora tangentes de impurezas sintéticas, distorções e ruídos, ora mais próximas de tecidos convencionais, sejam eles rock (aqui menos do que no antecessor) ou pura electrónica. No apuro dessa mistura feita de contrastes, acontece mais vezes a convergência do que propriamente o conflito, assim se afirmando a coesão do disco e a validade da assinatura Ladytron. E isso é o mesmo que dizer que, também na electrónica, não é irreversível a distância entre preto e branco, entre o escuro depressivo e a esperança da luz, entre recato e excitação, entre conforto e nervo, entre gótico e utópico. E que é precisamente nesses intervalos de indecisão, nessas áreas de cinzento, que os Ladytron encontram o sétimo céu.

Posto de escuta GhostsISeason of IllusionsIPredict the Day

Scarlett Johansson - Anywhere I Lay My Head

2008-05-29T15:06:00.002+01:00

6/10
Rhino
Warner
2008
www.myspace.com/
scarlettalbum

É sempre um fenómeno polarizador de opiniões, quando um protagonista da sétima arte decide atrever-se nos domínios da música, galgando a imaginária fronteira - se quisermos, o muro de preconceito - entre dois campos artísticos que, bem vistas as coisas, conhecem recorrentemente interacções e confluências de várias ordens. O episódio mais recente coube à americana Scarlett Johansson, sex symbol preferido das modernas gerações cinéfilas, que experimenta o debute discográfico com uma colectânea de dez revisões de Tom Waits e um original. Em teoria, e antes de apreciar o produto final, o conceito subjacente ao disco seria necessariamente arriscado por encerrar dois pressupostos de risco, o de tratar-se de uma estreia de alguém que não gravara nada antes e, depois, o pormenor desse primeiro registo se inscrever num cancioneiro tão rico, exigente e emblemático quando o de Tom Waits.

Depois de uma aparição muito discutida em Coachella, ao lado dos Jesus and Mary Chain - então para interpretar "Just Like Honey", canção-bandeira do filme Lost in Translation, de Sofia Coppola, com Johansson como protagonista - e da divulgação cibernética de uma versão do clássico "Summertime" (de George Gershwin), por sugestão da Rhino Records, tinha ficado claro que, mesmo sem ter a intenção de fazer carreira na música, Scarlett Johansson dificilmente escaparia à tentação (e aos convites) para gravar um álbum. Partindo do multifacetado repertório de Waits e com uma equipa de suporte de gente de prestígio para mexer os cordelinhos do disco ou emprestar talento instrumental - David Sitek (Tv on the Radio), David Bowie e Nick Zinner (guitarra dos Yeah Yeah Yeahs) - Anywhere I Lay My Head revela uma estética muito própria. Desde logo, salientam-se as miragens arty de Sitek (é ele o alquimista-mor do disco), são elas as substâncias transformistas das canções de Waits, quase sempre a sublinhar-lhes a luz e as dimensões e viragens oníricas e a destilar a identidade insolente e crua dos originais. "Falling Down" ou "Anywhere I Lay My Head", ambas a tresandar a TV On the Radio, são exemplos paradigmáticos da cirurgia plástica de Sitek. O conceito estende-se ao restante alinhamento com coesão, compondo um corpo de canções congruentes enquanto resultado de uma definição estética e de um determinado objectivo "ambiental" para o disco, mas menos expansivas do que alguns momentos fariam supor. No fundo, é como se o mosaico de sons de que são feitas as canções fosse feito à medida de um registo vocal modesto, discreto, quase planante e narcótico. E é exactamente (e apenas) essa rígida timidez, para bem e para o mal, que a actriz americana é capaz de investir no álbum.

Posto de escuta Falling DownIAnywhere I Lay My HeadISong for Jo

Martha Wainwright - I Know You're Married But I've Got Feelings Too

2008-05-26T11:48:00.004+01:00

7/10
Drowned in Sound
Popstock
2008
www.marthawainwright.com

Muito por culpa da galvanizante escalada de Rufus para a divisão maior do orbe pop mundial, o apelido Wainwright ganhou, nos últimos tempos, a gravidade de uma casta emblemática e ficaram expostas as afinidades umbilicais da família com a música. Loudon Wainwright, o patriarca do clã, desbravou caminho desde os anos setenta, como autor folk, gravando mais de uma vintena de discos. Do casamento com a canadiana Kate McGarrigle, também ela associada à cena folk do seu país, como metade do duo das manas McGarrigle, nasceriam Rufus e Martha. E, embora tivesse desde cedo dado mostras de um fôlego criativo próprio e da intenção de traçar um trilho pessoal para o êxito artístico, foi precisamente pela mão do irmão que a música de Martha ganhou outra visibilidade, graças a pontuais (e repetidas) aparições em espectáculos - a mais notada, nas actuações de homenagem a Judy Garland no Carnegie Hall, então dando voz a "Stormy Weather" - e à habitual contribuição nos discos de Rufus. A par disso, além do natural debute em disco a solo, em 2005, a prestabilidade de Martha em colaborações inúmeras, mormente o célebre dueto com os Snow Patrol em "Set the Fire to the Third Bar", estabeleceram-na como um activo ubíquo e sólido da cena folk, ainda que sem o reconhecimento mediático devido.

I Know You're Married But I've Got Feelings Too promete emendar isso e introduzi-la a multidões maiores. Atrás do delicioso título, está um alinhamento de canções plenas de musicalidade, ora visitando o cânon folk, ora ensaiando as virtudes "clássicas" da canção pop de género mestiço. Com estas credenciais de ambição e, sobretudo, com o quilate instrumental e emocional das composições, se percebe o crescimento de Martha enquanto compositora. A delicadeza acústica do antecessor é, aqui, apenas um alicerce, o simplíssimo esteio de belas construções harmónicas e de um tecido sonoro cheio de pormenores. Ao delicado intimismo acústico, somam-se arranjos que redimensionam as canções, guindando-as a outra impressão, chame-se-lhe som de banda. Depois, é na voz de Martha que o disco descola, na elasticidade e na surpresa, no dramatismo e na luminosidade, na celebração e na confissão. As canções, apesar de uma ou outra concessão acidental às convenções, dão mostras de maturidade ("Tower Song" é um dos auges disso), de congruência e de um apurado sentido estético (que transforma, com belo efeito, "See Emily Play", dos Pink Floyd). E esse é, bem vistas as coisas, o melhor atestado de emancipação de Martha face ao "peso" do apelido e o primeiro passo efectivo rumo ao estatuto que merece.

Posto de escuta You Cheated MeITower SongISee Emily Play

She & Him - Volume One

2008-05-24T12:00:00.003+01:00

7/10
Merge
2008
www.mergerecords.com

Ela é Zooey Deschanel, actriz americana em firme escalada para a notoriedade em Hollywood (em Junho, vê-la-emos na nova película de M. Night Shyamalan, O Acontecimento, ao lado de Mark Wahlberg) e cantora/compositora acidental. Ele é M. Ward, cantautor canadiano com um interessante percurso a solo e inúmeras colaborações como guitarrista (a mais recente em disco do lendário francês Alain Bashung). Foi o realizador Martin Hynes que os juntos para reverem "When I Get to the Border", de Richard & Linda Thompson, para o filme The Go-Getter, de 2007. A aliança pontual entre ambos desvendaria convergências estéticas e, sobretudo, a empatia de M. Ward pela colecção de canções que Deschanel havia deixado no armário no passado recente. Daí até a dupla formalizar o casamento artístico sob o nome She & Him e, depois, partir para o registo em disco do trabalho de Deschanel foi um pequeno passo. As órbitas estéticas de Volume One apontam a uma toada de luminosidade sessentista, de folk-pop (às vezes country) ligeira, descomprometida e de emoções simples. Musicalmente, a guitarra de M. Ward (ele também produz, com elevação, o disco) e, em suporte, a bateria de Rachel Blumberg (Decemberists) e o violino de Tom Hagerman (Devotchka), mais os arranjos esporádicos que enchem as canções, dão à voz felpuda de Deschanel (uma mescla espessa de Joan Baez, Dusty Springfield e Loretta Lynn) o revestimento certo. E o disco acorda memórias esquecidas da canção "clássica" dos 60's, chamando a candura e a elegância de então, com ênfase particular na melodia sem segredos ou labirintos e na autenticidade da nostalgia. A dada altura, o canto ecoante de Deschanel e a orgânica retro das canções quase fazem esquecer o nosso lugar no calendário e, ao invés de parecerem um fruto contemporâneo, mais se impõem como uma preciosa antiguidade forjada noutro tempo. E, nesse sentimento anacrónico, o disco é triunfante. Pena é que algumas composições percam a oportunidade de capitalizar sobre esse efeito, ao deslizarem para uma previsibilidade que também desfeiteia a excelência da produção. Em todo o caso, os nutrientes "clássicos" de Volume One são motivos mais do que suficientes para tornar a sua audição uma experiência fértil e provar que a improvável dupla She & Him tem, afinal, pé para andar.

Posto de escuta Why Do You Let Me Stay Here?IThis is Not a TestISweet Darlin'

Death Cab For Cutie - Narrow Stairs

2008-05-21T10:51:00.004+01:00

6/10
Atlantic
2008
www.deathcabforcutie.co

Depois da oportunidade de participar regularmente na banda sonora da série televisiva The O.C., em 2004, o pequeno mundo dos Death Cab For Cutie mudou. Para trás ficava um percurso de alguns anos de discreta visibilidade no orbe indie, com um quarteto de álbuns lançado pela Barsuk de Washington (também é a casa editorial de gente como John Vanderslice, Menomena, Mates of State, Nada Surf, Rilo Kiley ou They Might be Giants) a merecerem reconhecimento moderado da crítica e dos públicos. No ano seguinte, fruto do crescimento da notoriedade da banda, Plans chega aos escaparates com a chancela da Atlantic, rapidamente se tornando no produto de melhor desempenho comercial dos Death Cab For Cutie e oferecendo a Ben Gibbard e seus pares, além de extensa actividade em palco, algo de impensável nos anos anteriores: a nomeação para um Grammy. Com o frenesi mediático a serenar paulatinamente, tanto sobre eles como sobre o projecto paralelo de Gibbard (Postal Service), o quarteto põe termo a um hiato de quase três anos sem gravar (o maior intervalo entre álbuns da sua discografia) e apresenta o segundo tomo da ligação à Atlantic.

Se Plans, talvez o mais polido exercício de murmúrios pop dos Death Cab For Cutie, tinha razoavelmente feito o respaldo de críticas e receios sobre os efeitos que a mudança para uma editora maior traria ao som da banda, este Narrow Stairs desvenda, numa toada emocional próxima do mesmo romantismo resignado e melancolia, um registo diferente. No lugar da placidez acústica que dominava o antecessor, o novo álbum é feito de música ainda calma mas com contornos menos definidos e texturas mais arenosas. No fundo, a aura de desassossego nem sequer é substância original das ementas emocionais de Gibbard, mas surge aqui mais crua e enigmática, mais dissonante (a melodia não é uma obsessão) e abrasiva, e longe da luminosidade e leveza que se entreviam em Plans. Este é, seguramente, o registo mais soturno e espesso dos Death Cab For Cutie, sem contudo perder a fulgência do lirismo da banda, antes sublinhando o medo do abismo sentimental, o lado mais amargo da visão poética que Gibbard empresta à sua música. Musicalmente, Narrow Stairs é simultaneamente delicado e desabrido, tem veio experimentalista e aponta a uma orgânica musculada, hipnótica, fechada e introspectiva. E atrás do pulso existencialista e das sugestões emocionais que o álbum motiva, apenas faltaram as canções sem banalidades que, num ou noutro momento, se parecem adivinhar-se, não chegam à confirmação cabal que a excelência técnica faria presumir. A excepção que mora em "Long Division" ou "I Will Possess Your Heart" não dilui a regra.

Posto de escuta I Will Possess Your HeartILong DivisionIGrapevine Fires

Moonspell - Night Eternal

2008-05-18T13:03:00.004+01:00

7/10
SPV
2008
www.moonspell.com

Um percurso solidamente instituído, tanto junto do mercado editorial como de uma falange crescente de públicos, nacionais e internacionais, é o que está atrás deste oitavo disco de originais dos Moonspell. A progressiva maturação da trupe liderada por Fernando Ribeiro e, sobretudo, o engenho reformista que foi capaz de acrescentar em cada episódio da criação musical ajudaram a cimentar a marca mais credível do metal português e um dos conceitos mais vigorosos e activos do estafado nicho gótico europeu. Depois de dois exercícios nostálgicos dos primórdios, Memorial (2006) e, mais ainda, Under Satanae (2007, regravação de alguns dos primeiros trechos da banda), com um pendor melódico menos visível, o novo opus recupera as harmonias cruentas e viscerais de Antidote (2005), um dos vértices do património Moonspell, e soma-lhes o refinamento estético de vozes femininas mais presentes - a saber, elas são Anneke Van Giersbergen (Agua de Annique, ex-líder dos holandeses The Gathering), Sofia Vieira (Cinemuerte), Patrícia Andrade (The Vanity Chair) e Carmen Simões (Ava Inferi). Em tudo o mais, Night Eternal é um puro Moonspell, com a sonda no pacto tradicional entre ambientes negros e descargas ásperas, mas com uma escrita mais fluente e estruturada (em comparação com os dois trabalhos anteriores) e, acima disso, uma certa continência vocal de Fernando Ribeiro que, ao invés da verborreia desgovernada e omnipresente de outros momentos, aparece aqui com pertinência, foco e sentido. Mesmo escorregando, a espaços, para a orgânica contemplativa em que os Moonspell respiram com mais embaraço e apesar do conformismo que, aí, macula as composições, Night Eternal lambe as chagas de Memorial e tem tudo para recolocar o quinteto da Brandoa no seu azimute natural de romantismo gótico e de proporção entre a agressão e grandiosidade mística.

Posto de escuta MySpace

Jamie Lidell - Jim

2008-05-17T12:13:00.002+01:00

7/10
Warp
2008
www.jamielidell.com

Longe do passado de vizinhanças electrónicas, onde ganhou notoriedade sendo metade dos Super Collider (com o chileno Christian Vogel, hoje nos Night of the Brain), o britânico Jamie Lidell encetou um percurso individual devoto à música soul. Consagrado pela crítica em 2005, com o muito referenciado Multiply - álbum que convocava substâncias tradicionais do cancioneiro soul e lhes emprestava o furor vanguardista de electrónicas ligeiras e da experimentação - Lidell regressa, no novo disco, aos mesmos padrões estéticos. Jim é, assim, um documento que repesca a natureza ambivalente do antecessor: é capaz de revelar um anacronismo mágico, reportando-nos ao ideário clássico da soul (leia-se Motown), e, em simultâneo, trazê-lo arrumado num som fresco, vivo, acessível e moderno. Nesse particular, faz-se notar a aposta num registo mais directo, dir-se-ia poppy, o que se traduz num menor investimento na experimentação e no sublinhado das melodias amigas do ouvido. Se isso pode ser pretexto para alguns verem Jim como produto de cedências ou, a outro nível, como mero conjunto de citações a referências de Lidell, não é menos verdade que se trata de um disco sólido, bem escrito e produzido e com um punhado de hits imediatos ("Another Day", "Out of My System" ou "All I Wanna Do"). E essa é a melhor homenagem que Lidell podia deixar aos ícones da soul negra, de Sam Cooke a Al Green, de Bobbie Womack a Curtis Mayfield, de Otis Redding a Percy Sledge, de Sly Stone a James Brown, de Marvin Gaye a Stevie Wonder. Jim é, por isso, uma confidência pessoal e íntima de Lidell e que apetece ouvir com a mesma paixão com que foi erguida.

Posto de escuta Another DayIOut of My SystemIAll I Wanna Do

White Williams - Smoke

2008-05-14T16:31:00.002+01:00

7/10
Tigerbeat6
2007 (ed. nac. 2008)
www.tigerbeat6.com

Na maior parte dos casos em que se pousa um CD no leitor sem nada saber sobre ele, o mais natural é dar-se uma de duas coisas: ou sobra a frustração de se descobrir algo com que não nos identificamos minimamente, assim despertando rejeições imediatas, ou, pelo contrário, saímos rendidos à surpresa positiva de perceber empatias instantâneas. A segunda hipótese é perfeitamente válida no debute discográfico de Joe Williams, de quem se descobre, depois do enlevo de desvendar as maravilhas de Smoke, tratar-se de um protagonista norte-americano das órbitas do experimentalismo e do noise que, paulatinamente, recentrou o percurso artístico em trejeitos de pop vivaça, descentrada e dançante. Numa identidade musical que nos envolve no imaginário mais ritmado e orgânico de alguns momentos de Beck ou David Bowie, por exemplo, Smoke é um produto psicadélico (ou colorido demais) e remete para tessituras de volúpia electrónica, música de computador dir-se-ia, com beats intensas, baixo firme e guitarras preguiçosas a insinuarem melodias, com qualquer coisa de funk e de glam rock. Depois, a orgânica das faixas é sobrecarregada de filigranas e maneirismos sintéticos que se confundem e sobrepõem em camadas, cruzando-se com as casualidades acústicas, numa mescla entre retro e vanguarda nem sempre de trato fácil, em razão da agudez de certos instantes, mas coerente na sobrelotação de sons. Um concentrado pop é assim, mesmo que a polpa seja tão espessa que não se lhe tome a integridade de sabor ao primeiro trago. Mas que é suculento, lá isso é...

Posto de escuta HeadlinesIIn the ClubINew Violence

Mandrágora - Escarpa + Fadomorse - Folklore Hardcore

2008-05-12T11:50:00.004+01:00

O selo lisboeta Hepta Trad tornou-se, nos últimos tempos, uma referência importante da nova folk portuguesa, ao acolher alguns dos mais interessantes projectos musicais de cariz tradicionalista. Não obstante essa identidade "histórica" transversal aos artistas que pontificam no catálogo da editora, é curto dizer-se que gente como os Dazkarieh, os Mandrágora, os Fadomorse ou os Omiri, por exemplo, são "apenas" veículos da tradição ou meros tradutores dos atavismos do secular manancial da música tradicional portuguesa. Essa fonte riquíssima é, em si mesma, uma genuína sugestão de coordenadas e ensinamentos instrumentais e melódicos que, depois, se acomodam a linguagens e pensares contemporâneos e a feitios de modernidade, assim convocando, no mesmo veio criativo, mágicos fragmentos de anacronismo e o indispensável pendor modernista. Em rigor, trata-se de homenagear a tradição e a história, repensando-a e trazendo-a a órbitas estéticas e escalas estruturais de hoje.

7/10
Hepta Trad
Compact Records
2008
www.myspace.com/
mandragorafolk

O quinteto Mandrágora, em lançamento de segundo álbum, é exemplo paradigmático desse fôlego reformista das tradições. Depois de um primeiro exercício de gravação incubado nos cânones mais tradicionais da música popular lusa, na altura situado como descendente orgulhoso desse filão, o novo opus desvenda uma curiosa vontade de procurar afinidades entre património histórico-popular e sonoridades mais próprias das urbes. Dizer isto é o mesmo que perceber que os Mandrágora têm, agora, um rumo mais definido do que antes. Não sendo um produto de radicalismos vanguardistas - isso seria atentar contra a identidade da banda - Escarpa é certamente um trabalho mais ousado do que o antecessor, desde logo na forma como os ingredientes tradicionais são postos ao serviço de composições que conjugam a tradição popular e sabores hodiernos que se confundem com alentos progressivos e jazz. A gaita-de-foles está cá, o saxofone especula mais do que antes, as cordas aparecem com oportunidade, a flauta é vírgula indispensável, o baixo e a bateria dão vida ao recanto, a guitarra clássica tece os panos da melodia. E, no meio dos instrumentais, ainda cabe uma canção inteira ("Abaixo Esta Serra"), com o canto cortês de Francisco Silva (Old Jerusalem).

6/10
Hepta Trad
Compact Records
2008
http://www.fadomorse.net/

O caso dos transmontanos Fadomorse é substancialmente distinto. Eles vão no quinto capítulo de um percurso marcado pela irreverência, tanto nos conteúdos líricos - onde o sentido de humor e a ironia são o expediente retratador das idiossincrasias lusas - como na feição mutante da música, entre o experimentalismo psicadélico, a tradição, a mestiçagem de géneros e o gosto pelo paganismo e as sonoridades étnicas. Foi assim que a música do octeto se tornou virtualmente inclassificável, como coisa circunstancial (ou acidental, como o improviso) que é, refém de sabores e influências do momento. Há tingiduras indisfarçáveis da cultura tradicional portuguesa, é certo, mas o conceito Fadomorse é muito mais do que isso, é oriental, é do mundo, é rock, é tribal. Segue agudo, às vezes acre, cru e acelerado, outras vezes melódico, envolvente e folclórico. Folklore Hardcore é também isso tudo e, dissimulado de emissão radiofónica da Rádio Trasmolândia, traz-nos a costumeira paródia da banda, o sentido ecléctico e musicológico da sua música, a sensibilidade universalista das canções e a harmonia de um cancioneiro visceralmente português mas voltado para o mundo. Radical é o adjectivo que melhor define os Fadomorse (e este disco), porque serve o partidarismo tradicional de música que busca as raízes lusas (e outras) e, a um nível conceptual, sublinha a índole revolucionária com que a banda cruza géneros e alerta consciências através da música. Em todo o caso, a despeito da oportunidade do conceito, quando comparado com outros discos dos transmontanos, Folklore Hardcore mostra-nos composições mais conformistas e que pouco somam ao que está para trás. Faça-se a excepção honrosa de "Indá Pastores", "Mundo Vampiro", "Caxemira" ou "Marujos do Asfalto", a tríade de trechos onde os Fadomorse mais arriscam e se saem a contento.

Mesa - Para Todo o Mal

2008-05-11T12:02:00.002+01:00

6/10
Sony BMG
2008
www.mesa.pt

Com o tirocínio feito em dois momentos discográficos que os atiraram para a primeira linha da nova geração pop nacional, os portuenses Mesa chegam ao terceiro título, não só aproveitando os planos de estilo que fizeram a sua identidade antes, mas sobretudo dando provas de não se limitarem a passagens conformistas por esse património, reinventando-o e somando-lhe outras valências. Dessa diversidade técnica notória nos dois discos prévios e prosseguida neste Para Todo o Mal, sobra um fôlego experimentalista com duas vias: uma vontade de expor as medidas convencionais dos mais simples ideários de canção pop a derivas pontuais por outros padrões estéticos (o jazz, o rock ou a electrónica) ou, em momentos de maior ambição, a uma saudável "confusão" de proporções entre a matéria dominante (o corpo pop, pois claro), as influências estruturais e as imensas especiarias orgânicas invocadas. Fruto dessa dualidade genética dos Mesa, entre o convencional e o especulativo, Para Todo o Mal encaixa melhor na segunda definição, no sentido de ser um disco, quando comparado com os antecessores, de espaços curtos para a previsibilidade ou o padrão e que procura os ângulos incertos da experiência. Até a voz de Mónica Ferraz se expõe - sem mácula, diga-se - a outros riscos e manobras, sublinhando, também aí, a frescura das canções e de um alinhamento que conhece duas metades, separadas por um trecho de ambientes instrumentais ("Biombo"). A primeira, mais nervosa, onde pontificam composições próximas do molde que nos habituámos a escutar nos Mesa e duas aventuras (o rock pendular de "Estrela Carente" e a electrónica empolada de "Munição"), e a segunda, mais romântica e introspectiva (pode dizer-se minimalista e despojada?), com o debute baladeiro da banda ("Boca do Mundo") e curiosas surpresas de pulsação mais baixa. Em todo o caso, nem a largura estética do disco, nem o eclectismo do cardápio chegam para mascarar a modéstia de grande parte das composições que, a despeito da riqueza estrutural, se ficam por uma mediania satisfatória, é certo, mas aquém daquilo que podia esperar-se da evolução dos Mesa.

Posto de escuta MySpace

Santogold - Santogold

2008-05-07T15:33:00.005+01:00

8/10
Lizard King Records
Edel
2008
www.myspace.com/
santogold

O trabalho precursor de desbaste e sedução de consciências para um formato inusitado de mesclar, com amplitude pop e medidas dançantes, influências da electrónica, do hip hop e do grime e cadências rítmicas das ruas de qualquer parte do mundo, estava feito por M.I.A., mormente desde que o mundo melómano foi tomado de surpresa pela vivacidade de Arular, lançado em 2005 como uma espécie de manifesto de música transnacional. Foi "Creator", single introdutório do álbum de Santi White (ou Santogold) que, à chegada aos escaparates, no ano transacto, motivou uma onda de comparações (justificadas) com a britânica, então aguçando a curiosidade pelo anunciado delfim artístico de M.I.A., sobretudo depois de o segundo registo desta (Kala) ter deixado espaço, atrás de uma subliminar desilusão, para o surgimento de sucedâneos.

Escutado, agora, o álbum que acolhe esse single, continuam indisfarçáveis as convergências estéticas com M.I.A., embora se notem diferenças interessantes e que, em último caso, são também as fundações de uma identidade que se descola das referências. Essa "autonomia" começa, desde logo, num investimento mais firme noutras escolas estéticas, não cedendo ao domínio da cartilha hip hop (aqui menos presente do que na discografia M.I.A.), mas essencialmente convocando sabores da electrónica independente, do new wave clássico, do dub ou, surpresa maior, do rock de última geração. O resultado é um disco pleno de inventividade pop, com canções bem construídas - longe do fôlego de guerrilha de M.I.A. - e alvo de uma produção certíssima (Diplo, Disco D, Chuck Tree, XXXchange e a própria M.I.A. assinam). A isso, some-se um eclectismo consequente e sem desorientação, em volta das mais comuns linguagens da música urbana corrente, que empresta ao álbum o dinamismo e diversidade próprias de um objecto para consumir horas a fio. Santogold é um festim luxuoso de texturas entusiasmadas pelo digital, de exorbitâncias e combinações de estilos, de uma voz que faz circunstâncias (ao invés de, a elas, se acomodar), de sentido de proporção entre a estrutura melódica e o apelo da dança (sem sobreposições) e, por tudo isso, é uma das grandes revelações da primeira metade do ano.

Posto de escuta You'll Find a WayICreatorII'm a Lady

Isobel Campbell & Mark Lanegan - Sunday at Devil Dirt

2008-05-05T11:07:00.003+01:00

7/10
V2
2008
www.myspace.com/
isobelcampbell

Quando a lendária anti-estrela do rock americano Mark Lanegan anunciou, há dois anos, a edição de um disco conjunto com a escocesa Isobel Campbell, cândida voz mostrada nos Belle & Sebastian, o mundo melómano foi apanhado de surpresa. Se é verdade que o encontro não estaria na primeira linha das cogitações imediatas dos conhecedores da obra de ambos, ou não fossem poucas as áreas comuns aos repertórios de Campbell e Lanegan, não é menos evidente que, descontadas as superficiais diferenças estéticas, os dois sempre buscaram na melancolia o substrato medular para escrever música. É precisamente aí, na convergência para encontrar um clarão optimista (e inspirador) na melancolia e, a partir desse ponto cardeal, mostrar o lado mais generoso (e musical) da consternação, que a dupla inventa sinergias. Nessa óptica, faz todo o sentido, tanto neste Sunday at Devil Dirt como no antecessor, a união entre a angelical amenidade dos sussurros de Campbell e as orações ásperas e cavas de Lanegan. As composições são, como em Ballad of the Broken Seas, maioritariamente assinadas pela escocesa e devolvem-nos ao mesmíssimo imaginário emocional, valendo-se da aliança das vozes (tão francas que nem parecem ter sido gravadas em separado, com um oceano no meio) e da oportunidade de sublimes arranjos de cordas que, pontualmente, perfumam o minimalismo das canções. Afastada a surpresa do primeiro disco e a inconsequência de alguns dos seus trechos, Sunday at Devil Dirt é feito de canções mais escorreitas e mais carismáticas num negrume nunca definitivo - afinal fica intuída uma luz regeneradora - e erguidas, com algumas derivações estéticas, em volta do ideário "clássico" que melhor as serve: os códigos folk/blues. E não hão-de sobrar muitas dúvidas de que Campbell e Lanegan, desta vez, fizeram de um pacto improvável mais do que a mera justaposição das partes.

Excepter - Debt Dept.

2008-05-04T11:56:00.003+01:00

7/10
Paw Tracks
2008
www.excepter.com

Da mesma forma que Camilo José Cela definiu, em tempos, a política como a arte de encaminhar a inércia do animal humano e da sua existência evolutiva, também à música pode imputar-se uma função enquanto instrumento sociológico: a de animar essa letargia intrínseca ao Homem. Assumindo como relativamente pacífico esse propósito operacional da música nas suas mais variadas identidades estéticas, é curioso descobrir na discografia dos Excepter um substrato que parece contradizer esse pressuposto. Com John Fell Ryan, Dan Houghland (eles são o núcleo criativo) e seus companheiros de sexteto, as artes musicais vincam a renúncia ao atávico encargo de açular conformismos e preguiças do espírito humano e, ao invés disso, fazem deles a matéria primaz de inspiração. Assim se entendem, neste como noutros momentos do catálogo da banda, os motivos de uma bizarra predilecção por construções melódicas (se é que se pode falar de tal coisa nos Excepter) estruturalmente anémicas, de cadências arrastadas (ou apenas subentendidas) e erguidas em lentas e psicóticas experiências de ressaca, com escalas estéticas a oscilarem, como vultos, entre o drone e a abstracção electrónica, o underground rap e o industrial. De Suicide a Bauhaus, de Swans a Boredoms, tudo embrulhado com narcóticos.

Apesar de tudo, Debt Dept. insinua-se como o menos intratável dos apêndices da família Excepter, talvez por hoje se fazerem óbvias as paisagens mentais que esta música invoca e por, em virtude disso, já estarmos familiarizados com uma linguagem de modorras e desalinhos (as convenções não cabem aqui), de beats e vocalizações discrepantes, de texturas esdrúxulas e porosas. O enlevo pelo burlesco rouba o espaço da ortodoxia nos cânones Excepter e são, sobretudo, as derivações para a excentricidade e o primitivismo, também um ou outro resvalo auto-destrutivo, que fazem o feitiço de Debt Dept.. Nem todas as "canções" são pitanças do tamanho de "Kill People" ou "Burgers" (grande, grande, grande, grande), mas um disco de Excepter é sempre obra para desfiar com a reverência que merece.

Posto de escuta Kill PeopleIGreenhouse/StretchIBurgers

Crystal Castles - Crystal Castles

2008-05-03T11:50:00.002+01:00

7/10
Lies
2008
www.myspace.com/
crystalcastles

Tendo chegado ao conhecimento da comunidade melómana graças às ferramentas cibernéticas, então apresentando curiosas revisões de canções assinadas por terceiros (Klaxons, Goodbooks, Bloc Party ou Liars), o duo canadiano Crystal Castles inicia-se, agora, nas lides discográficas em nome próprio. E procurar uma definição para as electrónicas de Ethan Kath (programações) e Alice Glass (voz) leva-nos, desde logo, a uma delirante incursão pelo universo sonoro de videojogos datados, tal é a forma como as texturas incorporam rudimentares sons 8-bits para construir melodias, umas vezes em sobrelotado e intenso caos de ruídos, ao jeito de uma explosão hedonista de cóleras sem rumo definido, noutras encostando-se a formas mais convencionais do cancioneiro electropop "clássico". Em qualquer dos casos, há um denominador comum nas cadências rítmicas, a indisfarçável afinidade com a cartilha Soft Cell. E, ao mesmo tempo, num facto raro em música com este calibre orgânico, os ambientes do disco não se esgotam na festividade que seria natural esperar, nem sequer fazem dela epicentro, preferindo alinhar por um ansioso desencanto (nesse particular, as vocalizações ácidas de Glass desempenham papel crucial) pouco comum às pistas de dança. É esse o sinal identitário dos Crystal Castles, num disco a apontar para órbitas pós-festa e que vem recheado de (bons) exemplos da utilidade das máquinas para fazer electrónica angular, borbulhante, ingénua e absolutamente desafiante.

Posto de escuta CrimewaveICourtship DatingIGood Time

M83 - Saturdays = Youth

2008-04-29T16:09:00.004+01:00

6/10
Mute
2008
www.ilovem83.com

O projecto M83 conseguiu expandir a sua notoriedade além das fronteiras da França, então no formato de duo (Anthony Gonzalez e Nicolas Fromageau), com o muito debatido Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003), e, à época, foram escassos aqueles que não os conotaram com uma linguagem musical próxima de suceder à orgânica do shoegazing - mesmo dispensando quase na íntegra o efeito dramático das guitarras - mormente pela reconhecida insistência em ecos e reverberações e, sobretudo, pelo recurso a um revestimento instrumental de decibel alto e estreiteza de ânimo. Desse tempo para cá, com a perda de metade do núcleo criativo (Fromageau), as máximas M83 conheceram algumas mutações significativas, desde logo com a adição definitiva da voz e a consequente aproximação a estruturas formais menos especulativas. Dir-se-ia que, com um álbum de instrumentais de pendor cenográfico pelo meio, alegadamente o primeiro de uma série para continuar (Digital Shades, Vol. 1, de 2007), Anthony Gonzalez fez do conceito M83 um campo de experiências entre o som atmosférico e o dramatismo, ou entre a tensão orgânica e a canção. E é, também, de canções que trata este Saturdays = Youth, sublimando as sugestões de transição que Before the Dawn Heals Us (2005) havia oportunamente deixado.

Atribuindo a autoridade sonora a um melodismo quase anacrónico dos sintetizadores, a lembrar ápices dos oitentas, o álbum recebe, igualmente, os favores acústicos do piano ou de guitarras maquilhadas e, aqui e ali, do canto adocicado da norte-americana Morgan Kibby, em conveniente contraponto do monocordismo de Gonzalez. Depois, a produção das canções (a cargo de Ken Thomas (Sigur Rós, Cocteau Twins, Suede) e Ewan Pearson (Ladytron, The Rapture)) dá-lhes uma estilização de fantasia, apelando à dimensão etérea de cada som ou, na falta dela, convocando a carga melodramática (e cénica) do romantismo que atravessa o álbum. Nesse sentido, Saturdays = Youth é o registo mais emocionado (a branco ou a preto) e nostálgico do catálogo M83 e, em aparente paradoxo, é também o produto mais mundano da colecção, ao firmar uma conjuntura de sons mais "naturais", sem fugir das áreas indefinidas do sonho (a belíssima "Kim & Jessie" é exemplo paradigmático disso). Pena é que o resvalo abstraccionista tire da melhor órbita algumas faixas do disco que acabam por minorar os predicados de excelência dos auges inscritos em trechos como "Kim & Jessie", "Graveyard Girl" ou "Too Late". É precisamente essa tríade, construída em códigos subliminarmente mais directos, que melhor mostra a dualidade euforia/melancolia que é, afinal, a substância-mor do disco e de uma entidade M83 mais voltada para a estrutura.

Posto de escuta Kim & JessieIGraveyard GirlIToo Late

Portishead - Third

2008-04-28T10:16:00.004+01:00

9/10
Mercury
2008
www.portishead.co.uk

Quando o maquinal single de apresentação do novo opus dos Portishead ("Machine Gun") começou a atrair o mediatismo próprio do saudado reaparecimento de um dos projectos musicais mais aliciantes dos anos noventa, volvida quase uma prolongadíssima década de silêncio, suspeitou-se instantaneamente que Beth Gibbons, Geoff Barrow e Adrian Utley se proporiam actualizar o especulativo ideário de sons com que fizeram história. Muitas vezes canonizado como o progenitor maior do género trip-hop - muito por culpa do incontornável Dummy (1994) - o trio britânico tornou-se, então, ícone de uma forma de musicar a melancolia que assentava, sobretudo, no experimentalismo nas texturas para construir canções tendencialmente informes, de cadência lenta e expressão negra e ambiental, algures entre o pós-modernismo jazz, os mandamentos de pulso do hip hop e o melodismo distorcido, narcótico e claustrofóbico de música cosmopolita na essência. Esse traço de conexão com a metrópole e as suas inquietudes é, de resto, uma substância inseparável do tutano da música dos Portishead, hoje como ontem vinculada a uma permanente contestação das convenções estéticas que é, em última instância, o derradeiro panfleto do homem urbano deste século, o eterno inconformado.

A semente desse inconformismo incurável é, do mesmo modo, crucial a Third enquanto documento regenerador de causas dos Portishead. Como o tempo que entretanto se situou entre o último disco e o actual mudou os paradigmas de expressão da melancolia, também eles sentiram a invalidade do discurso "antigo" para debelar as novas chagas dos espíritos introrsos. E, ao voltarem-se para dentro, ao introspectivamente demandarem por respostas para ânsias e opressões modernas, Gibbons, Barrow e Utley encontraram uma verve mais fracturada do que antes, no limite da incoerência carnal e com a vertigem da falência. Assim são também as canções de Third, errantes e não sistémicas, despidas do prescindível, nervosas e ofegantes como confusas crias do medo, desconfortáveis nos calafrios da sua pele. Entre a surpresa do minimalismo cortante ou do ruído casual, a improvável cenografia de um ou outro instante e a aquietação de uma melodia cifrada, a "nova" roupagem dos Portishead é psicadélica, abstracta, sinuosa e cheia de interstícios e escapatórias. O que, no caso deles, não é mais do que o retrato musical dos motins mentais e incongruências do sujeito contemporâneo, na forma da redentora redescoberta de si mesmo. Que descanse o espírito da busca de palavras, a música dos Portishead discursa belissimamente por ele...

Posto de escuta MySpace

Four Tet - Ringer

2008-04-25T15:23:00.002+01:00

7/10
Domino
2008
www.fourtet.net

Depois de, com o percussionista Steve Reid, ter erguido dois capítulos algo discordantes do cerne da sua discografia individual, então aventurando-se nos prados especuladores da música de improviso, o britânico Kieran Hebden escolheu o formato de mini-ábum (quatro faixas em meia hora) para retornar ao habitat mais confortável, a assinatura Four Tet. Ringer é, no seguimento disso, um exercício reabilitador das principais idiossincrasias de Hebden, um produto das hodiernas castas laptop que ele próprio ajudou a propagar. Nesse particular, olhado por um prisma meramente técnico, o disco não acrescenta notícias substancialmente novas ao cancioneiro Four Tet, antes repisa as costumeiras estruturas cíclicas do músico, com beats e texturas em repetição (essa especificidade é notória, por exemplo, no tema-título), pontuais coloridos importados do cânon ambiental e, sobretudo, o engenho para derivar acidentalmente para fantasiosos efeitos de levíssimo noise sintético. É aí, nessas arestas mal limadas, que melhor se define a identidade única de Hebden, ora testando a resistência do ouvinte - ao insistir, com acinte, em sons maçadores (ouça-se "Swimmer") - ora enchendo os ambientes com poeiras desarmónicas, no limite da cacofonia. O resultado é cru e difícil de degustar (especialmente por ouvidos menos treinados nestas andanças) pela sua natureza acidental, mas revela-se compensador, como outras manifestações do percurso Four Tet, por edificar um edifício melódico a partir de pressupostos anti-melódicos e atrás de uma belíssima camuflagem orgânica. E, pelo meio, com maneirismos polirrítmicos, ressonâncias e complexidade, não faltam minudências para excitar o espírito, enquanto ele se entretém a desfiar a melodia.

Posto de escuta MySpace

The Last Shadow Puppets - The Age of Understatement

2008-04-23T11:26:00.004+01:00

7/10
Domino
2008
www.thelastshadowpuppets.com

Depois de se terem conhecido, há três anos, em plena explosão mediática dos Arctic Monkeys, numa digressão com os menos mediáticos The Little Fames, Alex Turner e Miles Kane (hoje nos Rascals) trataram de passar à forma de música as convergências artísticas que encontraram. De então para cá, a par dos inúmeros relatos noticiosos da existência dessas composições conjuntas, a dupla desvendou interesse em expô-las publicamente, sob o epíteto The Last Shadow Puppets. A concretização desse intento, em resposta às expectativas de melómanos e críticos, chegou em dois momentos distintos, primeiro um EP de apresentação (com quatro canções) e, agora, o tão esperado álbum. E desde as primeiras notas deste The Age of Understatement faz-se evidente o desígnio estético de Turner e Kane. Trata-se, sobretudo, de uma sondagem nostálgica do lado mais vivaz e sinfónico da pop sessentista, em canções com recorte cândido e emocionalmente frágeis, mas servidas por arranjos de cordas que lhes emprestam projecção e sumptuosidade. É como se os acrescentos da London Metropolitan Orchestra, escritos majestosamente por Owen Pallett (Final Fantasy), puxassem o esqueleto acústico das canções para o impacto cénico e amplitude próprios de uma pop mais madura, reverberante, barroca. Depois, a produção de James Ford é uma belíssima surpresa, ou não fosse ele metade da sensação Simian Mobile Disco, e não tivesse, no universo das electrónicas e remisturas, construído um catálogo curto, é certo, mas nos antípodas do clausulado estético que aqui se apresenta. A verdade é que o imaculado polimento de Ford, com guitarras maquilhadas de tremolo e timidez, com percussões de outras eras e entusiasmos pelo eco, dá às canções de Turner e Kane um oportuníssimo tempero retro. Como numa reminiscência apressada de um Scott Walker "clássico" (uma luminária assumida pelos Last Shadow Puppets), onde cabem também sombras da canção francesa tradicional (Jacques Brel é inspiração), do rock psicadélico, da ciência de Morricone, do imaginário sonoro dos filmes de espiões e do ideário sinfónico de uma big band. Tudo apurado e arrumado devidamente, rende a The Age of Understatement uma avaliação vintage e a certeza superveniente de que, atrás da máquina bombástica dos Arctic Monkeys e do seu sucedâneo que os Rascals se aprestam para mostrar em disco brevemente, existem dois músicos/criadores com aptidões para vagabundearem esplendidamente em registos mais estimulantes.

Posto de escuta MySpace

Cut Copy - In Ghost Colours

2008-04-21T11:39:00.004+01:00

8/10
Modular
2008
www.cut-copy.blogspot.com

A instantânea internacionalização do trio australiano Cut Copy, na sequência do inesperado debute com Bright Like Neon Love de há quatro anos, mostrou ao mundo musical uma proposta sonora pouco comum no universo aussie, algures entre a synth-pop mais esdrúxula e a reverência às ondas do new wave. E se o primeiro trabalho não escondia algumas "impurezas" próprias de um disco construído essencialmente a partir de gravações domésticas do grupo, depois revistas e experimentadas sob um conceito de álbum, este In Ghost Colours supera essa abordagem rudimentar e acrescenta ao som dos Cut Copy a maturidade técnica que ele impõe. Esse crescimento estrutural da música de Dan Whitford (sintetizadores/programações), Tim Hoey (baixo/guitarra) e Michel Scott (bateria) é, entre outras coisas, resultado da engenharia de som de Tim Goldsworthy, o inglês faz-tudo da DFA, que empresta aos sabores electrónicos da banda um interessantíssimo entusiasmo pelas guitarras enquanto vectores de atmosferas. E é disso mesmo que se alimenta a chama de In Ghost Colours, de uma curiosa aliança entre a química digital e a guitarra gloriosa. Nesse palco de enlaces sugerem-se, como é raro ver-se com semelhante efeito, pontos de contacto entre a electrónica dançante e o pop-rock luminoso, sem que se vislumbre qualquer preferência de uma órbita em relação à outra. Ao lado do pulso rítmico mais generalista e importado das pistas de dança ou da electrónica de massas (aí os Erasure ou os Orchestral Manoeuvres in the Dark são um indisfarçável ponto cardeal), correm construções harmónicas de fino recorte acústico que pedem meças às novas gerações do rock (não estranha que gente como os Bloc Party ou os Franz Ferdinand os tenham requisitado para primeiras partes das respectivas digressões). In Ghost Colours desvenda, portanto, uma arquitectura menos simples da que é anunciada nas primeiras audições e, mesmo assim, desdobra-se em canções triunfantes e viçosas, de construção muito coerente e preenchidas a propósito. Coisa para agradar, ao mesmo tempo, aos indies sequiosos de híbridos, aos saudosistas de pop electrónica vintage e até aos discípulos das escolas de música de dança das últimas duas décadas. E tal transversalidade, sobretudo quando mostrada com a versatilidade, a congruência e o balanço que os Cut Copy aqui exibem, não é assunto de que muitas bandas (e discos) se possam gabar.

Posto de escuta Out There on the IceIHearts on FireIStrangers in the Wind

The Breeders - Mountain Battles

2008-04-16T16:21:00.003+01:00

7/10
4AD
Popstock
2008
www.breedersdigest.net

Embora tendo sido sempre olhado como um projecto secundário e de emancipação das suas fundadoras Kim Deal (Pixies) e Tanya Donelly (Throwing Muses) face ao rarefeito espaço de protagonismo nas bandas de origem, a verdade é que o conceito The Breeders granjeou um recanto especial no mundo indie, mormente no começo da década de noventa, quando um par de álbuns bem sucedidos (Pod, de 1990, e Last Splash, de 1993) despertou atenções da comunidade melómana. Ao mesmo tempo, contrariando as expectativas iniciais, a confluência de interesses entre Deal e Donelly esvaziou-se paulatinamente, o que veio a culminar na deserção da segunda. A baixa afectou equilíbrios no seio do projecto e, mesmo o recrutamento de Kelley Deal (irmã de Kim), não afastou a cisão que parecia incontornável. Kim formou os The Amps, a irmã deu passadas individuais e a marca The Breeders parecia morta, no final de 1995. Nestas coisas da música, porém, há duas coisas fatalmente certas: nem um lampejo de sucesso efémero é suficiente para manter uma banda, nem a "morte" de um projecto é definitiva até ao desaparecimento dos seus integrantes. E, tal como os Pixies, também as The Breeders renasceram, já em 2002, com as manas Deal, José Meledes e Mando Lopez. Title TK, primeiro opus pós-reaparecimento, rebuscava alguns dos pilares criativos da banda: canções musicalmente espartanas e a dispensarem artifícios, o gosto pelo refrão amigável e, sobretudo, a vontade de especular sobre os idiomas rudimentares do rock de garagem e o lado mais criativo do rock independente.

Volvida meia dúzia de anos desse disco, as Breeders mantêm a aposta no mesmíssimo imaginário e pressupostos e concebem um trabalho fiel ao seu cancioneiro, mas onde parece residir uma curiosa contenção no uso das faculdades mais "eléctricas" da banda, em prol de um registo íntimo, desprovido de truques e pessoal. Embora, aqui e ali, se libertem matérias mais agitadas, Mountain Battles é um disco que, pesando euforia e recato, quase sempre pende para o segundo, mostrando-nos as emoções habituais do cardápio das Breeders num revestimento diferente. E esse é o melhor elogio que pode fazer-se à versatilidade destas canções esqueletais (e às Breeders de hoje): o facto de dispensarem motins e entusiasmos exagerados e, reduzidas a uma urgência (quase não passam dos três minutos) pouco condizente com o laboratório de experiências onde foram erguidas, manterem a curiosidade pelas texturas e, mais importante do que isso, os genuínos sabores de sedução e contraste de outros tempos. Entre o buliço (aqui necessariamente pouco musculado) e a circunspecção quase romântica. Como um parto que expia ácidos de antanho.

Posto de escuta Bang OnIGerman StudiosIRegalame Esta Noche

Dead Combo - Lusitânia Playboys

2008-04-15T16:01:00.002+01:00

8/10
Dead & Company
Universal
2008
www.deadcombo.net

Chega a ser um paradoxo que um conceito musical tão robusto quanto é o Dead Combo tenha nascido de uma casualidade. Nem mesmo Tó Trips e Pedro Gonçalves teriam fantasiado que a coisa assumiria as proporções que hoje tem, a ponto de a crítica especializada muitas vezes os considerar como um dos projectos com maior potencial exportador da música lusa. É preciso recuar quatro ou cinco anos no calendário para recordar as primeiras aparições públicas da parelha lisboeta na Zé dos Bois e o burburinho crescente que lhes sucedeu, "impondo" a necessidade de passar à forma de disco uma fórmula musical inicialmente pensada para escalas pequenas. No fundo, Tó Trips e Pedro Gonçalves, ambos oriundos das esferas rock da praça, viam a entidade Dead Combo como um espaço exploratório de sonoridades pouco usuais cá no burgo e tê-lo-iam pensado nessa reduzida dimensão de laboratório que, poucas vezes, chega aos focos da fama. Todavia, aos poucos, os públicos foram descobrindo (e deixando-se render a) um som incomum, um misto de portugalidade nostálgica, importada dos filões clássicos da guitarra portuguesa (e, por inerência, de Carlos Paredes e do fado), e de sabores "morriconianos" de spaghetti-western ou de um qualquer deprimido desert blues. Guitarra, contrabaixo e genuinidade definiram, então, o início de um trajecto consequente a cruzar latitudes musicais, sem perder o tino e a raiz portuguesa.

Lusitânia Playboys, terceiro longa-duração da dupla, destaca-se organicamente dos anteriores, sobretudo pelo cuidado nos arranjos. Se até aqui, os produtos dos Dead Combo respiravam um minimalismo quase claustrofóbico e nascido das exóticas depressões e do cosmopolitismo da Lisboa moderna, invocando as faces menos iluminadas da alma lusa (a tal alusão pouco purista ao fado como inspiração), o novo opus parece apostado em somar luz aos ambientes. Não é que o disco modifique substancialmente as premissas musicais dos Dead Combo, mas sente-se nestas composições um fôlego optimista e festivo. Nesta pele mais ditosa, Tó Trips e Pedro Gonçalves redescobrem-se e sugerem-se novas coordenadas para ressarcir a melancolia e a desolação. Ao invés de lânguidas e arrastadas ressacas, aqui há lugar para a perspicácia de deixar entrar a luz, sem perder o conforto do escuro. E os sépias poeirentos fazem-se amarelos com impurezas, as guitarras do deserto viram coros de bar e os graves do contrabaixo chamam o horizonte. Venham os violinos, os acórdeões, as flautas e os sopros; venham o Howe Gelb (em "Manobras de Maio 06"), os Kid Congo Powers (na magnífica "Cuba 1970", um genuíno "fado habanero"), o Carlos Bica ("Lisbon Berlin Flight 1001"), a Ana Quintans ou o Alexandre Frazão, juntem-se todos ao repasto e bebam um copo com estes dois alfacinhas. Lusitânia Playboys está aí para provar que um pouco de boémia é o melhor expediente para afugentar sombras da alma e merece ser celebrado por isso. E por ser a melhor colecção de composições dos Dead Combo.

Posto de escuta MySpace

Clinic - Do It!

2008-04-15T11:16:00.003+01:00

7/10
Domino
Edel
2008
www.clinicvoot.org

Quando os Radiohead convidaram os Clinic para fazerem o preâmbulo de grande parte dos concertos da digressão de promoção de Kid A (2000), muitos melómanos ainda nem sequer se tinham dado conta da existência do quarteto de Liverpool. Em boa verdade, à época eles tinham apenas acabado de estrear-se em disco (Internal Wrangler), depois de um punhado de EP's que deixaram os críticos a salivar. Oito anos e cinco álbuns (com este) depois, mesmo não tendo os Clinic (ainda) sido celebrados no mainstream, certamente serão poucos os que não tiveram uma primeira exposição ao art-punk dos ingleses, cujos sinais identitários se centram em três traves-mestras a que a banda se mantém fiel: a degustação nostálgica de vários sabores rock (do primarismo da garagem e do punk a insinuações mais "cerebrais"), a tentação pelo experimentalismo (e alguma esquizofrenia estética) nas texturas e nos ritmos e as pantomimas vocais de Ade Blackburn (às vezes em mimese de Thom Yorke) e Brian Campbell. Também Do It! é leal a esses pressupostos, sublinhando a costumeira curiosidade pela forma e a atmosfera de emoções voláteis que as canções veiculam. É, sobretudo, um disco sem fio-de-prumo, sem preocupações de rumo e onde pouco importam as assimetrias entre (ou dentro) (d)as composições. A plácida paranóia dos Clinic é isso mesmo, um delírio orgânico perfumado, ao mesmo tempo, de retro e vanguarda (mais do primeiro), um elíptico caleidoscópio de cores baralhadas em caos controlado, uma mescla de matérias cruas e ideias elaboradas. No final - tanto de Do It! como de qualquer outra manifestação dos Clinic - fica a impressão de um som cifrado demais para os grandes mercados mas, ainda assim, capaz de convencer aqueles adeptos do imediatismo que têm paciência para espreitar atrás das evidências. E se se confirmam algumas minúsculas nódoas de estagnação - que seriam mais ou menos inevitáveis numa banda com uma identidade algo difusa - que obstam à sua efectiva afirmação daqui para a frente, não é menos verdade que a música dos Clinic permanece um activo sedutor ("Corpus Christi" é o ápice do disco) e que vale a pena visitar.

Posto de escuta Shopping BagICorpus Christi IEmotions

Mão Morta - Maldoror

2008-04-14T12:19:00.005+01:00

8/10
Cobra
2008
www.myspace.com/
maomorta

O tempo consagrou o universo de grotesco e de horror que Isidore Ducasse ergueu, em 1870, à volta da figura de Maldoror, icónico antideus do niilismo, da iconoclastia moral, do macabro e do indecoro. Exaltado como referência incontornável de inúmeros criadores surrealistas (e de pontuais derivações "góticas") das gerações seguintes, Les Chants de Maldoror é a matéria inspiradora do mais recente trabalho dos Mão Morta. Sugerido ao ensemble bracarense pelo conterrâneo Theatro Circo, o poema prosado de Ducasse (sob o pseudónimo de Comte de Lautréamont) acabou por ser pretexto para a segunda aventura de Adolfo Luxúria Canibal e companhia nos domínios da música feita para encenar, depois de Müller no Hotel Hessischer Hof, de há onze anos. À partida, em face de um texto tão negro e fatalista, seria normal esperar-se um registo sonoro vizinho dos postulados rock ásperos que se tornaram ordinários na discografia dos Mão Morta. Porém, a proposta sonora de Maldoror, não se desvinculando definitivamente dessa medula mais crua (escute-se, a título de exemplo, "A Porcaria", faixa de abertura do segundo disco), usa as palavras de Ducasse como premissa conceptual para construções musicais mais "ambientais" (porque sujeitas a uma regra de desprendimento formal e à conveniente identidade cenográfica), com uma riqueza textural que tanto convoca guitarras como electrónicas e sobre a qual poisa o cicerone cavernoso, corrosivo e dramático da voz de Adolfo L. Canibal. E, aí, percebe-se a validade da aposta numa orgânica mais melancólica, espacial e soturna; a especulação quase pós-rock que aqui mostram os Mão Morta revela-se um caixilho infalível para o bizarro e o negrume da obra de Ducasse. Nessa viagem por um mundo fantástico de desumanidade e macabrismo, descobrem-se personagens emocionalmente densas e fábulas cortantes e, en passant, quase esquecemos que os Mão Morta são uma banda de genética rock. Porque Maldoror é um exercício superior de musicalidade ao serviço da letra, de reinvenção de causas e de circunstâncias dos Mão Morta e, acima de tudo, mesmo tratando-se de uma edição "incompleta" - porque privada da componente cénica que só o palco pode dar - é um trabalho conceptual de casta extraordinária. Para sublinhar o simbolismo da obra, o disco vem distribuído com um mini-livro ilustrado, em edição limitada.

Tapes 'n Tapes - Walk it Off

2008-04-10T11:06:00.004+01:00

6/10
XL Records
2008
www.tapesntapes.com

Com as órbitas da blogosfera e a auto-promoção escritas na sua origem e, a partir daí, tendo crescido consistentemente para lá do chamado fenómeno das blog bands, os americanos Tapes 'n Tapes vão desenhando uma identidade sonora que, depois da aplaudida estreia com The Loon, há três anos, merece agora o sempre crítico segundo episódio. Esteticamente colocados num ilustre fio temporal de influências que vem dos Pavement e dos Pixies (quem não é influenciado por ambos?) ou dos Talking Heads aos Modest Mouse e aos Arcade Fire, Josh Grier e seus pares mostraram, nesse primeiro exercício, o quarteto de verbetes fundamentais ao tutano da banda: sabores retro, abstracção, eclectismo rock e fórmulas acêntricas. Levantaram-se, então, talvez algo impensadamente, louvores de que eles seriam mensageiros de um novel movimento de canções rock esdrúxulas, de um qualquer neo-psicadelismo ainda por decifrar; a verdade é que, neste Walk It Off, confirma-se que essa tendência para dar às peças musicais um toque de inconformismo não foi gesto isolado, não só porque o álbum desfia graças de eclectismo mas, sobretudo, porque é uma vibrante colecção de bizarrias e aparentes incongruências (embora isso seja menos notório do que no debute). A esse facto não é alheia a produção do alquimista Dave Fridmann (produtor dos Flaming Lips, por exemplo), aqui gloriosamente a emprestar aos Tapes 'n Tapes o inconfundível fetichismo pela maquilhagem caleidoscópica: guitarras pujantes, doses copiosas de reverberação e vozes desfiguradas e ecoantes.

Neste espírito, a associação Fridmann/Tapes 'n Tapes - porque ambos defendem um princípio de criatividade centrífuga (tomando como centro os modelos mais conformistas da pop) - parecia destinada ao êxito. O problema é que, em grande parte de Walk it Off, a escrita de Grier é mais centrada do que os antecedentes fariam prever, resvalando para uma previsibilidade melódica a que a banda parecia (no primeiro álbum) imune. "Demon Apple" é a peça que melhor resiste a essa fatalidade sistémica do disco, demonstrando a inconstância estrutural e a dose de excentricidade que melhor serve o imaginário dos Tapes 'n Tapes. Atrás dessa, uma tríade de competências suficientes: "Lines", o single "Hang Them All" e "Conquest". Nos sobejos parece habitar uma languidez que, até aqui, se julgava ausente do dicionário sonoro da banda de Minneapolis. E isso quer dizer que Walk it Off tem menos substância do que se esperava.

Posto de escuta Demon AppleILines IHang Them All

Angel - Kalmukia

2008-04-08T11:24:00.003+01:00

7/10
Editions Mego
2008
www.myspace.com/
angelnoise

Segredo muito bem guardado da música escandinava desde 1999, o duo experimental Angel - espaço underground dividido por Dirk Dresselhaus (Schneider TM) e Ilpo Väisänen (Pan Sonic) - tornou-se um trio com a oportuníssima adição do violoncelo de Hildur Gudnadóttir (Múm), em 2004. Se, anteriormente, o par de músicos evocara preceitos musicais livres de formas, ainda que notoriamente afectos aos cavernosos orbes do drone, com a chegada de um terceiro elemento foi possível acrescer outra musicalidade e, sobretudo, esmiuçar valências diferentes dentro do monolitismo reconhecido nas primeiras manifestações. De resto, é como trio que o projecto se esgueira à natural padronização de conceitos que, mais tarde ou mais cedo, acaba por alcançar a maioria dos intérpretes do drone. Claro que Stephen O'Malley é um guru cuja influência é transversal ao trabalho dos Angel - ele até assina a capa deste disco - e são as suas coordenadas que alimentam a inspiração do trio nórdico. Todavia, a estrutura orgânica das composições é diferente e variável, mormente no quarteto de trechos deste Kalmukia. Aqui, Väisänen, Dresselhaus e Gudnadóttir erguem quatro cenografias que, não sendo conceptualmente contrastantes, determinam metas diferenciadas. Ora seguem de perto a previsível cortesia ao ideário Sunn O))), densamente travestido em andamentos ainda mais apáticos e arrastados, quase ao jeito de um western preguiçoso (ouça-se a faixa de abertura), ora buscam a abstracção e a contemplação em texturas sem corpo, electronicamente manipuladas e com o magnífico pranto do violoncelo como voz de comando. Assim desfila o álbum, entre melancolia e interrogação, numa progressão incerta e que propaga ao ouvinte o poder do devaneio, da bizarria e das mutações que a música insinua. Afinal, atrás do som cifrado, a experiência é de emoções franqueadas, é aberta, é profundamente cerebral e tenta, aqui e ali, uma proporção épica que não se adivinharia num "mero" trio de protagonistas. Talvez não chegue a tanto mas, de permeio, Kalmukia é um deleite na descoberta, uma incursão extática em mundos de ilusão a preto e branco, de onde resultam sensações ambíguas, quase desintegradas, algures entre a mais sobressaltada misantropia e o poema declamado entre silêncios de penumbra. E nessa viagem interior sucumbem as considerações de que o drone é género inevitavelmente refém da estagnação. Nada disso acontece na miríade de fabulações dos Angel.

Posto de escuta Bones in the SandIEffect of Discovery, Text, Alarm, Catastrophy IAftermath: The Mutation

Fuck Buttons - Street Horrrsing

2008-04-07T11:13:00.002+01:00

7/10
ATP
2008
www.fuckbuttons.co.uk

Assim que se escutam as primeiras notas de Street Horrrsing se percebe que há qualquer coisa de paradoxal na fantasia musical do projecto Fuck Buttons. Do instantâneo contra-senso cénico entre a toada virginal do background pastoral de "Sweet Love for Planet Earth" e a companhia esquizofrénica (e assombrosamente espessa) do feedback, primeiro, e de vociferações incontinentes e descontroladas, depois, se pode inferir que a persona musical de Andrew Hung e Benjamin John Power é tudo menos um lugar sereno. Chega a ser cínica a maneira como os dois britânicos exibem a inevitável incongruência de uma criatividade conturbada, cuja personalidade múltipla (ou despudorada desinibição) é capaz de revelar um substrato de romantismo e placidez sensorial para, logo de seguida, atear sobre ele uma incrível labareda de electrónica atípica, a desafiar os limites da dissonância. Tal é o tropel gigântico das impurezas e dos ruídos que, a dado passo, quase deixa de vislumbrar-se o tutano melódico das composições, "esmagado" pelo motim descoordenado de acidentes sónicos (vindos, por exemplo, de ressonantes guitarras em desvario, em quase transcrição dos ideários drone) que o sobrepujam. A mistura é perturbadora na sua obtusidade e pode cansar por confiar demasiado na repetição ("Race You to My Bedroom/Spirit Rise" é notório manifesto) e, por isso mesmo, nunca chegará a consagrações mainstream. O que não quer dizer que Street Horrrsing não mereça vénia pelo virtuosismo com que nos dá um engulho inesperado, ao reinventar o nicho impenetrável da música fundada no noise, refundindo métricas e substâncias (a adição de um subliminar tribalismo é uma pequena maravilha!) e, sobretudo, emprestando às construções um valioso jogo de dissidências estéticas (o apogeu mora na coda do álbum, a sublime "Colours Move"). E é precisamente nos ápices em que essas discrepâncias se fazem mais inteligíveis - quando o ruído não monopoliza o oxigénio das faixas - e o contraste entre os fragores e as teclas melancólicas tomam os comandos do álbum que se declara a verdadeira identidade dos Fuck Buttons. Sinuosa e psiquicamente confusa, é certo, mas não menos desafiante por isso. Assim é Street Horrrsing, um gomo de algodão embebido em ácido.

Posto de escuta Sweet Love For Planet EarthIBright TomorrowIColours Move

Rádio Macau - Oito

2008-04-04T12:04:00.002+01:00

8/10
iPlay
2008

Com uma caminhada de vinte e cinco anos de música, com as irregularidades próprias da extensão e alguns períodos de hesitação pelo meio, os Rádio Macau são, hoje, uma marca estabelecida na pop nacional, não só por terem construído uma identidade sonora imediatamente reconhecível pelos melómanos mais atentos, mas sobretudo por serem autores de alguns dos trechos mais visionários (e, por inerência, iluminados) do cancioneiro luso contemporâneo. E Oito é um apurado retrato da personalidade artística da banda, demarcando-se das tendências "desviantes" e experimentalistas reveladas nos últimos trabalhos e optando pela fidelidade aos pilares que ajudaram a erguer e definir o conceito Rádio Macau. Esse "tradicionalismo" não é, contudo, sinónimo de mera reposição ou de conformismo face às coordenadas mais seguras; pelo contrário, repescando os ambientes em que se sentem mais confortáveis (e onde encontram a filigrana da sua inspiração), os Rádio Macau renovam-lhes a actualidade e respiram a confiança certa para dar azo a belas construções melódicas. O compromisso com a melodia é, de resto, transversal ao disco, com as palavras vocalizadas por Xana a poisarem delicadamente nas plácidas texturas musicais. Aí, além de sinais evidentes da estruturação madura do que deve ser uma canção pop, fazem-se notar a eloquência de arranjos delicados e a coerência estética de um alinhamento que, mesmo não estando subjacente a qualquer modelo conceptual, acaba por definir um corpo de canções bastante congruentes entre si. E, além de ter uma ou outra peça que facilmente virá a ser inscrita no escol dos Rádio Macau ("Cantiga de Amor", "Nos Sonhos Impossíveis" ou "Por Linhas Tortas"), Oito representa um oportuníssimo regresso de um dos valores inabaláveis da nossa praça.

Posto de escuta MySpace

R.E.M. - Accelerate

2008-04-02T11:09:00.003+01:00

7/10
Warner
2008
www.remhq.com

Quando se soube que os R.E.M. tinham requisitado os serviços do produtor Grant "Jacknife" Lee para arrumar o novo álbum, seria natural conjecturar-se uma viragem rock no som da banda, ou não fosse ele a personagem principal da produção dos últimos trabalhos de gente como os The Hives, os Editors, os Bloc Party ou os U2. As suspeitas subiram de tom quando a tal facto se juntou o anúncio (prévio ao lançamento) de que o título do disco seria Accelerate, em notória reafirmação do saudoso sentido de urgência (e consequente "electricidade") que o rock dos primórdios dos R.E.M. tivera e que, paulatinamente, se foi dissipando na natural depuração de princípios de vinte anos de percurso. Ao mesmo tempo, essa expectativa vinha ao encontro de anseios da legião de fãs da banda, algo desencantados com as últimas performances discográficas da trupe de Michael Stipe e sequiosos de um retorno a fórmulas menos polidas (menos diletantes também) e, portanto, mais próximas da génese. E Accelerate não frustra as esperanças dos mais nostálgicos, sublinhando o investimento num som cru, cortante, breve (o disco fecha ao fim de trinta e quatro minutos), áspero e genuinamente directo. E isso sem deixar de ter o viço de pop-rock independente que é marca dos R.E.M., embora com um revestimento mais musculado e pulsante e, sobretudo, sem ornamentos ou desvios supérfluos. No fundo, esta "aceleração" mais não é do que um recuo às espartanas raízes indie do grupo e isso é, em última análise, uma óptima forma de Stipe, Buck e Mills se redescobrirem e reencontrarem gratificação naquilo que fazem melhor. Os fãs (e o mundo musical) rendem-se ao renascimento dos R.E.M. e é tão interessante ouvi-los assim directos que quase se negligencia o facto de que, a despeito de um punhado de boas canções ("Living Well is the Best Revenge", "Supernatural Superserious", "Houston" e "I'm Gonna DJ"), o álbum nem é tão luminoso (e iluminado) quanto parece.

Posto de escuta Living Well is the Best RevengeISupernatural SuperseriousIHouston

Justus Köhncke - Safe and Sound

2008-04-01T15:50:00.002+01:00

8/10
Kompakt
Flur
2008
www.myspace.com/
justuskoehncke

Quando o selo Kompakt, de Colónia, foi fundado - no final da década de noventa - já Justus Köhncke integrava o colectivo Whirlpool Productions, na época um dos mais expressivos representantes da electrónica germânica dançante, em pleno movimento de afirmação de uma estética que, convocando estruturas de pulso rítmico da música techno, revelava afinidades com os paradigmas pop. Os samples eram, então, um recurso generalizadamente utilizado para vincar esses afectos, trazendo às composições a dose certa de maleabilidade melódica para contrabalançar com o laconismo técnico dos sons de síntese. Até à sua afirmação de pleno direito como um dos mais reputados produtores do orbe electrónico contemporâneo, Köhncke esmiuçou esses ensinamentos, não só com os Whirlpool Productions (com eles, escreveu o mediático hit local "From Disco to Disco"), mas a título individual. A sua chegada à Kompakt, com Was Ist Musik (2002), acabou por traduzir-se na manifestação mais pop do selo alemão, dando mostras de um trabalho cultivado em espaços comuns ao disco sound, à pop de feitura sintética, ao funk-house ou ao R&B descomprometido e a um fôlego ambiental notório. De então para cá, ora por força de inteligentes reconstruções e versões de material de terceiros, ora pela afirmação das suas próprias composições, Justus Köhncke concretizou um trajecto ecléctico que chega, agora, ao quarto registo (o terceiro na Kompakt).

Safe and Sound demarca-se, desde logo, dos anteriores por ser um álbum quase integralmente instrumental. A esse pormenor não é estranho o facto de as composições de Köhncke com voz terem sido "desviadas" para o recém-criado alter-ego emotronic Kinky Justice. Neste disco, porém, o enfoque é a exploração da face ambiental da electrónica dançante, o que marca também uma certa divergência face ao pendor pop do passado recente do músico/produtor. Despidas de palavras, as peças acabam por expor melhor a profundidade de texturas, emoções e instintos. Aí, desvendam-se, como nunca antes no percurso de Köhncke, uma crueza e visceralidade raras, coisa que até vem a autorizar devaneios experimentais que não se lhe conheciam. A desviante (e quase dissonante) "$26" é expoente dessa correcção de princípios, com misteriosos sabores sci-fi e ciclos nervosos de batimentos e arritmias sorumbáticas; alinhando por esse diapasão mais céptico, também "Feuerland" (versão de Michael Rother, ex-Kraftwerk) ou "Tilda" (de soslaio, faz lembrar Jean-Michel Jarre), mesmo "Safe and Sound" ou a ambiental "Spukhafte Fernwirkung", são a prole do desencanto adquirido do outro lado da barricada, atrás dos sorrisos triunfantes e do impulso físico das típicas "Parage" (lá está, o sampling não podia faltar!) e "(It's Gonna Be) Alright" e das esdrúxulas construções da tríade de abertura ("Yacht", "Molybdan" e "Love and Dancing"). Um universo binário, sem dúvida; mas em que os dois hemisférios emocionais se tocam e preenchem mutuamente, se aconchegam e, uma vez somados, se convertem numa superlativa viagem ao interior de nós mesmos. Afinal, é lá que residem as palavras omitidas que rematariam estas "canções".

Posto de escuta YachtIFeuerlandI$26

Los Campesinos! - Hold On Now, Youngster...

2008-03-31T10:46:00.002+01:00

7/10
Wichita
Flur
2008
www.loscampesinos.com

Depois de um punhado de EP's, todos "pela mão" da Wichita Recordings, que chamaram a atenção da comunidade melómana e geraram um hype considerável no Reino Unido, os galeses Los Campesinos! dão-nos finalmente um primeiro álbum. Das canções anteriormente dadas a conhecer, apenas se repete "You! Me! Dancing!", num sinal claro da vontade do septeto em firmar outros caracteres no seu imberbe cancioneiro e, ao mesmo tempo, renovar os motivos de conversa em volta da sua música. Nas primeiras audições deste Hold On Now, Youngster... sobra uma impressão de algum esgotamento, muito por culpa da intensidade rítmica do disco, da atenção que ele reclama do ouvinte para os detalhes e, sobretudo, da festividade saturada que embrulha alguns trechos. Não é que semelhante júbilo seja coisa não grata à música pop - nunca o foi - e, em boa verdade, é até uma substância indispensável ao som farto dos Los Campesinos!, pautado por um paradoxo de sensibilidade, entre a exuberância (ou histeria) e a puerilidade, a técnica na estruturação (aí, a crítica tem-lhes diagnosticado, com alguma propriedade, afinidades com os Pavement) e a pura diversão. E decifrar o frenesi deste disco é perceber esse contra-senso existencial da banda e, espreitando atrás da aparente infantilidade do discurso, descobrir alguns instantes de genuinidade indie e um ou outro ápice de pop luminosa e triunfante (o já citado "You! Me! Dancing!" ou "Sweet Dreams, Sweet Cheaks", por exemplo). O resto é feito de minudências técnicas: o desfile de guitarras aguçadíssimas, aqui e ali a fugirem para uma perninha experimentalista, merece escolta de uma percussão low profile e traz uma caravana de teclados, cornetas e violinos para encher a paródia e almofadar a acelerada algazarra vocal. Venham as gentes e faça-se a festa!

Posto de escuta Death to Los Campesinos!IDon't Tell Me to Do the Math(s)IYou! Me! Dancing!

Meshuggah - ObZen

2008-03-29T12:31:00.002Z

7/10
Nuclear Blast
2008
www.meshuggah.net

Se há coisa que os suecos Meshuggah refinaram com o tempo - e eles já estão nestas andanças há mais de vinte anos - é uma inventiva aptidão para melhorarem o seu registo sonoro a cada momento discográfico, movendo-se entre os inúmeros estímulos que o universo metal tem para oferecer. Nesse particular, assumem especial protagonismo o líder criativo da banda, Fredrik Thordendal, notabilizado pelo recurso a guitarras de oito cordas para concatenar sequências de acordes únicas e definidoras de múltiplas identidades, e Tomas Haake, maestro da secção rítmica, cujas descargas e desabamentos da bateria arrumam as várias "caras" dos Meshuggah num determinado contexto estético. Desde as primeiras manifestações destes escandinavos se percebeu a prevalência pelo investimento em causas pouco convencionais, no fundo uma saudável convicção de que nas margens dos paradigmas de estilo e, sobretudo, nos espaços comuns entre as diversas "escolas" metal, subsistem muitos vectores de inspiração. Assim, tornou-se notada a forma como os Meshuggah paulatinamente cresceram, mormente a partir da obra-prima Destroy Erase Improve (1995), para um magnífico híbrido entre as urgências monstruosas do trash, a estruturação com coordenadas progressivas, os ambientes quase-industriais e a inconstância rítmica do math metal. Dir-se-ia que a maturação de Thordendal, Haake e seus pares subjugou o preconceito histórico de que qualquer produto metal seria um exercício de boçalidade e, por inerência, jamais se permitiria qualquer veleidade intelectualista. Eles, não só serviram máquinas musicais de quilate novo, claramente elevando níveis face à concorrência, como redesenharam o panorama metal ao inscreverem-se num género próprio, sem fronteiras e esteticamente muito sólido e coerente. Inclusivamente, tiveram a argúcia de agitar as águas quando parecia instalar-se um certo formulismo, renovando a temporização das suas canções, primeiro no EP I, de 2004, com uma peça única de vinte e um minutos e, depois, no álbum Catch Thirty-Three (2005), onde dividiram quase aleatoriamente, em treze pedaços, uma composição una de quarenta e sete minutos.

ObZen, sexto registo, abre com as detonações trash de "Combustion", desviando o foco para o vigor e potência, ao lado do costumeiro contorcionismo rítmico da banda. A tendência espalha-se ao restante alinhamento, num registo porventura mais directo, frenético e maquinal do que noutros capítulos dos Meshuggah, mas não menos técnico e preciso. "Bleed", terceiro trecho do disco, é sintomático do dinamismo asfixiante - escute-se a singular dimensão do enlace entre guitarras e percussão (aqui sem os fetichismos electrónicos do álbum anterior) - e da declaração de ferocidade imprimida neste trabalho. Ao mesmo tempo, a despeito de ser um disco estruturalmente mais "tradicionalista" - há menos espaço para a desconstrução de formas e, aí, o álbum pode deprimir algumas ilusões dos indefectíveis da banda - a marca única dos Meshuggah é-lhe transversal, seja nas aparições pontuais de experimentalismo melódico ou nas secções progressivas das composições. E, sendo um Meshuggah, não há assunto sem emoções fortes.

Posto de escuta BleedIPravusIDancers to a Discordant System

Foals - Antidotes

2008-03-27T11:09:00.002Z

8/10
Transgressive Records
Sub Pop
2008
www.wearefoals.com

Depois de se ter apresentado ao mundo discográfico com uma tríade sólida de singles ("Hummer", "Mathletics" e "Balloons", apenas o último está no alinhamento do álbum), no ano transacto, e de fazer furor no mítico festival de Reading - onde, actuando num palco secundário e sem música editada, cativou a atenção da crítica - o quinteto inglês Foals apresenta, em disco de estreia, a sua transgressão musical, um generoso híbrido que faz conjugar as tendências contemporâneas do rock britânico (leia-se Arctic Monkeys, Klaxons ou Franz Ferdinand), o pulso acelerado de composições feitas para dançar e uma certa angularidade importada das escolas "matemáticas" de rock. De semelhante mistura, facilmente se adivinharia o semblante festivo do disco, sublinhado pela singular confluência entre a secção rítmica, com cadências muitas vezes a roçar a agitação techno, e as guitarras. Nestas, sobretudo na apetência pela circularidade e pela repetição (também em paralelo com a tal afinidade pelo math), se percebe porque é que a banda aponta Steve Reich como uma fonte de inspiração. Em tudo o mais, o experimentalismo de Antidotes traveste-se de disco pop não convencional, mormente nos trejeitos vocais mais "previsíveis" de Yannis Philippakis (pastiche de Kele Okereke?) que, por vezes, desviam as canções para órbitas assimétricas com o som cifrado da parte instrumental. Trata-se, afinal, de afirmar uma postura não ortodoxa, quase "académica", de erigir canções, ao jeito dos produtos concentrados dos americanos Battles, e somar-lhe, depois, o magnetismo da melodia ligeira (esse é o jogo de Philippakis) e sem segredos. E, no fim, o distinto debute de Antidotes vem provar que há nos Foals potencial para combinar técnica, forma e musicalidade com resultados de excepção.

Posto de escuta MySpace

Suspiros de metralhadora...

2008-03-26T09:56:00.002Z

Em dia de regresso a Portugal - estão hoje no Porto e amanhã em Lisboa - aqui fica a apresentação do novo álbum dos britânicos Portishead, Third, a pouco mais de meio mês da sua chegada aos escaparates. Chama-se "Machine Gun" e desvenda o mesmo fôlego claustrofóbico e angustiado que celebrizou Beth Gibbons, Geoff Barrow e Adrian Utley, aqui servido num interessantíssimo pendor minimalista e sem elementos acústicos. E o resto do álbum - que terá nota de destaque proximamente no apARTES - não deve nada a este primeiro avanço. Suculento...

Why? - Alopecia

2008-03-24T11:31:00.002Z

8/10
Anticon
2008
www.myspace.com/
whyanticon

Se inicialmente a sigla Why? era apenas a máscara mediática do prolífico Yoni Wolf (um dos fundadores do selo Anticon, da California, e protagonista de incontáveis parcerias artísticas), o conceito foi progressivamente abraçando um alinhamento regular de músicos, vindo a tornar-se uma banda de corpo inteiro no segundo longa-duração (Elephant Eyelash, de 2005), com Josiah Wolf (irmão de Yoni, bateria), Doug McDiarmid (multi-instrumentalista) e Matt Meldon (guitarra). Não raras vezes, o laço umbilical de Yoni à Anticon (ou ao colectivo cLOUDDEAD) trouxe ao quarteto californiano rotulações equívocas, mormente aquelas que os agregaram à turba do underground rap - afinal, o grosso do catálogo Anticon vem dessa órbita - quando, na essência, o conceito Why? nunca deixou de ser um projecto verdadeiramente indie, com alguns destinos de vanguardismo rap (ou mesmo spoken word), é certo, mas com outras substâncias somadas de permeio. A verdade é que, mesmo tratando-se de um som normalmente pouco cifrado (e, consequentemente, acessível), a música dos Why? é um híbrido de difícil catalogação, um batel navegando nas águas incertas da experimentação em linguagens indie-rock, com miradas a um certo intimismo melódico tangente dos paradigmas pop-folk ("Fatalist Palmistry" é o melhor exemplo disso), ou incursões por uma espécie de intelectualismo hip-hop.

O resultado, particularmente na galeria de imagens deste Alopecia, é ambivalente: ora harmónico, íntimo e sonhador ("Song of the Sad Assassin"), ora abstracto, inquieto e desafiante ("Good Friday", auge do disco, ou "The Hollows"), ou as duas coisas ao mesmo tempo (escute-se, a esse nível, a belíssima "Simeon's Dilemma"). Em todo o caso, a despeito das inconsistências e obliquidades que, bem vistas as coisas, compõem a entidade Why? (por essas e por outras, uma personalidade musical assim porosa nunca terá um disco genial), o disco revela ápices de encanto que dificilmente encontram paralelo noutros actos da cena artística actual. E esse mérito não pode tirar-se às paixões camaleónicas de Yoni Wolf.

Posto de escuta Good FridayIThe HollowsIFatalist Palmistry

The Vicious Five - Sounds Like Trouble

2008-03-24T10:32:00.002Z

7/10
Edição de autor
Lisboagência
2008

Depois de um início de percurso algo titubeante - dir-se-ia que próprio de quem sorvia com alguma desordem as coordenadas da cartilha punk de predilecção - os The Vicious Five apresentam, ao terceiro disco, uma incontornável maturação de princípios. Desde os primeiros acordes de Sounds Like Trouble se percebe que, sem prejuízo da sua visceralidade intrínseca, o rock destes intrépidos lisboetas desvenda amplitudes diferentes, não só por se pautar por uma estruturação distante da urgência rudimentar do punk, mas sobretudo por arriscar as medidas do rock de massas, necessariamente musculado e com um pendor melódico ligeiramente mais angular. Para o estádio. Isso não quer dizer que a trupe de Joaquim Albergaria faça concessões a qualquer facilitismo; será, antes, evidência do natural crescimento da banda, da consequente depuração do processo criativo, da dispensa de impurezas e, no final, de uma crueza diferente. Até a voz de Albergaria aceitou esse crivo de amadurecimento e, no lugar do desenfreado brado de outrora, surge agora um registo igualmente intenso mas mais seguro e consistente, como quem percebeu que para ser insurgente não tem que se berrar por dá cá aquela palha. E não é por isso que Sounds Like Trouble deixa de ser um frenético (e suado) porta-voz de uma geração desencantada consigo mesma, mas com o sarcástico alento para fazer disso uma festa a resvalar para a imoderação. Com um sorriso de escárnio, o convite fica feito. Requisito único: saltar até moer o esqueleto...

Posto de escuta MySpace

Hercules and Love Affair - Hercules and Love Affair

2008-03-23T12:49:00.003Z

8/10
DFA
2008
www.myspace.com/
herculesandloveaffair

Se o panorama actual da música de Brooklyn se tem notabilizado pelo recrudescimento de uma impressionante colheita de novos projectos de rock independente, isso não quer dizer que, nas sombras desse movimento afirmador da vitalidade criativa da cidade, não caibam outros géneros musicais. Prova disso mesmo é o fresquíssimo entusiasmo em torno do projecto Hercules and Love Affair, de Andrew Butler. Ele é um DJ e promotor de eventos que, antes de chegar ao conhecimento de Tim Goldsworthy, um dos "patrões" da DFA, tinha já um caminho percorrido na culture club nova-iorquina. Entre inúmeras festas e mostras da sua actividade de DJ, Butler foi abrindo espaço a criações originais que, agora, chegam à forma de disco, depois de um par de singles editados. Se, inicialmente, o vinil 12" Classique #2/Roar, empoladamente lançado pela DFA, no final do ano transacto, como produto de uma estética "euphoric disco", passou praticamente despercebido aos públicos fora do orbe da música de dança, foi com "Blind", vocalizado por Antony Hegarty (ele mesmo, dos Antony and the Johnsons), que o conceito Hercules and Love Affair veio a merecer a curiosidade de mais gente. A servir de aperitivo para o álbum que agora nos chega, a canção desvendava genuínos sabores retro, com as batidas cíclicas da disco e discursos de sintetizador e um registo de Antony arrumado num cenário bem diferente daqueles que dera a conhecer antes, ou a título pessoal ou nas inúmeras parcerias que assinou nos últimos anos (Lou Reed, CocoRosie, Joan as a Police Woman, Rufus Wainwright, Current 93). Terá sido, de resto, o facto de Antony emprestar a sua voz a metade dos trechos do alinhamento da homónima estreia em disco de Hercules and Love Affair que aproximou deste disco, além dos adeptos incondicionais da música electrónica e de dança, uma falange de curiosos e habituais consumidores de outras estéticas. Depois, o pormenor do disco ser apadrinhado pela DFA, um dos mais entusiasmantes poisos de artistas da actualidade, ajudou a exponenciar curiosidades sobre as reais virtudes das criações de Andy Butler quando passadas à forma de álbum.

A esse propósito, Hercules and Love Affair não esconde fundações genéticas de clara nostalgia disco, recuperando uma moldura estética mal-amada no seu tempo mas que, fruto de fôlegos regeneradores pontuais, não só nunca deixou de contaminar as criações electrónicas de cada época, como ciclicamente renovou a sua actualidade. Percebendo a oportunidade de usar a nostalgia por essa estética e reinventá-la com um upgrade de minudências técnicas e, sobretudo, uma proveitosa inclinação pop, Butler confere ao projecto Hercules & Love Affair a ambivalente condição de juntar saudosismo e contemporaneidade. Se juntarmos a essa inesperada dinâmica, a capacidade mutante que as composições revelam (sempre no formato disco) e as mudanças de registo vocal (além de Antony, a heroína da nova soul Nomi e Kim Ann Foxman também cantam), Hercules and Love Affair tem todos os condimentos para saciar melómanos de qualquer quadrante. Mesmo aqueles que franzem o nariz aos sons disco...

Posto de escuta MySpace

Devotchka - A Mad & Faithful Telling

2008-03-22T16:30:00.005Z

7/10
Anti
2008
www.devotchka.net

Quem ouve a excêntrica charanga instrumental dos Devotchka pela primeira vez, dificilmente os associa aos sumptuosos cenários rochosos do Colorado, tal é a aparente incongruência estética entre a nacionalidade do quarteto e a fórmula musical que subscrevem. Seja pela versatilidade da formação musical de cada um dos integrantes do grupo - cada um deles se expressa em mais do que um instrumento - ou pelas improváveis afinidades com o folclore gitano dos Balcãs, a música eslava, a festividade mariachi, a canção grega de câmara, ou mesmo as distantes descendências da folk americana, a verdade é que a música dos Devotchka não tem rótulo único. Mediatizados sobretudo depois do convite para musicarem o filme Little Miss Sunshine (no mercado luso, Uma Família à Beira de um Ataque de Nervos, de 2006), os arrojados americanos viram crescer à sua volta um mini-fenómeno de culto que, não só buscou os discos anteriormente editados (com especial enfoque no impressivo How it Ends (2004), quarto título do seu percurso), como ergueu paulatinamente uma interessante onda de expectativas face a um novo álbum. Depois de aguçarem apetites com um EP de covers (Curse Your Little Heart, de há dois anos), os Devotchka mostram-se, neste A Mad & Faithfull Telling, fiéis a si mesmos e à sua verve única. Além deles, talvez apenas Eugene Hütz e os seus burlescos Gogol Bordello, prestem, com raízes em terras americanas, tão verosímil homenagem à universalidade da música e ao interesse em deixar o acto de criação musical ser polinizado por quaisquer estímulos e afinidades, mesmo que eles venham de culturas e heranças sociais remotas.

A Mad & Faithfull Telling é, portanto, novo capítulo sem centro geográfico, tão nómada quanto a música cigana que é a sua luminária primaz, e onde as canções bebem pontualmente das influências étnicas que mais a preenchem, desde as melancolias da pop "clássica" grega, do colorido instrumental das brass bands e do klezmer do sudeste europeu, da musette francesa, do spaghetti western, da singeleza acústica dos fantasmáticos olores folk. No final, escutado mais este périplo aventureiro e sem grandes cuidados formais dos Devotchka, percebe-se que o trabalho pioneiro de gente como Ry Cooder, Peter Gabriel, Jah Wobble ou David Byrne - eles foram, afinal, dos primeiros a fazer escalas musicais noutros pontos do Globo - continua a ter seguidores e protagonistas nas novas gerações. E que as ondulações da magnífica secção de cordas e as medidas cinematográficas dos Devotchka são, hoje por hoje, uma das melhores e mais apaixonadas fontes de "música do mundo" feita nos E.U.A.. Da balada confessional ao paradoxo de uma pândega quase ébria, tudo cabe no ideário de A Mad & Faithfull Telling. Os melómanos agradecem a sinceridade.

Posto de escuta Along the WayITransliteratorIUndone

Rita Redshoes - Golden Era

2008-03-18T15:52:00.002Z

7/10
Anjo da Guarda
iPlay
2008
www.rainbowmaker.blogspot.com

Quando se apresentou aos grandes públicos em passinhos de lã, com o interessante cartão de visita que foi "Dream On Girl", poucos se lembrariam do "estágio" de Rita Pereira nos entretanto esquecidos (e discretos) Atomic Bees e alguns tê-la-iam já visto ao piano, nos mesmos palcos de David Fonseca. Para trás estavam também anos de tirocínio artístico e um laboratório de episódicos capítulos noutros projectos musicais, a sustentaram a maturação (e consequente afirmação no espaço mediático) de uma identidade que se mostra como Rita Redshoes. Trata-se, sobretudo, de um alter-ego a que os anos de concertos e estúdios conferiram uma definição musical sem presunções nem pedantismo e onde se manifestam "deformações" académicas (o gosto pelo piano é uma delas) na hora de escrever, um cuidado no detalhe das formas (a produção é luminosa) e uma genuína assinatura de intimidade e realismo. A rematar esse compromisso de subjectividade do disco (leia-se, centragem na consciência), Rita empresta às canções uma voz que faz melodia de histórias do quotidiano e de múltiplas imagens do amor. O resto é-nos dado pela viveza das composições, melhores na musicalidade do que nas letras - a esterilidade pontual de alguns lugares comuns é um ponto em desfavor - mas essencialmente demonstrativas de um frescor pouco comum cá no burgo, um misto de candura folk feminina, fragrâncias rock, quimeras de coros pastorais e orquestras de bolso. No final, sobra um estilo pessoal que, mesmo não ficando a salvo de um ou outro cliché, estabelece Rita Redshoes como uma das mais suculentas revelações lusas para este ano. E Golden Era como um muito competente registo de debute.

Posto de escuta MySpace

Autechre - Quaristice

2008-03-17T15:32:00.003Z

6/10
Warp
2008
www.autechre.ws

Embora nas edições mais recentes do selo Warp se encontrem alguns mediáticos desvios estéticos (!!!, Battles, Maxïmo Park ou Jamie Lidell, por exemplo) ao seu corpo editorial "tradicional" - no que pode ser visto como uma segunda página do cardápio, claramente sem o sublinhado das electrónicas - a verdade é que o grosso dos lançamentos da editora inglesa continua a abrir espaço para ousadias de experimentalismo electrónico, com o mesmo espírito pioneiro dos primeiros dias. Com quase vinte anos de ímpar afirmação junto de uma extensa legião de melómanos devotos das linguagens sintéticas mais eruditas e excêntricas, a Warp viria a tornar-se o berço desbastador da criatividade de muitos artífices que têm hoje (ou tiveram) "peso" no universo da electrónica, casos de Richard David James (Aphex Twin, AFX, GAK, Q-Chastic), Dj EASE (Nightmares on Wax), Mark Bell (LFO), Mike Golding e Steve Rutter (ambos no conceito B12), Richie Hawtin, Alex Paterson (The Orb), Andrew Weatherall (The Sabers of Paradise, Two Lone Swordsmen), Tom Jenkinson (Squarepusher), Scott Herren (Prefuse 73, Savath & Savalas), os Antipop Consortium, os Black Dog, entre muitos outros. Dessa extensa lista constam também os nomes de Rob Brown e Sean Booth, parceiros criativos da dupla Autechre (fundada em 1987), dois dos mais sonantes intérpretes da esfera IDM (Intelligent Dance Music) e da electrónica abstracta.

Quaristice, nono registo da dupla de Rochdale, encontra-os na segurança de um som apurado ao longo dos anos, assente sobretudo em estruturas rítmicas de alguma complexidade, no devaneio de alheamento sci-fi do costume e no desprendimento formal (ou desconstrução?) que os torna inconfundíveis. Sem agravo da eficácia do disco, há sombras de um saudável revivalismo, de nostalgia do tempo em que a música para mexer os neurónios pouco mais era do que um mero produto especulativo, clandestino e pessoal. Nesse particular, os Autechre guardam uma irrepreensível fidelidade à sondagem de novos limites para a experimentação electrónica (depois de uma génese essencialmente vocacionada para a techno), erguendo-se como uma das mais dinâmicas forças da electrónica para ouvir e pensar. Assim também Quaristice se faz em visitas demoradas e pausadas, pese embora a invulgar (na discografia Autechre) urgência dos trechos, poucas vezes acima dos quatro minutos, e a extensão do alinhamento (duas dezenas de faixas!). Danos na coesão? É verdade que sim, mesmo olhando à definição pouco consensual de harmonia dos Autechre. Em tudo o mais, o álbum é nervoso, agitado, convulsivo e embaraça-se, aqui e ali, em indecisões de fôlego e pulso. Aquilo que fora a mágica arte do sublime Tri-Repetae (1995), obra magna da dupla, assemelha-se aqui a um espelho de hesitações, onde se reflectem fragmentos menos magros do que parecem à primeira audição mas, ainda assim, marcados pelo desconforto de fins abruptos ou de divagações sem rumo. Mais melódicas e amplas, também menos cifradas na construção, as faixas de Quaristice deixam à produção a incumbência de disfarçar prolixidades, incertezas e desarmonias do alinhamento. E embora a coisa até saia muito bem camuflada atrás de algumas vinhetas bem urdidas ("Altibzz", "Rale" e "Tankakern" são as novas bandeiras do vanguardismo "típico" de Brown e Booth), não se chega a ouvir o disco que, vencidos três anos de silêncio, se esperava dos Autechre.

Posto de escuta AltibzzIRaleITankakern

The Kills - Midnight Boom

2008-03-14T11:46:00.003Z

7/10
Domino
2008
www.thekills.tv

Se questionarmos racionalmente as potencialidades criativas que se podem extrair do trinómio voz/guitarra/máquina de beats e, sobretudo, a longevidade de uma fórmula musical que se alimenta apenas dessas substâncias, impõe-se creditar ao par anglo-americano The Kills o reconhecimento da sua persistência. Justiça lhes seja feita, então: Jamie "Hotel" Hince e Alison "VV" Mosshart não só se têm mantido fiéis a uma cartilha punk blues minimalista e de garagem, como têm sido capazes de contornar as limitações estéticas da sua própria composição instrumental ao assegurarem um substrato de originalidade e insurreição em cada disco. Em paralelo com a rebeldia demonstrada na hora de escrever canções, o duo assumiu repetidamente uma postura de confrontação face àquilo a que chamaram o corporativismo editorial e às normas "protocolares" de comportamento de um artista. Não se estranha, portanto que, ao terceiro título do seu percurso, os The Kills sejam ainda orgulhosos enfants terribles do orbe rock, pouco dados a entrevistas e ao contacto com os públicos, bem como a conflituosa convivência que vêm mantendo com a comunidade crítica, alimentado ódios de estimação e namoros pontuais.

Em termos estritamente musicais, Midnight Boom desvenda uma certa inflexão de estilo, especialmente se comparado com o seu antecessor - e mais monocromático disco da dupla - No Wow. No novo opus detecta-se, desde logo, um cuidado acrescido na produção: por detrás do habitual registo "sujo" dos The Kills, há lugar para vozes mais trabalhadas, para a introdução pontual de palmas e percussões com mais estrutura e isso empresta às composições outro corpo e, sem dúvida, um alento para experimentar órbitas estéticas novas. Na essência, ainda que Midnight Boom não perca de vista paridades com o histórico rock insurgente, sexy e visceral de VV e Hotel, acaba por decifrar prioridades distintas, onde as máquinas e os sons de síntese dobram as guitarras, sob o pano de polir. É assim, mais urbano e de sanhas domadas, que se faz o novo álbum. E nesse registo simultaneamente mais suculento (os tais pormenores da produção) e mais vocacionado para redesenhar a firmeza das canções, reside, afinal, a alma que os The Kills sempre tiveram: as afinidades com a urgência punk e os blues primários, os amores platónicos com o noise, a sedução da pista de dança (Armani XXXchange, produtor dos emergentes Spank Rock, plastifica as beats do disco) e doutrinas de hedonismo. E com altivas construções como a dançante "Cheap and Cheerful", a pop ímpia de "Tape Song", a minimalista "Black Balloon" ou a sensual "U.R.A. Fever", nem é preciso subir os dBs do amplificador para descobrir que a verve instável dos The Kills não depende da forma. Tem vida própria.

Posto de escuta MySpace

MGMT - Oracular Spectacular

2008-03-13T15:35:00.003Z

7/10
Red Ink
Columbia
2008
www.whoismgmt.com

Começa a ser motivo para teses sociológicas o aparecimento de uma linhagem contemporânea (e crescente) de músicos em Brooklyn, a maior parte dos quais fiéis a compromissos estéticos presos a coisa nenhuma e marcados, sobretudo, pela definição de novas amplitudes para a expressão indie. Centro nevrálgico de alguns dos mais estimulantes conceitos da música nova-iorquina actual (Yeasayer, Animal Collective, Vampire Weekend, Au Revoir Simone ou The Cloud Room, por exemplo), o condado de Brooklyn é também a casa "emprestada" dos MGMT (acrónimo de management), conceito artístico que Ben Goldwasser e Andrew VanWyngarden iniciaram há cerca de seis anos e que, saltou para o mediatismo, com o lançamento do EP Time to Pretend, no início de 2005. De então para cá, a afirmação dos MGMT foi imparável: concertos de abertura para os Of Montreal, contrato discográfico com a Columbia, reconhecimento de algumas das publicações mais relevantes do mundo jornalístico ligado à música, álbum de estreia - precisamente este Oracular Spectacular (lançado digitalmente no final de 2007) - generalizadamente aclamado. E o que tem o álbum destes rapazes de tão especial para gozar entronização tão súbita?

Em linha com algumas das tendências mais recentes de Nova Iorque, os MGMT demonstram vontade de não barrar, ao acto de criação musical, qualquer subterfúgio estético. Dir-se-ia que, a esse propósito, aquilo que Goldwasser e VanWyngarden tão prosaicamente embrulham no trio de palavras que dá rótulo à sua música (vide Myspace) - Surf, Jungle, Country - não é mais do que a jocosa tentativa de abreviar uma massa sonora tão deliciosamente livre e completa que dificilmente qualquer classificação deixaria de ser redutora. De facto, Oracular Spectacular começa por deliciar pela luminosidade que põe na mescla de rock espacial e psicadélico (as guitarras são o trunfo), com pitadas dos melhores momentos do glam e da pop sintética e colorida (aqui valem os sintetizadores). É aí que se centra o nervo do disco, a ele se juntando o equilíbrio das réguas da produção de Dave Fridmann, a trazer ao álbum o mesmíssimo (e igualmente imparável) caleidoscópio sinfónico que emprestara aos Flaming Lips, um meio-termo entre o devaneio futurista de infantes com ilusões megalómanas e a nostalgia retro de conhecedores. Em todo o caso, o álbum sai bem da aposta numa genética simples para as canções: melodias breves, redondas e sem complexidades, ambientes com a urgência e desconforto próprios de juvenis e espírito inventivo. Nessa tentativa de, tal como outros conterrâneos da mesma geração, desenharem uma rejuvenescida arquitectura para a pop contemporânea, os MGMT desvendam em Oracular Spectacular a dose de criatividade que pode precipitá-los para as preferências de muitos melómanos não conformistas. O começo é indiscutivelmente bom, a despeito de alguns equívocos pontuais. Esperemos que nem estes, nem o sucesso instantâneo, venham a confundi-los em próximos capítulos...

Posto de escuta Time to PretendIWeekend WarsIElectric Feel

Bauhaus - Go Away White

2008-03-10T12:14:00.003Z

5/10
Cooking Vinyl
Edel
2008
www.bauhausmusik.com

Chega agora aos escaparates mais uma das expressões de revivalismo que, nos últimos tempos, tomaram a orbe rock. Trata-se do regresso discográfico dos míticos Bauhaus, quase um quarto de século volvido desde o último registo de estúdio, Burning From the Inside (1983). Durante a curta primeira vida (1978-83) do colectivo liderado por Peter Murphy, a banda editou um quarteto de álbuns onde vincou decisivamente ao que vinha. Apostando em assumir uma descendência negra do glam-rock, Murphy e companhia colheram, a despeito de uma não muito pacífica relação com a crítica especializada, a simpatia de uma considerável legião de fãs de várias tribos e identidades. Dos adeptos da urgência e electricidade punk aos sorumbáticos góticos, dos devotos de Bowie aos experimentalistas do rock industrial, poucos foram aqueles que não sentiram o fim dos Bauhaus, mesmo com a ininterrupta (e discreta) actividade a solo de Peter Murphy ou dos restantes três Bauhaus (Daniel Ash, David J e Kevin Haskins), reunidos como Love & Rockets. De então para cá, com a excepção mais ou menos óbvia de Trent Reznor (Nine Inch Nails), poucos projectos musicais conseguiram somar algo ao vazio deixado pelo termo dos Bauhaus e, em última análise, isso atribuiu uma carga quase mitológica ao legado do quarteto britânico. O muito saudado segundo regresso aos palcos - depois de uma digressão pontual, há coisa de dez anos - com o alinhamento original da banda, já em 2006, fez crescer nostalgia e expectativas quanto a um novo trabalho que, nas palavras de Murphy, será o requiem definitivo dos Bauhaus, o canto do cisne.

Musicalmente, Go Away White não tem surpresas e quase soa anacrónico, tal a fidelidade com que decalca os postulados que celebrizaram a banda no passado, inspirando-se na densidade emocional de um rock cru, de essência minimalista e a invocar uma certa teatralidade lúgubre. Nesse sentido, o álbum é, mesmo com o intervalo de vinte e cinco anos, um sucessor natural de Burning From the Inside, com uma diferença muito penalizadora: a inspiração, aqui, é mínima. Tirando um ou outro momento que sacia saudades do passado, mormente nas composições mais sombrias (como a interessante "The Dog's a Vapour"), Go Away White resume-se a fórmulas gastas, mesmo cristalizadas, e poucos fôlegos cativantes. Se estas vão ser, de facto, as últimas manifestações dos Bauhaus - nestas coisas da música, um adeus nem sempre é para ser tomado como um fim - mais vale recordá-los na fase 1978-83. E deixar que a memória preencha os vazios que Go Away White não remedeia...

Posto de escuta AdrenalinIEndless Summer of the DamnedIThe Dog's a Vapour

Stephen Malkmus & The Jicks - Real Emotional Trash

2008-03-10T10:42:00.002Z

6/10
Domino
Edel
2008
www.stephenmalkmus.com

Desde a cessação dos Pavement, o californiano Stephen Malkmus protagonizou um percurso solitário em que soube erguer uma identidade própria, fazendo uso do espírito independente que herdou ao leme do colectivo mas, ao mesmo tempo, sendo capaz de demarcar-se da "pesada" sombra de um legado artístico reconhecido e, sobretudo, do perigo de se limitar ao decalque de conceitos. Três álbuns depois, Real Emotional Trash vê a luz do dia sob suspeitas de que a febre das reuniões de bandas desintegradas venha a tocar também os Pavement. E a onda especulativa parece ter contaminado a escrita de Malkmus, ou não fosse este, do quarteto de álbuns em nome próprio, aquele que mais revela proximidades com o seu próprio passado criativo. Percebe-se, tão claramente como se sentia em alguns momentos dos Pavement, o gosto em procurar órbitas fora das convenções e, assim, desenhar canções sem compromisso formal, mas com destino definido. Depois, atrás dessa liberdade (libertinagem?) criativa, vêm afinidades com o lado mais emocional do rock progressivo (o exemplo mais notório mora no tema-título) e uma predisposição para desmontar as estruturas que os primeiros acordes de cada composição anunciam. Nesse particular, Real Emotional Trash mostra um sensível desembaraço de estúdio, muitas vezes derivando para aquilo que parece mais ser o registo de uma sessão de improviso ou de um ensaio do que propriamente uma obra terminada.

Nada a opôr a essa matriz (des)construtiva, não fosse o problema de, na maior parte desses instantes, se instalar um ligeiro desgoverno que, podendo vir a deliciar adeptos de música livre, acaba por ofuscar propósitos e sentidos finais de cada peça e, no lugar destes, instalar a repetição ou, em alguns casos, a indefinição. Ainda assim, como não podia deixar de ser num disco de Malkmus, há trechos que recompensam a indulgência do ouvinte face ao enigmático psicadelismo e à flacidez do alinhamento: "Baltimore" é um alienado exercício de rock progressivo (onde se desvenda a utilíssima ajuda da nova membro dos The Jicks, Janet Weiss, voz e percussão das Sleater Kinney), "Gardenia" e "We Can't Help You" são o contraponto de luminosidade, "Dragonfly Pie" é um curioso mosaico rock. E assim se sublinham as ambivalências de Real Emotional Trash. Não espanta que ele suscite opiniões contrastantes que, goste-se ou não do resultado, certificam a autoridade de Malkmus como compositor a quem poucos ficam indiferentes.

Posto de escuta Dragonfly PieIBaltimoreIGardenia

Vampire Weekend - Vampire Weekend

2008-03-06T11:21:00.003Z

8/10
XL
2008
www.vampireweekend.com

O último acontecimento musical do cada vez mais produtivo filão nova-iorquino e, antes disso, do fenómeno corrente das blog bands (foi na plataforma da blogosfera que o entusiasmo em torno da banda se sedimentou), é o quarteto Vampire Weekend. Se o final do ano passado, com um par de singles ("Cape Cod Kwassa Kwassa", primeiro, e a deliciosa "Mansard Roof" depois) de impressiva frescura pop, nos mostrou indícios primeiros de confirmação da valia que, para estes rapazes, era anunciada (e entronizada) num generalizado burburinho cibernético, o álbum homónimo de estreia está aí para pôr à prova todas as considerações. As primeiras audições do disco, além de afirmarem categoricamente a viciante sedução das canções, descodificam parcialmente o enigmático rótulo estético em que a banda se auto-arruma, com pompa de novidade: "Upper West Side Soweto". Em partes iguais, atrás dessa expressão, revelam-se afinidades indisfarçáveis com as descendências experimentais do new wave, não necessariamente nova-iorquino (os Talking Heads ou a fase "africana" de Paul Simon parecem um luminária mais ou menos presente), e uma muito curiosa proximidade com ritmos e trejeitos instrumentais africanos (a kwassa kwassa do Congo até baptiza uma das canções). Desconhecem-se as causas dessas relações de contacto dos Vampire Weekend com a música africana, mas a verdade é que a fórmula resulta muito bem, com o entusiasmo quase naïf do anúncio de uma nova descoberta. Depois, as composições, mesmo quando se refugiam em minimalismo recatado, irradiam atitude positiva: as guitarras maquilham-se de festim afro, as percussões pulsam compassos dançantes, as teclas emprestam cores e serpentinas, os arranjos enchem o ambiente de luzes multi-coloridas e a voz de Ezra Koenig é uma fulgurante chama de optimismo. No final, depois de escutado vezes sem conta, sobra a sensação de que dificilmente o debute discográfico dos Vampire Weekend poderia ser melhor. E que se trata de um registo imperdível de pop simples, tocante, melódica, sem recursos técnicos desnecessários e apaixonante. Não é a isso que se deve chamar novidade?

Posto de escuta Mansard RoofICape Cod Kwassa KwassaIOxford Comma

Evangelista - Hello, Voyager

2008-03-04T11:31:00.004Z

8/10
Constellation
2008
www.evangelistasounds.com

Com um início de trajecto artístico disseminado por inúmeros projectos musicais e um sem-número de colaborações paralelas, a nova-iorquina Carla Bozulich tardou a conquistar o seu próprio lugar na convulsa cena musical americana. A comprovar os múltiplos desdobramentos e identidades da compositora, o seu primeiro registo a solo seria editado apenas em 2003 (Red Hearted Stranger), quase uma vintena de anos depois de ter experimentado os primeiros passos, na altura ao lado de Gary Kail. Defensora de uma concepção de arte que não se fecha apenas nas manifestações musicais, abrindo a verve à escrita e a casuais expressões na arte ilustrativa, Bozulich aderiu recentemente à "família" da Constellation, selo canadiano conhecido pelas sinergias entre os integrantes do seu catálogo, pelo que não se estranha o auxílio instrumental de grande parte dos Thee Silver Mt. Zion nas gravações deste Hello, Voyager. Ao deixar cair o seu próprio nome e rebaptizar o novel conceito musical (Evangelista) num formato de banda, Bozulich terá tentado estabilizar um alinhamento de músicos e, ao mesmo tempo, reconhecer a relevância do contributo de dois parceiros dos últimos anos: a baixista Tara Barnes (Eno, Business Lady) e o baterista Shahzad Ismaily (Secret Chiefs 3).

Em termos estritamente musicais, Hello, Voyager não mostra diferenças muito salientes face à tríade de álbuns atrás de si. Se estes eram marcados, sobretudo, por uma visão muito peculiar das diversas gamas e ambientes minimalistas da country-folk, quase constantemente apresentados com revestimentos de experimentalismo negro e alguma espiritualidade, o novo registo acolhe semelhante modelo estético. O disco repisa a simplicidade estrutural de outrora, apostando essencialmente na purificação emocional, ora buscando uma certa teatralidade sombria (os acrescentos de cordas são preciosos nesse particular), ora preferindo deflagrar pontualmente ruídos próximos da música industrial. Em qualquer dos casos, o pano de fundo é dado por construções melódicas pouco complexas, no limite da desconstrução (ouça-se a exemplar coda de encerramento do álbum), com a inconfundível voz cicerone de Bozulich (às vezes lembra Kristin Hersh) a levar-nos por entre abstracções de caos gótico e bizarros mantras ou confissões de catarse. Há qualquer coisa de entrópico na música da nova-iorquina e é precisamente no meio do desregramento que nasce uma lógica cativante, a sedução pelo choque, a atracção no confronto. E aí, Hello, Voyager desvenda o raro refinamento de uma linguagem que, tendo sido aperfeiçoada gradualmente, chega agora a um belíssimo equilíbrio entre a plácida melodia pastoral e a esquizofrénica experiência rock com ruídos.

Posto de escuta MySpace

Nick Cave & The Bad Seeds - Dig!!! Lazarus Dig!!!

2008-03-03T11:52:00.002Z

7/10
Mute
2008
www.nickcaveandthebadseeds.com

Depois de alguns desvios criativos recentes, mormente com o projecto Grinderman e algumas composições para a sétima arte - a mais notada em partilha com Warren Ellis (também integrou os Grinderman) para O Assassínio de Jesse James pelo Cobarde Robert Ford, de Andrew Dominik - Nick Cave retoma o percurso que divide com os Bad Seeds há mais de duas décadas. Se o isolado exercício homónimo dos Grinderman, editado no ano transacto, desvendava uma certa nostalgia dos ambientes poeirentos e nervosos da garagem, a recordar os tempos distantes dos Birthday Party, o novo Dig!!! Lazarus Dig!!! recupera parte desse propósito estético, não se coibindo de buscar o conforto de registos "sujos" e, ao mesmo tempo, temperá-los com uma belíssima produção e um ou outro extravio experimental (ouça-se, como exemplo, a soturna "Night of the Lotus Eaters"). Mas mais do que meramente demonstrar qualquer espécie de continuidade (nunca foi esse o cunho de Cave!), o álbum é, acima de tudo, um teste ao gozo do desassossegado australiano na escrita de música e uma revisitação às várias métricas e conceitos de uma carreira que o tempo ajudou a definir como duradoura e incontestável.

Cabem aqui as já usadas competências de explorador de profecias, mitos e crenças religiosas - a evocação do emblema bíblico da ressuscitação, Lázaro, é a mais recente adição à "colecção" - mas também os instintos idiossincráticos (e enigmáticos) de Cave, sempre sublinhados por uma refinadíssima ironia: as mulheres amantes, o hedonismo e a morte que marcha ao nosso lado. Musicalmente, Dig!!! Lazarus Dig!!! é tão vernáculo quanto pode ser um disco de Cave, necessariamente poroso (haverá certamente quem o considere pouco "coeso"), por vezes de uma simplicidade técnica desarmante (a estrutura mínima de acordes de "More News From Nowhere" ou de "Night of the Lotus Eaters" é um paradigma disso), mas sempre pontuado por poemas subversivos, bem escritos e humorados e uma verve que não cessa de efervescer. Mais uma oportuna lição do cinquentão do rock aussie...

Posto de escuta MySpace

American Music Club - The Golden Age

2008-02-28T12:00:00.002Z

7/10
Merge Records
2008
www.american-music-club.com

Poucos serão aqueles que não reconhecem na figura de Mark Eitzel uma das mais peremptórias âncoras do universo indie americano. Por inerência, os American Music Club, colectivo que lidera há cerca de vintena e meia de anos (com um hiato sabático de uma década pelo meio), merecem ser reconhecidos na exacta medida em que a sua música desbravou consciências, mesclando num jeito único os arquétipos da folk americana e a complexidade intimista de um compositor muito cuidadoso na hora de reflectir sobre cenários pessoais e circunstâncias sociais à sua volta. O produto musical dos AMC tornou-se, assim, não apenas um harmónico cancioneiro das várias dimensões e descendências da música americana (de cariz essencialmente acústico e cadência pausada), como também uma obra recheada, em partes iguais, de letras de introspecção e de consciência político-social, quase sempre pautadas por um romantismo negro e pureza sentimental. Neste segunda manifestação depois do "regresso" (Love Songs For Patriots, de 2004, interrompera o tal interregno de dez anos), os AMC não desiludem e reafirmam a validade de uma linguagem musical singular, gentil e delicada, na primeira impressão, mas com um substrato de espírito observador desinquieto a revelar-se gradualmente. The Golden Age é, portanto, um disco que faz uso das melancolias de Eitzel, aqui e ali ousando escapar-se do conforto de um discurso cimentado ao longo de anos, mas sem um rasgo decisivo de novidade. O que, no caso dos AMC, não é necessariamente negativo, ou não estivéssemos perante um dos ensembles americanos de maior eloquência artística e com um discurso suficientemente emancipado para ter fôlego próprio e méritos peculiares. E para valer, em si mesmo, um muito competente desempenho na composição.

Posto de escuta Decibels and Little PillsIAll the Lost Souls Welcome You to San FranciscoIOne Step Ahead

Alinhar pelo presente...

2008-02-26T12:06:00.001Z

Com chegada prevista para o final de Março, o novo (e sexto) disco dos britânicos Supergrass marca o regresso do quarteto, agora alinhado com as descendências mais recentes do rock do Reino Unido. "Diamond Hoo Ha Man", primeiro avanço do álbum homónimo, está aí para demonstrar o distanciamento da banda face às suas raízes pop-punk (quem não se lembra da celebérrima "Alright", de 1995?), rumo a um discurso rock 'n' roll mais directo e imediato, também mais cru mas, como bem confirma esta canção, não menos entusiasmante. Com ou sem cedências fruto da contemporaneidade e da necessidade de não cair no esquecimento...

E a Europa ali tão perto...

2008-02-25T11:37:00.003Z

Marion Cotillard, imprevisto emblema da entrega dos Óscares, esta madrugada, foi a surpreendente (e surpreendida) distinguida na categoria de representação feminina, figurando ao lado do mais que previsto Daniel Day-Lewis (arrecadou a terceira estatueta da sua carreira) e dos irmãos Coen - levaram para casa os prémios mais cobiçados: Melhor Filme e Realização (Este País Não é Para Velhos). Nos desempenhos de suporte, Javier Bardem e Tilda Swinton confirmaram uma regra curiosa: as categorias de representação distinguiram exclusivamente actores europeus. Irónicos sinais dos tempos, numa indústria cinematográfica de grande escala que, independentemente da presença plutocrática dos mastodônticos estúdios de Hollywood e suas estruturas tentaculares na sétima arte, não deixa de desvendar um espaço mediático cada vez maior para actores não americanos.

A lista completa de vencedores pode ser consultada aqui.

Goldfrapp - Seventh Tree

2008-02-25T11:00:00.004Z

6/10
Mute Records
EMI
2008
www.goldfrapp.co.uk

Depois de uma trindade de registos vocacionados essencialmente para perscrutar as potencialidades hedonistas da electrónica de grande consumo, Alison Goldfrapp ter-se-á cansado do quotidiano de estrela generalizadamente consagrada nesse orbe. Não se deve estranhar, portanto, que Seventh Tree seja uma espécie de volte-face e prescinda de parte significativa do cardápio costumeiro, pondo de lado a efusão sintética de outros discos, as camadas sobrepostas de sintetizadores, os efeitos vocais ou as guitarras angulares. No lugar dessa panóplia "artificial", as composições reservam, agora, espaço para um compromisso de estruturas acústicas, voz maioritariamente livre de maquilhagem e uma inesperada sensibilidade (e desafectação) pop. Nesse aspecto, as canções desvendam um curioso jogo de introspecções mais pessoais, ao sublinharem intimismo e densidade ambiental, no mesmo jeito do distante Felt Mountain, de 2000. Não obstante essa aproximação ao melhor passado de Goldfrapp e a consequente viragem acústica, Seventh Tree não chega a privar-se em absoluto das valências dos sintetizadores, acabando por usá-los como pontual escapatória de emergência, essencialmente no preenchimento dos ambientes acústicos. E é nessa irresolução, no estranho limbo entre o dançante urbano e a folk quase pastoral do início de percurso (aqui apenas reminiscente...), que se perde Seventh Tree. A despeito de um ou outro momento de maior assombro (a minimalista "Clowns" é paradigma) - a provar a validade segura da aliança Alison Goldfrapp/Will Gregory - o disco fica refém das suas próprias premissas, divagando medianamente entre uma proposta de pop surrealista e de abstracção (que imporia uma escrita com outro apuro) e a reciclagem cheia de impurezas dos vícios dançantes dos últimos registos. E acaba por não ser nem uma coisa nem outra.

Posto de escuta ClownsIHappinessIA&E

Dengue Fever - Venus on Earth

2008-02-22T16:49:00.003Z

7/10
M80
2008
www.myspace.com/
denguefevermusic

Se há colectivo musical que reflecte directamente os efeitos da miscigenação cultural a que pomposamente se atribui o substantivo chavão da globalização, ele está nos californianos Dengue Fever. Alegadamente formados depois de uma avulsa expedição do teclista Ethan Holtzman ao Cambodja, onde descobriu o rock sessentista local - então desvendando improváveis afinidades com a estética do rock psicadélico "clássico" (a presença notória do órgão e das guitarras distorcidas) e pontos de contacto com o imaginário do cinema indiano - os Dengue Fever começaram por ser um espaço de veneração desses sons. Com uma formação inicial que, além de Ethan contava com o irmão Zac Holtzman (voz/guitarra), o saxofonista David Ralicke, o baterista Paul Smith e o baixista Senon Williams (dos Radar Bros.), os Dengue Fever começaram por ser uma banda de versões, usando material do legado cambodjiano trazido para os E.U.A. por Ethan. Não tardou até que o quinteto sentisse o impulso de escrever originais; a revelação de Chhom Nimol, cantora emigrante em Los Angeles e descendente de uma família artisticamente célebre no Cambodja, trouxe à música dos Dengue Fever o carisma procurado: verbalizações em língua khmer.

Com um discreto debute essencialmente feito de versões e um segundo álbum a emancipar a escrita própria, o sexteto aprimora fórmulas no terceiro capítulo. Venus on Earth vai um pouco mais além na mescla entre o exotismo importado da Indochina e coordenadas diversas das brass bands (tão caras ao universo asiático) e, sobretudo, do rock nostálgico. Nesse particular, é curiosa (e muito apropriada, diga-se) a menção, no MySpace dos Dengue Fever, aos Mutantes como influência primária. Há, de facto, qualquer coisa neste colectivo da bizarria progressiva e da verve sulcadora de consciências que os brasileiros tiveram no final da década de sessenta. O único senão é que, a despeito de a banda se revelar mais "solta" aqui do que em tomos anteriores, parecem sair esbanjadas algumas boas ideias desse desembaraço. E isso quer dizer que, salvo um punhado de excepções ("Seeing Hands", "Laugh Track" e "Mr. Orange"), Venus on Earth fica aquém da diversidade que os Dengue Fever prometem.

Posto de escuta Seeing HandsILaugh TrackIMr. Orange

Nova Balla em Março

2008-02-19T16:13:00.003Z

No final do próximo mês, chegará às lojas Resumo, nova compilação da Chiado Records e SonyBMG dos principais êxitos do projecto Balla, de Armando Teixeira. A colecção cobrirá os três álbuns do autor sob esse epíteto e vem apresentada pelo novo single "Tudo (Em Queda Livre)". A canção está disponível para escuta no sítio oficial da editora. Basta clicar aqui.

Novos sons de Brooklyn

2008-02-18T18:35:00.002Z

Embora tenha sido lançado no mercado americano já no final do ano transacto, o álbum de estreia dos nova-iorquinos MGMT tem chegada à Europa prevista para Março. Eles são o novo dueto-sensação da hiper-activa Brooklyn e "Time to Pretend", primeiro avanço do disco, faz alarde uma electro-pop esdrúxula e subliminarmente psicadélica, cheia de cores, com um punhado de referências nostálgicas e com um entendimento melódico verdadeiramente enleante. Coisa para fazer lembrar o que de melhor brotou da fonte Flaming Lips. Nem de propósito: Dave Fridmann, alquimista habitual do som dos FL, produz Andrew Vanwyngarden e Ben Goldwasser neste debute. Deguste-se, pois então.

Em actuação no David Letterman Show:

Para ver o vídeo oficial da canção em alta resolução, clique aqui

Earth - The Bees Made Honey in the Lion's Skull

2008-02-17T12:33:00.003Z

7/10
Southern Lord
2008
www.thronesanddominions.com

Dylan Carlson é uma daquelas personagens do mundo musical a que o tempo não fez justiça. Saído do ventre da mesma Seattle que produziu o movimento grunge e deu voz a uma geração de rebeldes descrentes, amigo próximo do malogrado guru e ícone espiritual dessa corrente (Kurt Cobain), Carlson conservou-se placidamente debaixo dos radares do fulgor mediático, embora tenha sido um dos pioneiros mais relevantes da estética drone, logo no começo da década de noventa. Com Matthew "Slim" Moon (fundador dos selos Kill Rock Stars e do entretanto extinto 5 Rue Christine) e Greg Barbior, Carlson criou discretamente os Earth, então subscrevendo um conceito minimalista e especulativo de pegar no rock dos Melvins e, denotando afinidades com as órbitas noise (guitarras afinadas em tons graves, distorções hiperbólicas e acordes prolongados) e com uma certa amorfia e abstracção nas estruturas, inventar-lhe uma feição críptica e cheia de sombras. Não é à toa que os Earth são citados como a luminária decisiva de gente "negra" como Stephen O'Malley (Khanate, Sunn O))), KTL, Lotus Eaters, Ginnungagap), Al Cisneros (Sleep, Om) ou Boris que, hoje por hoje, são os emblemas do drone contemporâneo. Contudo, quem escuta este The Bees Made Honey in the Lion's Skull percebe que Carlson não é um estacionário; se o antecessor, Hex: Or Printing in the Infernal Method (2005), o primeiro título pela Southern Lord, depois de um hiato sabático de alguns anos dos Earth, desvendara uma espécie de ressurreição de Carlson, pela ousadia a desbaratar a habitual impermeabilidade do drone e, assim, permitir saudáveis (e equilibradas) contaminações de arenosa espiritualidade western, quase country-depressivas. Tratava-se, na substância, de um disco de reforçada espiritualidade, já não erguida apenas da redundância de distorções ásperas e lúgubres, mas essencialmente da oportunidade melódica que surgiu do abaixamento de volumes, subida de tons e outro detalhismo na composição.

São também essas as premissas de The Bees Made Honey in the Lion's Skull, um trabalho bem distante das órbitas conceptuais de início de carreira e ilustrativo da sublimação de fórmulas da segunda pele dos Earth (e de Carlson). Os trechos pouco guardam do drone e, sem perderem vigor anestésico (no acepção hipnótica da expressão), apelam ao tal imaginário western, ainda que entrecortado por ambientes de espiritualidade escura. As instrumentações, a despeito de alguns lances mais repetitivos (afinal, essa é uma das deformações próprias de alguém com raízes no drone), são de escol. E, no final, fica a sensação de que este é o melhor álbum da segunda vida dos Earth.

Posto de escuta Omens and Portents I: The DriverIEngine of RuinIOmens and Portents II: Carrion Crow

DJ Dolores - 1 Real

2008-02-16T11:18:00.003Z

8/10
Ziriguiboom
2008
www.crammed.be

Quase três anos decorreram desde que Aparelhagem deu ao sergipano Hélder Aragão (aka DJ Dolores) visibilidade internacional, além das fronteiras do Brasil. Esse trabalho desvendava uma curiosíssima mescla de variáveis tradicionais da música do Recife - sobretudo os embalos contagiantes do maracatu (ele próprio um produto híbrido das culturas afro-indígenas) - com elementos de síntese e as programações, breakbeats e samples. A mistura é recuperada neste 1 Real (não nos deixemos enganar pelo título aparentemente prosaico), um disco povoado por ambientes festivos, genuinamente dançantes e muito bem arrumados. Há lugar para um certo tribalismo com sabores de África ou da Jamaica (o reggae-dub é luminária repetida), para a sedução latina e para métricas da embolada, do afoxé, do carimbó e do caboclinho guerreiro, também para toadas de funk e rock maquilhados, violinos (belos arranjos!) e guitarras, baixos trance, pandeiros e batuques, acordeões, metais, ocarinas, ferrinhos... Ao lado desses ingredientes imprescindíveis a qualquer festa ou charanga do Nordeste, desfila um manifesto de modernidade, tanto no recurso a samples e composições de várias órbitas estéticas (são exemplo a vénia à chanson française - com a voz de Marion Del'eite - em "Shakespeare" ou o protótipo tango-dub de "Números"), como nas magníficas construções rítmicas que são o garante de coesão e harmonia do disco. 1 Real resgata a voz de Isaar (já tinha colaborado com Aragão no álbum anterior) e junta-lhe Hugh Cornwell (dos Stranglers) e os conterrâneos nordestinos Silvério Pessoa, Mónica Feijó, Cláudia Beija e Tiné, vocalista da Academia da Berlinda. Tudo junto, o registo torna-se um belíssimo exercício de exportação da cultura nordestina - Aragão está habituado a maiores encómios além-fronteiras do que "em casa" - e, mais do que isso, soma virtudes às do antecessor, confirmando DJ Dolores como um dos ícones mais sólidos da música brasileira consumida no resto do planeta.

Posto de escuta MySpace